El Soundtrack Postmoderno

... por casualidad este disco comenzó a sonar en mi WMP, y sería bastante poco original decir que se trata de una obra maestra del rock contemporaneo o que es quizás un álbum de rock clásico en plena década de los 90, o también caer en otros lugares comunes como que es un disco sicodélico y totalmente floydiano. No me dieron ganas de escribir sobre eso, sino que más que nada de una cuasi declaración de amor hacia este disco.. sí, creo que eso será: una declaración de amor...

Juventud que crió en los noventa, sea de cualquier tipo de tendencia, de cualquier tipo de forma de vestir, de cualquier tipo de estilo musical, se vio y se ve reflejada en estas 12 pistas, en este compendio de sonidos que más que definir un trance epocal, definen un estado de cosas y percepciones... Es que quien no tiene dentro de sus recuerdos más profundos -que tenga hoy por hoy más de 18 o 19 años- alguna escena de su vida con algunos de estos temas.. quien no recuerda quizás a una novia(o) con cualquiera de estas verdaderas gemas, o quien no recuerda alguna frustración con este OK. Computer, quien no recuerda rabia, desesperación, sometimiento, abulia, rencor, amor, odio, violencia, y por sobre todo, una soledad, una especie de bálsamo para la soledad que es OK Computer...

Es que este disco es más que un simple disco de rock, es otra cosa, es una válvula de escape, es un medicamento, es una droga de supervivencia.. y claro, podrían decir que cualquier disco lo es, en tanto ese disco te guste. El punto es que este disco marcó a una generación, y eso ya es una cuestión social y profundamente política... Es que como no será fabuloso de que OK Computer le guste a tanta gente (claro, algunos dirán que no tiene gracia que le guste a tanta gente y que ahí pierde supuestamente un encanto), que sea un ser-en-común, pese a que todos lo sentimos de distintas formas y lo vivenciamos de muchas maneras..

La primera llegada con el disco siempre es por el lado que es depresivo, lectura común y totalmente válida, de hecho es el estigma con el que carga desde su salida.. Y claro, es así no afirmo lo contrario, pero es así porque el disco es una radiografía, una radiografía social. Y el estado social y humano de la sociedad occidental contemporánea es un estado que alienta a la depresión, a la neurosis autómata, el disco nos pone delante de nosotros el estado de cosas, pero nos la muestra de una forma tal que nosotros caemos, caemos en ese estado que también llamamos depresivo, pero que a mi gusto es algo más que eso...

... nos damos cuenta de cosas, podríamos educar a nuestros hijos con este disco de fondo, educarlos con las melodías del OK Computer, hacerlos que aprendan a hablar por ejemplo con la letra de Fitter Happier, para que luego odien todo eso, tal cual nosotros odiamos para toda nuestra vida los míseros "papá-mamá" que nos imponen cuando aprendemos a hablar. OK Computer te abre los ojos, te despierta de un letargo, pero te despierta no para vivir como te impone una sociedad de consumo, sino que de otra forma, y ese es el punto de discordia, por eso pensamos que OK Computer es un disco "depresivo", pero qué es la supuesta depresión sino otra forma de entender lo que es vivir... Esto podría de largo alcance, es el viejo tema de que hasta qué punto las patalogías mentales son patologías, y no diagnosticos médicos sobre un estado o trance que no acepta las condiciones de existencia concretas... pero bueno..

OK Computer te plantea un "ok" sociedad de consumo, yo me puedo crear salidas, yo puedo pararme de otra forma, yo puedo concebir la vida y tu sistema de otra forma. Yo puedo escupirte pero a la vez manejo el mouse de mi computadora.. yo lo veo todo borroso pero a la vez vitrineo en el mall; diganme que esa contradicción no es enfermiza, no es esquizo, no es digna de la micropercepción que nos abre el OK Computer... Por eso sostengo que no es un disco depre para llorar, no, no es eso, este disco es un letargo no a ti, sino que a un exterior que te tiene capturado...

Por otra parte, las líricas de este disco son confusas, sería irrisorio pensar que todo esto que digo son "interpretaciones" a partir de las letras del disco, toda este mapa que estoy haciendo es simplemente a partir de mis propias experimentaciones con el álbum desde el año 97 hasta ahora.. es decir, son 9 años de vida junto al OK Computer, 9 años que he crecido con un álbum, y que en cada momento, cuando suena de fondo me envuelve en una atmósfera plena de sentido, de quizás refugio, de ese bunker que el mismo Yorke menciona en una canción que está en otro disco de esta ya mítica banda llamada Radiohead.

Me di el placentero trabajo de citar frases a mi gusto claves de cada canción del OK Computer, en vez de comentar los temas, citar frases de los temas y dejarlos abiertos, plantean un mejor desafio.



-Airbag : en la próxima guerra mundial/en una destrucción desgarradora/he nacido de nuevo..

-Paranoid Android : los yuppies negociando/el pánico, el vómito/el pánico, el vómito/dios ama a sus hijos/dios ama a sus hijos, si!....

-Subterranean homesick alien : vivo en una ciudad/donde no puedes oler nada/miras tus pies/por las hendiduras del pavimento...

-Exit music (for a film) : cántanos una canción/una canción que nos mantega cálidos/hace tanto frío/tanto frío

-Let down : transportes. autopistas y tranvías/andando y parando/despegue y aterrizaje/el sentimiento mas vacío/gente desilusionada aferrada a botellas

-Karma police : karma police, arresta a esa chica su peinado hitler me hace sentir/enfermo y hemos estropeado su fiesta...

-Electioneering : antidisturbios voodoo económicos son solo negocios ganado picado y el fmi confio que puedo contar con tu voto

-Climbing up the walls : quince golpes a tu mente manten a los niños a salvo esta noche pon los ojos en el armario no grites o saltará la alarma

-No surprises : una casa tan bonita, un jardín tan bonito/sin alarmas y sin sorpresas....

-Lucky : el jefe de estado me ha llamado por mi nombre pero no tengo tiempo para el va a ser un día glorioso siento que mi suerte puede cambiar

-The Tourist : Hey hombre, más despacio, más despacio idiota, más despacio, más despacio

La Verdad/Mujer

Ay Dios,

No puedo creer

Que lave tus pies,

Y que luego me mires

Y que se peine así

No puedo creer,

No puedo creer

Si es hoy,

y que tu reino me llama

Voy a dejar mí piel,

A tus parcas

Me encanta tu música

Que suena de arpas

Hazme saber,

Hazme saber

Cuando es hoy.

(La Muerte Es Mujer - Babasónicos)

Sin embargo - la mujer será mi tema.

La mujer como lo cerrado y lo abierto a la vez...

Como la negación y la afirmación más poderosa. Si aceptamos que la verdad es mujer... No cabría decir que es lo que nunca está develado totalmente; la verdad como aquello que los filósofos nunca han conocido bien por su gravedad y poca ligereza, por su seriedad y poco sentido lúdico.

“No hay esencia de la mujer porque la mujer separa y se separa de ella misma. Engulle, vela por el fondo, sin fin, sin fondo, toda esencialidad, toda identidad, toda propiedad. Al llegar a este punto el discurso filosófico, ciego, zozobra -se deja arrastrar a su perdición.
No hay verdad de la mujer porque esta separación abisal de la verdad, esta no-verdad es la “verdad”. Mujer es un nombre de esta no-verdad de la verdad.”[1]

La mujer en tanto verdad, en tanto la vida misma, es mujer, y debemos decir también que los filósofos no han sabido nada de la vida. Pero, la mujer como lo que no existe, es decir la verdad misma. Lo cerrado y lo abierto, lo desvelado y lo oculto...

Así, la verdad no se deja conquistar..

Así como la mujer misma no se deja conquistar.

La “verdad” se tiende en las comillas..

El filosofo que ansía la verdad, en tanto mujer, no ha comprendido nada... porque no ha hecho operar la distancia. La distancia que hace efectiva la verdad como verdad... a la mujer como mujer. La distancia sustrae la identidad. Hacer aparecer esa no-identidad, esa no-mismidad, de la verdad.

“Las mujeres y su operación a distancia (ihre Wirkung in die Ferne).”

La seducción de la mujer opera a distancia, la distancia es el elemento de su poder.

Pero de ese canto, de ese encanto, hay que mantenerse a distancia; hay que mantenerse a distancia de la distancia, y no sólo, como podría suponerse, para protegerse contra esa fascinación, sino también para experimentarla.

Es necesaria la distancia (necesaria), hay que mantenerse a distancia (Distanz!), cosa que no hacemos, cosa que olvidamos hacer y esto se parece también a un consejo de hombre a hombre: para seducir y para no dejarse seducir.

Las mujeres viejas[2] ven en la superficialidad todo, la vida misma se les plasma de esa forma: cualquier cosa que huela a profundidad les parece pueril. La mujer suspende toda intención de hacer grave el mundo, de hacer ver las cosas. La verdad como profundidad produce sólo un velo, que cubre perpetuamente a la misma verdad. Sin embargo la verdad no sería simplemente una superficialidad, pues siempre estaría cubierta por un velo. Cuando se saca el velo, cuando una lengua se erige en poder dominante y saca la cubierta, rompe el velo, para que se des-vele la verdad. Ahí se erige la verdad. Los filósofos nunca han sabido como tratar a la mujer...

Se debería pensar también, si la mujer desea la verdad sobre sí: o también, si la verdad desea su verdad. Lo femenino condena cualquier verdad, su arte es la mentira, la simulación. Pero por esa razón, fuerza de afirmación; el dogmatismo condena la simulación en tanto esta es fuerza afirmativa.

La mujer como mentira, pero eso se hace desde la lógica de una metafísica occidental, desde el dogma del filosofo que busca “certezas” y no apariencias... la mujer así, no se afirma en el hombre, sino que se afirma sola. Es una fuerza afirmativa inmanente a ella.


La mujer (la verdad) no se deja conquistar.

A decir verdad la mujer, la verdad no se deja conquistar.

Ella (se) escribe.

En ella revierte el estilo.

Más aún: si el estilo era el hombre (como el pene sería, según Freud, “el prototipo normal del fetiche”) la escritura sería la mujer.

El era, él temía cual mujer castrada.

El era, él temía cual mujer castradora.

El era, él amaba cual mujer afirmativa.

Todo a la vez, simultanea o sucesivamente, según las zonas de su cuerpo y las posiciones de su historia.

¡En él, y fuera de él, estaban implicadas tantas mujeres.

(Las comillas no citadas pertenecen a Espolones de J. Derrida)

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[1] Espolones. Los Estilos de Nietzsche. J. Derrida
[2] En el aforismo “Las viejas y jóvenes” en Así Habló Zaratustra de F.Nietzsche, la mujer vieja le dice a Zaratustra: “Háblame a mí también de la mujer. Soy lo bastante vieja como para olvidar al momento lo que digas”

La fuga de la cultura rock: Babasónicos (Part 2)

No tenemos un compromiso ideológico ni con nuestro público ni con nadie, pero uno no tiene por qué ser tan light, ni ajeno a lo que pasa. En la Argentina y en el rock en general hay como una estetización de la política. Siempre hablar de la realidad y poner de manifiesto algo es una idea de hacer política desde el lugar de poder que tiene una banda de rock. Pero lo que pasa es que nosotros no hacemos partidismo, porque creo que tendríamos que tener una responsabilidad civil más grande y hacernos cargo de las cosas que pasan, para cambiarlas. Babasónicos se hace cargo de que lo que hace, su obra, sea un escape de la realidad. Dentro de todo ese marco sí podemos tener una opinión, que ya es conocida: creemos en la acción. En lo personal, creo que el arte tiene que ser subversivo, la obra tiene que ser subversiva para el momento contemporáneo, porque de esa forma empuja la moral hacia un punto más lejano y hace que cambien los valores permitidos." (Adrián Dargelos, Vocalista Babasónicos)

Los Babasónicos a partir de su disco Miami (1999) comienzan a sostener un estilo más particular de lo que se entiende por la típica banda de rock, a partir de este disco, Babasónicos logra adquirir una estética musical totalmente original para el medio del rock en Latinoamérica. Por ese tiempo en la Argentina se comenzaba a vivir la gran crisis que desencadenaría en los hechos de Diciembre del 2001. Miami es una profecía, es como un relato por-venir que desnuda a una Argentina corrompida y al borde de la crisis. Es un disco que busca un respiro, una salida. A la vez también es un disco que se podría catalogar íntegramente como anti-menemista y anti-neoliberal. Sin embargo el oyente medio, y ni siquiera el oyente medio, hasta un oyente exigente, al oír el disco jamás podría percibir estos calificativos que hemos dado. Miami y Babasónicos en particular se ven un grupo totalmente inofensivo. Las letras hablan en su totalidad –aparentemente- de relaciones amorosas, eso sí, trágicas y opresivas y musicalmente hablando, el disco no contiene una furia, ni punk ni heavy, como para sostener que ahí se encuentren una actitud que es propiamente contestataria a momentos sociales o políticos. Por eso se nos hace difícil comprender que tan políticos son estos chicos, si en apariencia se ven totalmente apolíticos. La idea Babasónica es la de hacer una política totalmente distinta, y eso es lo que en Miami se comienza a hacer patente. Diego Tuñon, tecladista de Babasónicos deja totalmente en claro la postura política del grupo:

“Si el rock ha ocasionado cambios políticos es porque ha hecho cosas que nadie se atrevía a hacer. Pero con el tiempo, toda provocación ha sido cooptada. Intentar hacer política desde la música es un error total. La música conmueve porque te puede abstraer y lanzarte hacia mundos diferentes. No hay que convertirla en un noticiero.”

El rock con mensaje, el rock entendido tradicionalmente con contenido social o político, instala un discurso codificado, aquel que nos entregan por ejemplos los Media y los aparatos culturales institucionales, no crea otro discurso, simplemente traslada los discursos políticos standard a la música. En palabras de Tuñon no te lanza a mundos diferentes, no hay una política nueva. El disco Miami es un viaje plenamente sonoro, en sus múltiples texturas nos empapa de una liberación que sólo la música nos puede dar, sus frases –totalmente musicales- nos confunden, pues en este disco todo es seducción y contradicción. Pasas de contradicciones a contradicciones del reviente a la melancolía, del amor al desamor, de la velocidad a la lentitud. ¿De qué otra forma una banda de rock podría no colaborar con lo establecido sino es de esa manera?

Miami es el disco más político de los Babasónicos, pero a su manera, con sutileza, con ironía, con sensualidad, con psicodelia, crea otra política, otra salida, es propiamente tal una fuga política. 4 am en el inicio del disco nos define todo eso, nos plantea que es preciso escapar de la casa aquella, de una casa apunto de estallar en llamas; Drag Dealer comienza diciéndonos que todo está en crisis, y qué hacer ante eso; Combustible nos dice a cada momento que hay gente quemando el dinero, y así como El Shopping nos plantea que nos creen tener bajo control, y sutilmente Dargelos nos dice: “yo fumo bajo el agua”. Miami es fumar bajo el agua, la experimentación que uno hace con Miami es precisamente ese fumar bajo el agua, hacer algo a escondidas, hacer una transgresión que a simple vista es inofensiva. Los Babasónicos nos invitan a eso...

Miami comercialmente hablando no tuvo mucho éxito, por ese entonces Bersuit Vergarabat y bandas de ese estilo se movían en Argentina como la voz disidente al fin de la época menemista. Pero Miami simplemente se veía como el 5to álbum de aquella banda alternativa de Lanus, pero, inofensivo a más no poder. Los Babas se dieron hasta el lujo de sacar los lados-b de Miami en donde la temática seguía siendo la misma, tanto en letras como musicalmente. El disco llamado Groncho resultó ser más directo aún en su ofensiva a Menem y a la situación de país. Temas como Drogas Para Qué denunciaba la asociación del ex presidente con el tráfico de drogas y armas; Promotora (quizás uno de los mejores temas hecho por Babasónicos) nos define la situación laboral en la cual se encuentra el país pero a través de las nuevas obreras de los servicios, aquellas damas que entregan su belleza y su nulo conocimiento para las grandes tiendas. El coro “Qué va hacer mañana de ti.. Promotora” es casi como una pregunta generalizada para el país: “qué va hacer mañana de ti, Argentina”; y El Subito es ya el estado anímico total de una sociedad en claro estado a-memorial que necesita imperiosamente una ayuda. Pero todo esto, tanto en letras como en música, está expresado crípticamente, simplemente a través de figuras que las tomas y puedes hacer lo que quieres con ellas: son figuras de libre interpretación. En Promotora, que quizás sea la canción más directa políticamente que han hecho, de la siguiente forma se explican los últimos 20 o 15 años del país: “Aquella industria nacional pasó a edificio abandonado, sirvió como estacionamiento y es el shopping del momento. La gloria del cine de barrio terminó evangelizado si como templo estafa lista, hoy es bingo menemista.” Todo muy sutil, todo en imágenes casi cinematográficas, acá la voz de Dargelos ni siquiera se entiende, son puras murmuraciones, dichas con timidez, con poca convicción de que se dicen. Todo es muy joven en los Babasónicos, son un eterno devenir-joven.

Y bueno, qué pasó en Argentina, luego de la salida de Groncho (2000), -dicho sea de paso con un sello independiente- no entraremos a profundizarlo acá, simplemente lo interesante es que los Babasónicos pecan de estar un paso más adelante, vivieron la crisis antes o la pronosticaron. Si profundizáramos en la carrera de los Babasónicos en los 90’, podríamos ver que ellos encarnan la década, desde sus comienzos en la era Pasto (1992), en donde rebosaban optimismo por un por-venir (claramente como comienza el periodo menemista) y luego poco a poco comienzan a naufragar en aguas más oscuras (época de Dopadromo (1996) y Babasónica (1997), dos discos oscurísimos), terminando en Miami, ya con la crisis económica hasta el techo. Miami entonces es la expresión de siete chicos, músicos, que vivieron en Buenos Aires la crisis, de la expresión musical de ellos claramente saldría algo que tuviera que ver con el acontecer social y político que ocurría por ese momento.

Miami es un documento histórico, de hecho, soy de los que piensan que cada álbum de rock contiene dentro de sí toda una visión o expresión de lo que es un momento histórico. El problema con Babasónicos es que cada disco de ellos es un disco en contra de su tiempo, suenan atemporales, podríamos decir que los grandes del rock (Bowie, The Doors, Queen, The Cure, etc) hacen discos totalmente fuera y en contra de su tiempo, y los Babas no se quedan atrás. ¿Qué son sino Dopadromo, Trance Zomba o Babasónica, discos totalmente atemporales y fuera de su tiempo? Y eso es el rock según el imaginario babasónico.. pero entonces, ¿Miami?, ¿qué es?. Miami simplemente es un disco distinto, de esos discos a lo Instituciones (Sui Generis), de esos en donde ya el exterior político y social se mete totalmente en tu creación y es imposible que no contenga como temática todo aquello.

Para los Babasónicos se cerraba otra etapa musical con Groncho y Miami, lo que vendría sería algo más confuso para ellos. Luego de la crisis ¿qué hacer?, esa era la pregunta... ¿Es posible una fuga de la fuga?.

El paseo

Abrir la puerta y salir..

Es una forma de entregarte al mar de fuerzas que circulan en aquello que llamamos, "calle"... pavimento, autos, publicidad, frío, algo de verde, edificios, pavimento, gente, sí, sobre todo gente..

Abro la puerta y salgo...

Si estoy en mi casa construyo en cada momento y en cada lugar de ésta, puntos de referencia: el sonido de la música, del pc, de la tele... el sonido del perro que ladra.. camino, me desplazo para crear otras sonoridades que me hagan sentir y saber que no estoy solo. Se trata de crear un orden, de un punto de referencia.. de saber donde mierda estoy parado: mi casa, mi casa...


pero.. abro la puerta y salgo...

Agenciamiento: mi mano y el carné escolar realizan la conexión, corte y flujo, chofer y mirada de reojo...
Agenciamiento: yo y el cobrador automatico.. pase la primera etapa.

Abrí la puerta y salí...

La pendriver a cierto volumen... "estaba acostado, mirando el espacio exterior...". Velocidad, ventana, velocidad, frío en mis pies, y afuera todo es gris. Mis ojos enfocan, hacen tomas, hacen planos, tratan de delimitar una pantalla, sólo veo cierto espacio: los asientos, las cabezas, la calle que me sirve de guía.. trato de enfocar rapidamente lo que hay atrás, no se debe hacer de forma evidente, sigilosamente... hace frío.

Abro la puerta...

me bajo... miles y miles de respiros, la misión: esquivar, sobrevivir, es pasar vallas, sacar puntos tal cual Mario Bross de Super Nintendo...
Soy un anónimo, esto es puro anonimato, nadie me conoce, puedo caminar en círculos y nadie notará que soy un esquizofrénico..


camino devolviéndome, no tengo un punto de llegada, sólo abri la puerta... Salí, me esquivé de este, de aquel.. me di la vuelta a la manzana... me hago el católico, observo la procesión... me dejo llevar por un deseo, son casi 30 minutos de persecusión... me rio, me manejo a mi mismo en esos estados.. soy simplemente nadie, mi carné no significa mucho dentro de una masa delirante. Me siento como el protagonista de Expreso de Medianoche en su delirios de demente...

sufro un delirio de persecusión, pienso que la policía me llevará por no estar haciendo nada.

Abrí la puerta y me exprimí... me convertí en molecúla.

Qué discos suenan en mi cabeza...?

Ya hace bastante tiempo -por lo menos 2 años- que mis gustos disparan para varios lados, lejos están aquellos días en que disfrutaba por largo tiempo de una sola banda y a ésta le daba como caja. Ahora escucho muchos discos por semana, algunos los escucho dos veces y nunca más los escucharé, y sólo estarán almacenados por mi compulsiva melomanía, pero hay otros que si me gustan, y por lo menos la rayo su mes o sus semanas. Desde hace 1 mes o menos, estos cinco discos son los que más suenan en mi WMP.

Red Hot Chili Peppers – By The Way 2002

Salió Stadium Arcadium (2006), y no sé por qué me dio la curiosidad de indagar en los últimos discos de una de mis bandas de la infancia, los Red Hot Chili Peppers. Para mi los RHCP existían hasta el tibio (pese al nombre) One Hot Minute (95), y claro, aún lo sostengo: Mother’s Milk (89) y Blood Sugar Sex Magic (91) son dos discos que redefinieron los que es el rock de los últimos 20 años, y los Chili Peppers sin lugar a dudas no pasan de las 5 bandas más influyentes de los últimos 20 o quizás 25 años. Pero cuando salió Californication (99) -yo por esos días en otra onda musical- me pareció más un suceso comercial que algo realmente interesante. No pesqué nada de ellos por esa época, conocí sus singles, que fueron muchísimos, pero nada de nada con el disco.. y cuando salió By The Way, menos... de hecho apenas conocía sus singles. Pero hace unos meses –como decía- me dio la inquietud de escuchar ese par de discos que desprecié y sacar del baúl de los recuerdos los antiguos discos, y bueno, resultó, me empapé nuevamente de la onda Peppers... y debo decir que Californication es un muy buen disco de canciones, pero aún es deudor de cierto esquema pre-establecido que se llama Red Hot Chili Peppers, sin embargo By The Way es algo totalmente distinto. Es como otra banda, haciendo un estilo distintivo, que no suena absolutamente a nada, ni siquiera a los mismos RHCP. By The Way es un disco de increíbles canciones, no sé si llamarlo a cabalidad un disco pop, pero sí es un disco de hermosas canciones, todas pausadas, con memorables melodías vocales, y un John Frusciante inspiradísimo.. (que coros John!!!) Creo que aprendí nuevamente con este disco a no ser tan prejuicioso.. ¿A quién se le habrá ocurrido que los discos exitosos son malos??

The Rolling Stones – Flowers 1967

Me demoré bastante en conseguirlo, siempre dije que era algo intrascendente de los Stones, que apenas me la podía con sus discos oficiales (aunque Flowers es oficial) menos me la podría con uno de por ahí, tipo December’s Child. Pero bueno, como en este último tiempo los Stones han sonado bastante en mi WMP, me bajé Flowers y ya ven. Es un discazo, si bien la mitad de los temas los conocía, escuchar Out Of Time, Mother’s Little Helpler, Lady Jane o Ruby Tuesday juntas ha sido un placer. Los Stones ya me están terminando de cautivar, en esta relación de menos a más que he tenido con ellos.


Los Tres – Hágalo Usted Mismo 2006

Llevo casi 1 mes escuchando este disco, y es quizás una de las cosas que más he esperado. Escuchar un disco de Los Tres contemporáneamente (en los noventa no escuchaba Los Tres, estaba en otra...) era algo que no me esperaba. Y bueno, el disco realmente no capturó todas mis expectativas, y que tampoco eran tantas, sinceramente no me quise hacer muchas. La mayoría opina que lo bueno fue ver a Los Tres reunidos, pero que ya con disco nuevo como que no dan mucha gana de escucharlo y de engancharse más allá, hay algo que se perdió en esos 6 años de disolución. Y para ser franco todo eso, en el disco se siente. El disco es más una continuación de la carrera fuera de Los Tres que realizó Álvaro Henríquez más que un disco propiamente de Los Tres, así lo he escuchado yo. Pero también por ese motivo, jamás un disco con composiciones y con la voz del Álvaro, jamás será un disco malo. Hay temas buenísimos, quizás tan buenos que llegan a parecer a los últimos clásicos de La Sangre En El Cuerpo o el Fome. Viento fue la primera canción que me gustó, y hasta ahora me sigue gustando, tiene ese aire trágico tan de Los Tres, otra –y que lentamente se está convirtiendo en un clásico- es Cerrar Y Abrir, una balada con una letra marca registrada Álvaro Henríquez. Las dos cuecas también son lo de lo mejor del álbum (Ruina y Agua Bendita).. el resto?, no es para nada malo, pero no sé, algo falta.. quizás sea cosa de tiempo. Siento que ya Los Tres no rockean, será la edad?... quizás.. pero de algo estoy seguro: Bip Bip es el PEOR tema hecho por Los Tres en su carrera.. De hecho lo más rescatable pasa por las baladas, por eso sostengo que esto es más la continuación de la carrera del Álvaro que de Los Tres.

Café Tacuba – Revés/Yo Soy 1999

El disco que definitivamente terminó por consolidar mi devoción por esta banda mexicana. Es que tanto me habían hablado de este disco que hasta miedo tenía de que no igualara las expectativas que tenía. Pero luego de tener Cuatro Caminos y el Re (quizás los dos discos más exitosos de la banda) me decidí por este disco salido el año 99, y bueno, creo que es uno de los mejores discos de rock en español que he escuchado. Estaría al lado de un Miami de Babasónicos, de un Dynamo de Soda Stereo, de un Artaud de Spinetta, de un Instituciones de Sui Generis, por nombrar las mayores obras que mis oídos han escuchado del rock en mi lengua. Revés/Yo Soy son dos viajes, uno más etéreo, abstracto, en donde yo me sumerjo en un mar de sonidos, de sensaciones, no hay ninguna dirección, ni siquiera un mapeo nominal, de donde uno se podría agarrar, es pura experimentación, ese sería claramente el Revés. Porque la otra parte, el Yo Soy, si bien ya es en formato canción, la experimentación sigue pero más solapadamente. Esta parte tampoco parece Café Tacuba (o por lo menos lo que todo el mundo conoce de ella), es otra banda.. hay canciones increíbles, a ratos parecen banda electrónica, una banda de trip-hop... quizás trip-hop ranchero podría ser el mejor denominativo para esta placa. Una de las mejores cosas que he escuchado este año, lejos.


Beck – Sea Change 2002

Me sorprendió este disco, mucho mucho. Tenía el Mellow Gold (94) y Odelay (96) dos de los más exitosos discos de este músico estadounidense. Y bien, Mellow Gold nunca me gustó mucho, me conformaba con escuchar el himno Loser y luego el disco me aburría un montón. Pero con Odelay fue otra cosa, acá hay más temas conocidos, y el disco en general es muy interesante, bien experimental, algo que no se escucha todos los días, pero tampoco digamos que fue algo que me voló la cabeza. Sin embargo me dio la tincada de bajarme este disco y raramente es con el que menos expectativas tenía, y al final es -a mi gusto- el mejor disco de Beck que he escuchado. Y es raro, porque a primeras no parece Beck, ya que el Beck freak, aquel artista kitch no se encuentra en este disco calmo, introspectivo, con una melancolía que se percibe desde los primeros acordes. La mayoría son temas acústicos, íntimos, sin tanta parafernalia, pero es de esos discos (pocos lo pueden hacer) de quizás no ser tan versátiles pero que son entretenidos por su onda, por su propia carisma (aunque la carisma de este sea algo muy lánguido). Yo como fans de discos como All Things Must Pass (George Harrison) o Euphoria Morning (Chriss Cornell), Sea Change me cae como anillo al dedo.

La fuga de la cultura rock: Babasónicos (Part 1)

“Hoy, el rock como contracultura está muerto: es una puta mantenida por el Estado y la propaganda. Lo que queda son los vestigios de entretenimiento pop y el kitsch del rock.” (Adrián Dargelos, Vocalista Babasónicos)

Siempre el proceso es el mismo: algo que se desborda y algo que captura lo desbordado. Aquello que se desborda es lo que hace producir y efectuarse al capitalismo, es aquello que Marx sostenía como lo esencial de la burguesía capitalista: su carácter revolucionario. Es un chorro que emana sobre un campo, un torrente que siempre es pura agitación molecular que luego tomará su forma molar. Siempre es el mismo proceso. Al torrente que avanza se le asigna un código, y de esta forma lo que desborda se trae a tierra. El rock –y con ello todo lo que esto acarrea, es decir, la cultura juvenil completa- como un torrente. No queremos definir en este apartado qué es – esencialistamente- el rock, ya que sería una tarea estéril y poco acertada. Simplemente plantearemos preguntas que definirían o darían a entender qué es esto que se llama rock. ¿El rock sería realmente una puta que no es propiedad de nadie, y que pertenece a cualquiera, pero que sólo es mantenida por la propaganda?; ¿el rock como esclava del capitalismo pero a la vez como su mayor ruptura? o ¿simplemente es un aparato de entretención, es decir, un aparato de la Industrial Cultural del mismo Capitalismo?

Partamos diciendo que en el rock se conjugan todas las desterritorializaciones posibles, pero también en el mismo rock se conjugan todas las reterritorializaciones. Porque en el capitalismo siempre se trata del mismo proceso como lo hemos venido diciendo: algo que se desborda pero luego se retiene y se codifica. Deleuze nos dice en un pequeño texto de por ahí: “Si una persona tiene cabellos, esos cabellos pueden atravesar muchas etapas: el peinado de la joven no es el mismo que el de la mujer casada, no es el mismo que el de la viuda: hay todo un código del peinado. La persona: ¿en tanto qué lleva esos cabellos? Se presenta típicamente como interceptora con relación a los flujos de cabellos que van más allá, y más allá su caso y sus flujos de cabellos están ellos mismos codificados según códigos muy diferentes: código de la viuda, código de la joven, código de la mujer casada, etc. Finalmente ese es siempre el problema esencial de la codificación y de la territorialización, codificar los flujos con, y como medio fundamental: marcar a las personas...” Bien, digamos que el rock es ese nuevo peinado constante, pues aparece el rock como una bandera de lucha de la juventud, como algo totalmente nuevo, una novedad cualquiera: es algo sumamente extraño que aparece en el deslumbre total del Capitalismo, en plena guerra fría, en el auge total de la cultura pop'. Los jóvenes se desterritorializan a sí mismos, matan al padre y crean su nueva ley-padre (ya no se escuchará al padre, sino que al rock star de turno): con esto acaecen nuevos códigos (entre ellos un peinado nuevo) y un nuevo lenguaje. El rock en los 60 como se dice estuvo a punto de lindar una desterritorialización total, fue quizás la mayor arma (y evidentemente novedosa) de la Interrupción del 68'. ¿Pero qué hace el Capitalismo ante esto que se desborda? Toma esta nueva forma expresiva y la codifica: le da nombre, lo transforma en legal, lo hace afiche publicitario, lo adapta...


Se dirá que no estamos diciendo nada nuevo, Marx hace mucho tiempo dijo algo parecido, sin embargo acá queremos sostener otra cosa, pues podríamos hacer un estudio cultural y decir lo mismo, pero escogimos al rock porque precisamente en él vemos chances, posibilidades, totales líneas de fugas y demasiadas transgresiones.


Adrián Dárgelos, vocalista de Babasónicos sostiene: “el rock sirve para revelar la farsa y la hipocresía del juego, pero no puede luchar contra el mismo juego porque es un arma del juego. Es un placebo que inventa el capitalismo para que estés contenido dentro de una cierta rebeldía normalizada. Pero el rock siempre puede elegir no colaborar y a partir de ahí generar una contra activa.”[1] Esta declaración es sumamente importante, pues devela algo que para muchos no es visible ni audible. Decíamos más arriba que el rock en sus inicios produjo quizás cambios, alteró a niveles molares y moleculares muchísimos segmentos sociales, sin embargo, fue capturado. Al rock claramente lo podríamos entender como una tremenda Máquina de Guerra, pero el problema actual consiste precisamente en dar una nueva noción de lo que es el rock como Máquina de Guerra, darle todo su papel de nomadismo, de trasgresión, y de agente de perturbador de las masas. La declaración de Dárgelos[2] es clave para entender todo esto.

El rock en tanto es producto del capitalismo se diseñó a sí mismo una forma y cierto estilo de ser, o mejor dicho: una actitud. Ese estilo o actitud es el de la rebeldía ante lo establecido. James Dean como prototipo a seguir dentro del rock; estilo que quizás funcionó en la primera década del rock, con figuras como Morrison, Hendrix, Lennon o Joplin, que funcionaron como la novedad, como lo propiamente moderno y vanguardístico, pero luego fue coactado o reterritorializado, y se creó aquella rebeldía normalizada. Aquí o allá la firma del contrato con la multinacional, el merchandising en torno a la banda o al “icono” y un sin fin de aparatos que regularizan la rebeldía y la trasgresión.

El problema que queremos enunciar aquí es el de cómo el rock puede ser actualmente una vía de perturbación y trasgresión, pese a estar coactado y capturado. Y si nos fijamos, ¿no es este el problema actual de lo político? Pues claramente eso también queremos sostener, al hablar del rock no estaremos hablando desde una perspectiva periodística tipo fanzine, sino que la temática del rock nos servirá para sostener cómo o de qué forma son posibles salidas políticas, líneas de fuga, y de cómo poder operar dentro de una Máquina de Captura. Y ciertamente: de cómo el rock puede producir fantasía y descentrar a una generación de sí misma, y provocar alteraciones sociales, grupúsculos sin identidades y aglutinaciones verdaderamente sociales, es decir tribus urbanas, verdaderas tribus.. Los problemas serán tratar de deslindar al rock de ciertas expresiones panfletarias, ancladas todavía a una idea de representación, o de entrega de mensajes, que no caen en otra cosa que en el moralismo político y humanista. El otro punto importante de aclarar acá es de cómo el rock (como posibilidad política) sólo puede operar al estar en constante conexión con cualquier otra cosa, es decir, no debe estar marginado en ciertos sectores, sino que acá se hablará de un rock (o de una salida política) totalmente inmerso en la cultura del espectáculo, en la cultura pop'.

[1] Entrevista publicada en Diario Los Andes -Mendoza- el 13-10-2002 http://www.rock.com.ar/notas/0/102.shtml
[2] Utilizaremos a los Babasónicos sólo por capricho, trataremos de utilizar entrevistas y canciones, y la estética de este popular grupo de rock para demostrar en el mismo texto como puede operar una Máquina de Guerra en la cultura Pop, en los mass-media, y en los charts tan codificados y segmentarizados por el Capitalismo.

The Velvet Underground And Nico

THE VELVET UNDERGROUND - THE VELVET UNDERGROUND AND NICO

AÑO: 1966.

Imprescindible. Lo digo pensando en cualquiera que se sienta un melómano en cualquier escala. Más imprescindible aún, para alguien que cree ser alternativo, o se siente devoto de los sonidos alternos y no oficiales. Esta placa del año 66 es a mi gusto el inicio de demasiadas cosas. ¿Padres los Joy Division?, pues claro que sí, padres de todo lo que se precie de dark, pero no hubiesen sido nada sin este disco. The Velvet Underground es de esos discos que siempre sonarán vanguardisticos y rompe esquemas. Porque The Velvet Underground And Nico es un disco que pavimentó – y a mi gusto – creó lo que es la música alternativa. Aquello de sonar desfasado a lo que suena en tu época, aquello que es crear un sonido distinto a lo que está de moda. Estos tipos de la nada sacan un disco en pleno auge de la psicodelia, en pleno esplendor del hippismo y la era de las flores, de discos como Sgt. Peppers, Are You Experienced, Surrealistic Pillow, etc.. En ningún momento Lou Reed y compañía coquetean con los hippies ni con la psicodelia, sino que nos muestran una cara que el rock hasta ese momento no tenía, aquella del dark side, de lo oculto, de lo siempre reprimido. Estamos en 1966, ojo con esto, ¡hace 40 años!, y estos tipos, verdaderos padres, nos deleitan con un disco totalmente cumbre. ¿Qué sería de la espectacular década de los 70, con artistas como: David Bowie, The Stooges, Televisión, la explosión punk con los Clash, Sex Pistols, o lo post-punk con los Joy Division sin este discazo?, pues creo que nada. Porque The Velvet Underground And Nico en plena época del LSD con visiones románticas e ingenuas del mundo, llegan con una dosis de perversión, de sadomasoquismo, homosexualidad, y callejeo urbano. Quizás el único paralelo epocal que podríamos hacer es con Strange Days, ya que ese otro discazo es una experimentación oscura, y nos toca fibras tenebrosas y siniestras, pero la diferencia creo que pasa por el sonido de cada disco, mientras el ... And Nico contiene quizás uno o dos temas más pop (Sunday Morning sería uno, y el otro podría ser Femme Fatale), Strange Days está plagado de temas pop y exitosos, cosa que no es para nada mala pero ya desvirtúa la noción de “alternativa” que estamos constatando acá.

El sonido de este disco para algunos es malo, sí, si bien no suena perfecto, casualmente eso le da otro plus, no sé si concientemente el sonido de este disco estuvo diseñado de esta forma, pero raramente este sonido es lo que nosotros conocemos por avantgarde. Y del por qué Lou Reed es tan ídolo (cosas que yo me preguntaba antes de escuchar este álbum) simplemente te lo respondes al oír The Velvet Underground And Nico. La voz de este genio es realmente particular, es como un Bob Dylan dislocado, callejero, un tipo al límite de la sobredosis, pero de una sobredosis con sabor a muerte, no con colores, sino que oscura.. Porque debemos decir que la Velvet no tomaba LSD sino que heroína, y de ahí viene su concepción de las cosas, de ahí toda la perversión de este disco, y de la estética de esta banda en particular. El tema clásico de este disco, precisamente se llama Heroin, y es el homenaje perfecto a la heroína, es la muestra de cómo me consume la droga, y el llegar a rozar la muerte, y el tema a uno nos sumerge en un viaje. La voz de Lou Reed suena exquisita, totalmente clara, marca su personalidad, podría decir que este tema es Lou Reed.

Pero bueno, el toque distintivo a este disco lo da Nico, una chica venida de la nada. Cuenta la leyenda que Warhol (productor de este disco, y manager de la banda por ese entonces) les propuso a la Velvet incluir a esta chica alemana en el disco, cantando en algunos temas, y bueno, el detalle era que ella no hablaba muy bien el inglés, y es cosa de escuchar que la pronunciación de ella no es muy buena, -pero como todo en este disco- lo que podría ser un defecto se termina convirtiendo en una tremenda virtud. Porque la voz de Nico es inigualable acá, temas como Femme Fatale, All Tomorrow’s Parties y I’ll Be Your Mirror son de lo mejor del disco. Mi favorita es la primera, tema digno de un cabaret parisino, nos entrega una de las melodías emblemáticas de este disco; All Tomorrow’s Parties es otra cosa, es una procesión oscura y diabólica, y la voz de Nico nos invita a danzar en una verdadera danza macabra; y I’ll Be Your Mirror es más dulce, nos adelanta tantos sonidos, yo veo en esa canción a los futuros Cocteau Twins por ejemplo. Todos estos temas en donde la música -la guitarra y el bajo particularmente- suenan bajísimo dan un toque realmente experimental para la época, pura sutileza.

Antes de todo esto, abría el disco una de las mejores melodías escuchadas en mi vida, a muchos les recuerda el No Surprises de Radiohead: Sunday Morning. Es un tema que no tiene realmente mucho que ver con el sonido del disco, nos da una pista falsa de cómo vendrá el álbum después, de hecho es casi un tema pop, muy lindo y amable, pero con un trasfondo perverso de un día domingo por la mañana. Pero esa apacibilidad la acaba toda I’m Waiting For The Man, tema muy en la onda Stones, muy de rock sucio, nos adelanta el futuro punk, con una voz de Lou Reed increíble, nítida y muy urbana, un temazo! Pero mi tema favorito y quizás a mi gusto uno de los que más influencias en futuros sonidos tuvo, es Venus In Furs. Tema que podría sintetizar el sonido Velvet, ya que la base es oscurísima, ese riff de los mil demonios!!, qué hubiese sido Bauhaus o el rock más dark sin este temazo!. Qué decir de la viola de mister Cale suena increíble, le da un toque cardiaco al tema fenomenal. ¿La letra?: desquiciante. Luego sigue la punky Run Run Run, que tiene un solo de Lou Reed disarmónico, pero en este disco esas minucias, esas cosas que podrían en otro álbum o en otra banda ser totalmente perjudiciales, acá son coronadas como sutilezas, como variaciones estilísticas que le dieron al rock otro estatus.. Y pese a todo, este disco es algo versátil, los temas no suenan taaan parecidos como uno podría pensar. El mismo disco opera constantemente como un rompe moldes. Ejemplos de esto sería There She Goes Again, que quizás suena más pop, con un coro de Nico algo operatico, es una rareza, de los temas mediocres del disco eso sí.

Pero lo realmente experimental viene con los dos temas finales: Black Angel’s Death Song (que nombre!!, parece tema de grupo Black Metal) y European Song. En el primero es casi solo la viola de Cale y los improperios y trabalenguas que dice Reed. Y el último tema del disco, European Song es una revoltijo de todo el disco, es como que en 7 minutos pase todo lo que quisieron hacer, acá las excentricidades de la guitarra que no hace nada solo ruido, el acompañamiento discordante, en fin, es una locura, un final apropiado para este disco diría yo.

The Velvet Underground And Nico es un disco excelente, un grande del rock de todos los tiempos, si tu alguna vez has sostenido que te gusta la música alternativa y no escuchaste este, no sabías lo que hablabas

La carátula es cuento aparte, obra de Andy Warhol que por ese entonces era icono y figura en New York. La Velvet no tontos ni perezosos se dejaron apadrinar por este tipo que les produjo el disco y fue manager por esta época de la banda. La imagen ya es un clásico de la obra de Warhol.