ni máquinas ni sangre. escritural

Autografia

2011-10-03T22:35:00.000-03:00

“… autógrafos qua escrituras del sí, escrituras por las cuales un sí (se) dice sí, sí a sí, y aun sí y no desde ahí — se traza y/o retraza y tal vez, en su supuesta mismura (qua sí mismo), se hace trizas, naufraga o fracasa.”[1]

Una autobiografía siempre tendría un trasfondo idealista y metafísico, sería como una “teleología de la autopresencia”, donde se busca representar la vida, desde y en la escritura misma. Con esto se supone, en primer lugar, a la escritura como un sistema de representación fidedigno. Esta representabilidad generalizada que la escritura podría fundamentar, como posibilidad de traer a presencia la vida, está fundada en una ontología, en la copula figural, como lo llama Alberto Moreiras, del “es”, espejo que trataría de representar - como operación - hasta la propia vida. La copula instituye el pensar filosófico como pregunta por la predicabilidad del sujeto. El acontecimiento de inscripción de la firma, formaría una cifra que interrumpiría “la estabilidad epistemológica de toda relación entre sujeto y predicado” y con ello, “la autografía cuestiona, o desmiente, la estructura axiomática de la metafísica, constituida en torno al deseo de unidad en la cópula.”[2] En este sentido la irrupción de Nietzsche, y en particular de su libro Ecce Homo, es en donde se darían cita, por primera vez dentro de la tradición del pensamiento occidental, la potencia de los nombres propios y de las firmas. En el inicio de ese texto se dice:

«Como preveo que dentro de poco tendré que dirigirme a la Humanidad presentándole la más grave exigencia que jamás se le ha hecho, me parece indispensable decir quién soy yo. En el fondo sería lícito saberlo ya: pues no he dejado de ‘dar testimonio’ de mí. Más la desproporción entre la grandeza de mi tarea y la pequeñez de mis contemporáneos se ha puesto de manifiesto en el hecho de que ni me han oído ni tampoco me han visto siquiera. Yo vivo de mi propio crédito; ¿acaso es un mero prejuicio que yo vivo?»[3]

Nunca antes en la historia de la metafísica el ingreso del nombre propio se había convertido en singularidad, en sinónimo de pensamiento, pues éstos habían sido meros actores secundarios y contempladores de una verdad en suceso y develamiento, abstraída de cualquier singularidad. La autobiografía nietzscheana para Derrida tendría esta importancia, no en el sentido de cómo lo leyó Heidegger, como último eslabón de la historia de la metafísica, como historia de la representación[4], sino que como interrupción auto(bio)gráfica de la misma. Es el trabajo de la firma sobre la vida, la inscripción que elimina al “bios” como el contrato jurídico-legal que tendría la escritura, de poder auto-representarse la propia vida. Para “Nietzsche, esta identidad que reivindica, no la extrae de un contrato que ha hecho consigo mismo (<>). Se ha endeudado consigo mismo y nos ha implicado en ello por lo que queda de su texto con su firma (...) Podemos prever las consecuencias: si la vida que vive y que se cuenta (‘autobiografía’, afirman) no es, por de pronto, su vida más que bajo el efecto de un contrato secreto, de un crédito abierto, de un endeudamiento, de una alianza o de un anillo, entonces, mientras el contrato no haya sido cumplido – y esto no puede suceder más que por otro, por ejemplo ustedes -, Nietzsche puede escribir que su vida no es quizás sino un prejuicio.”[5] Esto último querría decir que su vida debería ser probada en un después, póstumamente, pues “supone el pago de una deuda, la respuesta a esa deuda que se ha dado a sí mismo al dejarse vivir”[6]. El don a esta deuda es el “auto”, darse a contar su propia vida. Sin embargo, hay que ser cauto en no caer presos de una identidad o mismidad en lo que tendría, en supuesto, la “propia” vida. Todo pasa por el estatuto de la firma en Nietzsche y Derrida, que siempre tendría relación con un ‘otro’ que vendría a inscribir la firma y que “tiende a cubrir la separación entre remitente y destinatario”[7]. Habría que pensar a la firma como la huella misma de la diferencia, en oposición a cualquier subsunción por parte de la identidad: contarse la vida a sí jamás sería desde una presencia porque está inscrito en una deuda de la vida, en una falta ‘originaria’.

El problema de la identidad en el texto nietzscheano, se inscribe dentro de la noción de ‘eterno retorno’, pues si la firma es diferencial, sólo existe como un retorno a la identidad, bajo la recepción de la misma firma, por otro. De ahí a que Moreiras hable de una “heterobiografía”, el papel del ‘hetero’ es sumamente importante a la hora de trabajar la autografía marchantiana. Pues todo pasa por el otro, en el momento en que el sí a la vida nietzscheano es a partir de una doble afirmación, el sí al sí. La primera afirmación nunca es presente del todo, es una ausencia que está diferida, abriendo la posibilidad de la otra afirmación. Afirmación del sí que es un don que vuelve desde una lejanía, un don, que trae consigo el otro, que viene a recibir la firma: “el don que Nietzsche recibe –un don del otro- le lleva a otorgarse un crédito, una credibilidad que sin embargo debe pagar con la inversión autográfica.”[8] Todo esto comporta, a su vez, una ‘tanatografía’, es decir, la posibilidad de la muerte, de la borradura y desaparición del firmante, de aquí que este segundo sí, de esta segunda afirmación, Nietzsche diga que su vida no es sino un prejuicio.

Con esto señalamos que la autografía pasa exclusivamente por señalar que no se es contemporáneo ni presente a su escritura, sino que ésta, el nombre, la firma, adquiere su inscripción en un por-venir, póstumamente. De ahí que la vida no sea representable, esto lleva a Marchant a señalar que en Sobre árboles y madres no habrá “ninguna autobiografía en la escritura” del texto, pues “la autobiografía, ‘yo’ que relata como su valor máximo, su diferencia, no sólo persiste en la clausura de los conceptos metafísicos, sino exacerba, por decirlo así, esa pertenencia al inscribirse como momento decisivo de, dicho heideggerianamente esta vez, la época del sujeto.”[9] Lo de Marchant pasaba precisamente por interrogar el marco del sujeto: por un lado el sujeto del saber, que afirma el campo filosófico, haciendo abstracción de la escritura, del ‘auto’ de la (im)propia escritura; y por otro lado, del sujeto creador, del genio, produciendo una suspensión de la estesia. Sobre árboles y madres es un intento autobiográfico, que deviene el pago de una deuda, de la propia vida que ve pasar espectralmente los nombres propios que sobreviven en la escritura de Marchant: sólo se escribió desde y por esos nombres, prestados nombres.

“Como intento por exceder esta época y aquella clausura, ya no más autobiografías, sino escenas-grafías. Fin del sujeto, cópula de inconscientes, lecturas de escenas por otros escritas (escritura en sentido general), cuestión de nombres, trabajo sobre grandes escenas generales, trabajo sobre escenas más particulares, inscritas en aquellas. Y, de este modo, todo cambia: si la autobiografía debe escribir esa imposibilidad, la ‘verdad’ del retrato, de la pintura, de una vida (…) cuestión del retrato o la pintura, presente ya, su necesidad, en la apertura del discurso filosófico”[10]

Ahora bien, si vimos que la auto-grafía era su condición de obra, la eliminación del bios, del aparato jurídico-legal de la escritura, para la irrupción de un contrato profano, en el cual la escritura ya no testimonia, sino que testifica, todo esto, guarda relación con su operación escritural, que se traduce en las ‘escenas-grafías’. Es interesante el desplazamiento hacia la noción de escena en Marchant, en tanto permite pensar el diferendo entre imagen y discurso[11]. Diferendo que pasa por establecer el lugar de la pérdida, así como ha señalado Cecilia Sánchez: “en la perspectiva de la escena a la que apela Marchant, la pérdida subsiste sin recuperación.”[12] Así como si fuera una operación barroca, la escritura se asemeja a una mortificación que “consiste en agregar las escenas que a un texto le faltan”[13], es el entramado en la escritura de Marchant. Este toma el cariz de un montaje: “palabras, entonces, símbolos que uniéndose a otras palabras, a otros símbolos como conjuntos de símbolos crean poemas y escenas que al parecer se pierden.”[14] Si Sobre árboles y madres se define por testificar un pensamiento de la pérdida, su más impropia estancia, su don más profundo, es la posibilidad de entramar “escenas, [como] un estar más allá, un hacer saltar las distinciones y conceptos habituales”[15], la cotidianidad de la lengua vulgar, atrofiada, en la ‘habladuría’, pues “si de lo que se trata es de exceder –cuanto posible- la clausura metafísica, sólo es posible señalando las escenas que faltan”[16] y con ello, la operación del texto se consagra en la insistencia, en la formación de agregados, en citas y encuentros “en la trama de sus escenas leídas”[17], que siempre se instalan sobre una pérdida, que retorna, que falta retornando, en una iterabilidad del nombre, que se consuma como prestamos, como deuda e inscripción.

[1] Andrés Ajens, “Autógrafos para Patricio Marchant” en Patricio Marchant, lecturas fuera de curso, La cebra-Palinodia, 2011, versión digital.

[2] Alberto Moreiras, Tercer espacio. Literatura y duelo en América Latina, Lom, Santiago, 1999, p. 226.

[3] Friedrich Nietzsche, Ecce Homo. Cómo se llega a ser lo que se es, Alianza, Madrid, 1996.

[4] “La respuesta de Heidegger es la siguiente: Ecce Homo no es una autobiografía y si hay en él una cumbre (Gipfelpunkt), ésta no es otra que la del momento final de Occidente en la historia de los tiempos modernos. Las cosas convergen, sin duda, en este punto. Puede admitirse fácilmente que Ecce Homo no sea la historia autobiográfica de Nietzsche. Pero cuando Heidegger, en lugar de modificar el concepto tradicional de “autobiografía”, lo deja intacto para oponerle el destino de Occidente, cuyo portador sería Nietzsche, nos preguntamos si él mismo llega a eludir una oposición, que en su resulta bastante tradicional, entre la empiricidad biográfica (psicobiológica, histórica) y un pensamiento esencial, acorde con una decisión de carácter histórico.” Jacques Derrida, Interpretar las firmas (Nietzsche/Heidegger). Dos preguntas, versión digital, http://www.jacquesderrida.com.ar/textos/nietzche_heidegger.htm

[5] Jacques Derrida, “Nietzsche: políticas del nombre propio” en La filosofía como institución, Juan Granica, Barcelona, 1984, p. 62-63

[6] Moreiras, Op.cit, 1999, p. 230.

[7] Ibid.

[8] Ibid, p. 232.

[9] Patricio Marchant, Sobre árboles y madres, La cebra, Buenos Aires, 2009, p. 348

[10] Ibíd., p.348

[11] De la misma manera la figura de Moisés designaría para Marchant el nombre de una estrategia, entre la palabra y la imagen: “el intento de oponer

quéeraunblog

2011-08-01T20:11:00.004-04:00

un blog era algo así como el relevo del diario de vida. un invento más para la generación llamada del 'web 2.0'. Antes del facebook, existía esto llamado blog, a la par que con el más superficial (en teoría) fotolog. Aunque yo y varios, tuvimos ambos. La cosa a mediados de la década que pasó era mucho más hedonista que ahora. La cosa era 'mostrarse', crearse otra identidad, en menoscabo de esa identidad primaria perdida, que se fue en el jardín infantil o en los pechos de la madre. El blog fue el receptáculo para el noventero nerd, aquel que no salía representando en la teleserie adrenalina, ni nada que se le parezca. Ese que escuchaba música rara, en una época en que la música rara era la popular. Todo aquel llegó a esto del blog, para poner fotitos, para expresar lo que le pasó el día anterior, para mostrar qué tan freak puedes ser. Lo gracioso es que nadie te leía, muy pocos, tu polola, tu mejor amigo si es que, o la mina o el mino que te acosaba virtualmente: nadie más. Llegó el facebook, y aunque puedes escribir máximo 500 caracteres, todos te leen; es más, puedes obligar a que te lean si pones el nombre de esa pérsona en el encabezado 'qué estás pensando'. Ya no hay fotolog, ni blog, ni last.fm, todas esas cosillas para el pequeño burgués se condensaron en el facebook, o en las "redes sociales". El blog pasó a ser medio nostálgico, pero hay que decir que fue un completo fracaso. Facebook y twitter están haciendo una revolución, está en la boca de los clichés masticados de la opinión pública.

El blog es medio fome la verdad...

Antichrist de Lars Von Trier. Duelo y melancolía. La aparición de lo siniestro.

2009-12-06T00:59:00.002-03:00

1. La crítica y el mismo Lars Von Trier han dicho que realizó Antichrist para salir de una profunda depresión. De ahí que el film tematice en gran parte de él la terapia; podríamos pensar que para Von Trier su producción fue terapéutica, de la misma forma como sus personajes buscan sanarse, aunque esto sea en ciertos momentos a costa del otro. El film es visceral por decir menos, como quizás nos tiene acostumbrado Von Trier, tal cual como en Dancer In The Dark (2000) y Dogville (2003) nos muestra “heroínas” que sufren grandes trastornos, provocados por ciertos traumas que son visibles en unos casos y en otros no.

2. En Antichrist el prólogo sirve como inscripción traumática. Von Trier nos da a entender desde el primer segundo que esta es la escena, de la cual todos los acontecimientos posteriores se desencadenaran. La cámara lenta, el blanco y negro, la música clásica, y la tensión que produce todo esto, se resuelven con la muerte del hijo de la pareja en el momento de la consumación sexual. Sexo y muerte, erotismo como muerte, o más bien, la muerte como límite soberano. Estos dos tópicos que abren el film, la muerte y el erotismo, circulan espectralmente en toda la película, le dan forma. El placer sexual es el pacto, la muerte el sacrificio.

3. Freud en “Duelo y melancolía” define el duelo de la siguiente manera: “la reacción a la pérdida de un ser amado o de una abstracción equivalente: la patria, la libertad, el ideal, etc.” De ahí que el primer capítulo del film se titule “El duelo” y todo lo que ocurre en este capítulo es el trabajo mismo que implica el duelo. Hay una triangulación despótica que es producida por El protagonista, él es Padre-Marido-Terapeuta. Hace que su mujer abandone el procedimiento clínico asumiendo la responsabilidad – casi épica – de terapeuta personal. El trabajo de duelo es asumir la pérdida, “el examen de la realidad ha mostrado que el objeto amado no existe ya y demanda que la libido abandone todas sus ligaduras con el mismo.” (Freud, Duelo y Melancolía). El duelo es estrictamente terapéutico, se busca que el yo quede exento de toda inhibición, pero es un proceso normal, que se puede sobrellevar sin la necesidad clínica entre medio, esto es lo que se propone William Dafoe en el film. En el fondo, el trabajo del duelo busca que la libido se vuelque sobre otro objeto, cerrando el proceso de la pérdida. Esto jamás se logra, y pareciera que realmente lo que padece la protagonista es un profundo estado melancólico. La escena en la cual se da cabezazos en el baño le revelan al personaje de William Dafoe que es necesario ir a la escena primordial, restablecer el origen, para así tener opción a la cura. Y de cierta forma ahí, luego de esa escena hay un corte, otra película se revela.

4. En un momento en el cual el terapeuta (esposo) se da cuenta que la cura no llega y que la paciente (su esposa) está en un estado patológico, busca otra forma de proceder, utiliza procedimiento como la hipnosis, para poder llegar al cimiento de todo su trastorno. La pregunta por el mayor temor es la pregunta sicoanalítica para encontrar el génesis de lo reprimido. En el film todas las fases del proceso de transferencia sicoanalítico son trabajados. Cuando “ella” revela que lo más temido es el Bosque, aquel lugar donde fue de vacaciones con el hijo de ambos, el terapeuta-esposo decide que es el momento de enfrentarlo, y así lograr la cura, la sanación del trauma.

5. Hay que aclarar que el papel de “El” (en Antichrist no hay nombres propios para los protagonistas, al igual que no hay rostros para los secundarios, el único con rostro y nombre, es la pérdida, el hijo, Nick) es un agente despótico desde el comienzo. Ejerce dominio sobre “ella”, es una autoridad falo-médica-legal, hombre-terapeuta-esposo. Las continuas escenas de sexo no son sino una forma más de trabajar la pérdida, ella lo busca para volver al momento mismo de la pérdida; y él realiza terapia en el acto sexual. A la vez durante el film van apareciendo pequeñas escenas que muestran un extraño resentimiento de “ella” hacia “él”, y en el Edén se materializan de forma mucho más clara. En el Edén se comienza a vislumbrar que el trauma no está asociado directamente a la muerte del niño, la muerte del niño sólo es efecto, o es parte, de otro trauma mayor.

6. El capitulo que se titula “La tristeza” es el estado de ansiedad en que el personaje de Charlotte Gainsbourg se sume. Este estado de ansiedad deviene en un profundo estado melancólico. La melancolía para Freud se caracteriza “por un estado de ánimo profundamente doloroso, una cesación del interés por el mundo exterior, la pérdida de la capacidad de amar, la inhibición de todas las funciones y la disminución de amor propio.” La melancolía es un estado en el cual “el yo” es descentrado, es una pérdida de la subjetividad, de ahí la disminución del amor propio, llegando a la auto-flagelación del propio cuerpo (los cabezazos en el baño), la culpa que persigue (creer que la pérdida es consecuencia de un mal acto propio). Como decíamos, en este momento el terapeuta-esposo trata de calmarle la ansiedad de variadas formas, los ejercicios de respiración, el sexo, las conversaciones, y en una de esas, la pregunta por su mayor temor: el bosque, el lugar donde había estado hace unos meses, topos desde donde aparecerían todas las respuestas. Si este es su mayor miedo, como terapeuta-paciente y como esposo-esposa, tienen que enfrentarlo.

7. Desde el primer momento que se encuentran en el bosque comienzan a suceder cosas extrañas. Uno estaría tentado a hacer la lectura del film desde acá desde una posición estrictamente mítica-religiosa. Creo más bien que más allá de ver los símbolos e interpretarlos, todos esos símbolos son producto de un delirio que Von Trier quiere trabajar. Si en el cine siempre se ha trabajado con la locura es precisamente para hacer aparecer lo fantástico, lo sobrenatural, aquello infamiliar y siniestro; de ahí a los lugares comunes: el bosque, la casa desolada, los miedos y la violencia corporal.

8. “Aquí reina el caos” le señala el zorro a William Defoe, ya antes había visto al ciervo en las “alucinaciones” que comienza a padecer. Estos delirios no son sino efecto del estado emocional en que se encuentran ambos; el terapeuta que se sentía con cierta distancia al trauma, estando ya en el Edén, está totalmente descentrado de su propia subjetividad. Todo se hace puro extrañamiento, y de cierta forma, el espectro de la pérdida pasa a ser sólo la excusa para el enfrentamiento contra algo mucho más traumático que aquello que habían ya vivido.De ahí a que podamos homologar la melancolía (que la protagonista a grandes rasgos padece) con el tormento, Freud lo dice más o menos así: “El tormento, indudablemente placentero que el melancólico se inflige a sí mismo significa (…) la satisfacción de tendencias sádicas y de odio…” Las escenas más violentamente sexuales que produce Von Trier no son sino para emparentar sadismo con melancolía

9. La cuestión siniestra en la película que comienza a hacerse visible cuando ellos están en el Edén, se podría pensar de varias formas: para empezar como simple devaneo mítico que rodea al bosque y la protagonista, es decir, podríamos pensar que realmente ella es un ser malévolo, que está por decirlo así poseída, o mucho más allá, como cierta crítica ha querido leer, es parte de la “naturaleza” femenina. Pues las lecturas a que la película de Von Trier es misógina a mi parecer son bastante erradas: en el momento en que lo siniestro aparece por sobre lo estrictamente racional-médico - que impone sobre todo la figura despótica del esposo – que la primera parte del film trabaja; en esta segunda parte, que es más que nada el tercer capitulo y el último, es en el bosque, terreno natural, femenino, es donde la mujer franquea la autoridad falo-médica-legal, ahí, precisamente ahí todo se vuelve delirio.

10. Lo que quiero apuntar es que “ella” se negó a hacer el duelo. De acá uno podría conjeturar que realmente ella nunca sintió la muerte de su hijo, en tanto, entregó su alma – por decirlo de esa manera – al mal, y la muerte fue sólo un sacrificio, mientras ella estaba entregada al placer de la carne. Lectura posible, pero que hace totalmente abstracto el trabajo más técnico del cine, lo deja supeditado sólo a un nivel representativo de cierta idea de lo fantástico que está anclado a una raíz estrictamente religiosa. Lo fantástico más bien es lo inconsciente, es decir, está anclado en el aparato psíquico humano, y de ahí, lo importante de un autor como Freud por ejemplo. Sin embargo lo más radical en Von Trier es que éste de cierta forma no realiza una película estrictamente freudiana. Que hubiese sido aquella del duelo permanente a raíz de la muerte del hijo de una pareja. Cuántas películas no existen sobre la pérdida y tratadas psicoanalíticamente, son muchas. Existen varias rupturas con esta idea clásica en el film, la primera y quizás la más importante, es que el propio esposo se convierte en el terapeuta, así el duelo se encierra en ellos, y ese mismo encierro produce el devenir-delirio posterior. Otra ruptura es que no existe una superación del trauma, sino que al contrario, el trauma iniciático devela miles de traumas anteriores. De cierta forma jamás hubo una escena primordial sino miles de escenas que no hacen síntesis. Para el sicoanálisis clásico eso es imposible, ya que con esto no habría tratamiento, y no existiría la posibilidad de cura.

11. Volviendo a lo anterior, el film tiene una carga femenina importante, o más bien minoritaria (para no quedar encerrado en la división binaria del género). El delirio minoritario que produce Von Trier, tiene relación con una destrucción con imperio mayoritario, no sólo del Hombre, sino que del médico, del cónyuge, de lo racional, de lo propiamente sedentario (abandonar la casa para ir al bosque-nómade) y en gran parte, la ruptura con el triangulo familiar. Sin embargo todo esto a costa de la propia muerte, como sacrificio, quizás el epilogo adviene como redención de esas miles de mujeres sin rostro. Quizás a Von Trier siempre, sobre todo en los finales, se le cuela algo medio mesíanico.

la voz de los 80 (o la muerte de la acción)

2009-06-11T20:57:00.004-04:00

El video que les dejo es la primera aparición pública en televisión que tuvieron Los Prisioneros. Es en el programa más popular e importante en la historia de la televisión chilena: Sábado Gigante. El viejo monstruoso de "Don Francisco" los presenta, en un registro que es notable como testimonio de una época. La interpretación que hace la banda de "La Voz de los 80" aunque en playback, es como el surgimiento del rock en Chile, emula de cierta manera a las presentaciones televisivas de las bandas de rock en los años 60. El público de televisión debe ser el peor público para el artista de rock, pero siempre, ha sido un momento que todas las bandas (y en las más importantes: Stones, Beatles, Who, Bowie, Sex Pistols, Nirvana, etc) por motivación externa o propia, han tenido que hacer. Es decir, llevar su política a las masas;, hacer la perfomance en el lugar dónde no se debería hacer, las reacciones del público son heterogénas al máximo, aplaude como minutos atrás aplaudía el concurso por ganarse el auto cero kilometro.

Todo es un espectáculo que roza lo ridículo. Jorge González se mueve como sabiendo el lugar al cual ha llegado: mira a la cámara y ocupa todo el primer plano y canta: "escucha el murmullo, algo se siente venir... los últimos vientos de los 80, se mueren! Mira nuestra juventud, que alegría más triste y falsa." Uno podría pensar que decir eso era imposible ante todo Chile, que lo unico que hacía por esos años era ver televisión, el aparato de control más noble, que Los Prisioneros ocuparon por 4 minutos.

Algo me dice que cuando Don Francisco despide a la banda diciendo que son una agrupación que "se impone", y luego dice "se impone al igual que...", la frase continúa con que se imponen al igual que el jabón popeye, muy común en esa época.

Videos Clips Favoritos

2009-05-12T21:28:00.005-04:00

Bob Dylan - Subterranean Homesick Blues

Quizás el primer video de rock hecho. Su simpleza lo hace groso, y sobre todo el montaje.. la calle dónde está Dylan monta todo lo que canción quiere decir, si es que quiere decir algo.

The Beatles - Strawberry Fields Forever

He pensado que es mi video favorito de todos. Más que todo porque es el video de una mis canciones favoritas, y también porque me parece hecho de forma maravillosa. Quizás de la época en que los Beatles como banda estaban en su pico... me encanta cuando Paul vuela hacia el árbol, cuando se ponen a pintar el piano, los primeros planos a sus rostros, etc.. En color es bello pero en blanco y negro también adquiere otro encanto.

Pink Floyd - See Emily Play

No sé que habrán toma estos tipos, pero al que se le ocurrió grabar es un maestro. A no ser que los cuatro floyd hayan dicho.. mira, tomemonso un ácido y nos grabamos escuchando See Emily Play, y puesto salió esto. Un video grosísimo que refleja la quizás más alucinante época de Floyd (y del rock, y de la juventud)..

Radiohead - Street Spirit

Gran parte de los Radiohead fueron estudiantes de Arte (de Oxford), es decir, siempre concibieron el rock como una instancia en la cual lo visual fuera determinante a la hora de "expresar algo". Más que Paranoid Android, donde yo creo que se nota más esa obsesión es con Street Spirit. Quizás nunca un video clip había podido plegarse de mejor manera a las estructuras de una canción-pop. Yo ya no indiferencio ni una ni la otra, ni la imagen ni el sonido.. Yo la primera vez que escuché Street Spirit fue con el video.

Babasónicos - Perfume Casino

Es el mejor video dirigido de Adrián Dargelos, más allá de la decena que hizo en los 90. Dargelos en cada disco encarnó a distintos personajes, en esta época de Dopadromo era un "zomba", especie de sobre-humano venido de otra dimensión, que encarnaba totalmente al hombre-cristiano-occidental: un ser perverso e inmoral. Si en el video de "Viva Satana!" está encarnando una fiesta del siglo XX, en Perfume Casino, nos relata los rituales de la Edad Media. Con una estética totalmente deudora del Neorrealismo Italiano, Babasónicos "representa" su imaginario Dopadromo.

Radiohead: 26 de marzo (Santiago-Chile)

2009-04-01T01:21:00.006-04:00

Han pasado varios días desde el concierto de Radiohead. Es extraño que aún no me puedo sacar el timbre de voz de Thom Yorke, ni las imágenes hipnóticas proyectadas, ni mucho menos la vivencia completa e irrepetible. Es que ver en vivo a Radiohead fue un acontecimiento, mi vida la semana pasada no fue sino pensar que quedaban cada vez menos horas para el recital. Era harto rato esperando a que tocaran, era el concierto que siempre quise que sucediera, antes que ellos se disolvieran, o antes que ellos – cosa que no creo que pase – ya no fueran los mismos, y vinieran a Chile sólo para el revival de que alguna vez fueron grandes. Pero vinieron y quizás en uno de sus mejores momentos y presentando un disco del cual salí del Estadio Nacional totalmente enamorado.

Todo el concierto esperé que sonara “Paranoid Android”, era casi obvio que la tocarían, es quizás el mayor clásico de la banda. Mi espera no era porque pensaba que no la tocarían, sino porque sabía que la interpretación de ese tema sería la emoción colectiva más fuerte que se produciría en el concierto. No me equivoqué, porque a mi alrededor tipos que nunca había visto se emocionaban casi a las lágrimas cantando. Sobre todo en la parte final, donde las veinte mil y pico personas que había formaban un coro total. Me emocionaba la canción en sí, me emocionaba la sensación colectiva extraña que había, porque no era una efervescencia sino que una sensación que era la primera vez que la sentía. Los “rain down… rain down…” al unísono eran alucinantes, miraba la pantalla y Jonny Greenwood sin tocar, se quedaba en una pose de abandono, de desahucio, lo miraba y mi pecho se encogía: la sensación claro, era de congoja, pero de una especie de alegría. Eso era la extrañeza, pero una extrañeza que circuló en todo el concierto, porque uno se acostumbró a escuchar Radiohead en su soledad, es decir, si en una reunión de amigos te ponías un tema de Radiohead pasabas a ser el “aguafiestas”, Radiohead no es algo para escucharlo colectivamente, siempre lo pensé. Por eso mi expectativa con el concierto era enorme, y sobre todo con la interpretación de Paranoid Android.

¿Qué transmite Radiohead?, ¿Qué lo hace ser tan especial para mucha gente?, ¿por qué acá en Chile logró llevar 60 mil personas en dos shows? Radiohead es algo un poco indefinible. Está lo evidente, que es una banda de rock, pero es de esas bandas de rock que se tornan fenomenales, porque son en sí mismas en un fenómeno cultural. Pocas bandas de rock han sido fenómenos culturales, y las que lo han sido están en un podio. Radiohead acá en Chile agarró a cierta generación y le puso música a sus alegrías, a sus frustaciones, y sobre todo, a sus emociones. Thom Yorke no tenía para qué salir a decirlo, ni a arengar a nadie, simplemente cantó y tocó como el lo sabe hacer, y la banda completa transmitió eso indefinible que es su música. Es indefinible, porque Radiohead es una banda muy singular, ya que tiene una vibra que transmiten que es extrañísima, y que en el concierto uno la nota: estás eufórico pero a la vez hay una tristeza, una especial tristeza bella por decirlo de algún modo. Radiohead no es una banda alegre eso está claro, pero no son “depresivos” como muchas veces se les ha catalogado erróneamente. Lo que ellos transmiten es un malestar pero un malestar que no es burdo, no salen a gritártelo en la cara, sino que lo transforman en una belleza, que a su vez, tampoco es burda. Difícil ponerse a explicar qué transmite una banda como Radiohead, que es tan compleja, con tantas texturas, qué comprenden perfectamente que el rock es una cuestión contra-cultural, y que por eso mismo su postura no puede ser codificable, no puede ser algo que un periodista medio venga y lo traduzca. Acá en Chile en los noticieros centrales presentaron a Radiohead como una banda de “rock melodramático”, está muy claro que el querer clasificar la música de estos tipos es algo medio complicado, y que al clasificarlo forzosamente, suena ridículo.

El 26 de marzo del 2009 quedará como el día en que fui testigo de un evento. Evento en todo el sentido de la palabra. Sentía durante las 2 horas y media casi de show, que estaba ante algo histórico. Estaba parado viendo la presentación de la mejor banda de rock de la actualidad, y no sólo eso, sino que de los últimos 25 años, y quizás en el podio de las bandas más grandes de la historia de lo que llamamos y entendemos por rock. Pensaba que quizás haber visto a Pink Floyd el año 77 presentando Animals es comparable a lo que es Radiohead año 2009 presentando In Rainbows. Las comparaciones son por las calidades de los discos, los shows y las bandas. Si Pink Floyd existiera en el año 2009 claramente tendría un espectáculo al nivel de lo que hace Radiohead. Porque el show de Radiohead no es sólo la música, sino que toda la puesta en escena, las luces, la escenografía, las imágenes, son un fragmento más dentro de ese fragmento que se llama – por decirlo de alguna manera – la “obra Radiohead”. Herederos totales de Pink Floyd como decía, las pantallas que habían no era sólo para que el tipo de la última fila viera lo que estaba pasando en el escenario. Sino que eran un complemento más del espectáculo, y a mi modo de ver, quizás el más importante. Lo extraño es que muchos no veíamos realmente a los seis tipos tocando, sino que los veíamos por las pantallas, pero esas pantallas no “representaban” el show: lo fragmentaban. En cada canción habían tomas distintas, planos que en el tema anterior no habías visto. Las imágenes funcionan como la misma música de Radiohead: puros fragmentos, una forma extraña de articular el sonido, así también, una forma extraña de articular la imagen. Porque si bien, el “en vivo” era reproducido por las pantallas, ahí no veías “lo mismo” que pasaba en el escenario. Era otra cosa. Parecía a ratos que en las pantallas uno veía la representación de una película que se llamaba “el concierto de Radiohead”.

***

Momentos culmines: “You And Whose Army”, con la cámara en la cara de Yorke, su medio ojo mirando a nosotros como un panóptico, ironizando con el ascenso del Imperio 2001, con la tutela del Fuhrer Bush.

"Faust Arp", la toma que capturaba a Yorke y a Jonny Greenwood, esa toma más las perfectas notas interpretadas por ellos, creó un clima íntimo que es inexplicable, para la mucha gente reunida ahí. En estos dos ejemplos uno creía ver que los tipos estaban actuando, y de hecho, de cierta manera eso hacían.

Diría que todo In Rainbows fue lo más alto del show, más allá de los guiños al pasado con sendos clásicos, pero el show más que basarse en los clásicos tenía su piso en In Rainbows, era lo único que no cambiaban en los shows que se presentaron en todo el mundo. Los temas del disco sonaban perfectos, a ratos podías pensar que estabas ante un playback, ya que las canciones sonaban exactamente como suenan en los discos. Los cinco músicos en ese sentido son notables. De los temas del disco los mejores que sonaron a mi parecer fueron “All I Need”, “Videotape” y “Arpeggi”. Los demás también, pero para mi estos tres sobresalieron. Lograban algo especial, ya que las canciones al ser relativamente no eran coreadas como los temas de Ok Computer o Kid-A, pero producían un magnetismo y un respeto que yo nunca antes había visto en un concierto.

Creo que muchos – como venía diciendo - de ahí salimos enamorados del último disco de la banda. Porque por lo menos el show del 26 de marzo en Santiago fue de In Rainbows. Parecía que todos los temas estaban moldeados por el disco, era Radiohead 2009, no una banda que viene a mostrar su historial, o lo “grande que fueron alguna vez”. Cuando Radiohead hizo el disco que nadie se esperaba (Kid-A) se notó que las cosas para ellos no funcionan dentro del nostalgismo: la nostalgia surge cuando marcas una época como sobresaliente en desmedro de lo que vendrá, y hubiese sido fácil quedarse en el Ok Computer. Repetirlo hasta el cansancio, total, tienes al mundo a tus pies. Pero no, fue Kid A y un plegamiento hacia ellos mismos, no querer hacer el disco que el público quiere, sino que el disco que la banda quiere hacer. Un gesto del rock más puro, un gesto de banda clásica, y eso quizás es lo que hace a Radiohead una banda de tanto nivel, en tiempos en los cuales hay muy pocas de esas.

Set List.

1. 15 Step: era la obvia, esperaba que comenzaran con esta. La intro era una broma de mal gusto, no faltó la picardía del chileno que dijo: “tss volvieron los Kraftwerk!”
2. Airbag: cuando comenzó me surgió la primera emoción de la noche, la gente se comenzó a mover, me dejaba llevar y esperando para gritar la primera estrofa. Luego el “i am born again” fue un grito ensordecedor. Notable.
3. There There: una de las mejores canciones de Radiohead, de hecho me la esperaba de las segunda. Cuando vi que Ed’O Brien y J. Greenwood tomaban baquetas, supuse que era ella. Fue un momento alto del show, es que es un temazo.
4. All I Need: se transformó después del show en mi favorita de In Rainbow, pese a los problemas de sonido (que yo no alcancé a sentir) el tema sonó de la puta madre. C. Greenwood en el bajo me hipnotizo, le enfocaron su cara en todo el tema, y el tipo, impasible, su sobriedad es grandiosa. A mi parecer el se come la canción… bueno, cuando Yorke se sienta en el piano y el tema agarra ese in crescendo fue sublime.
5. Nude: luego del receso de casi 10 minutos, comenzó Nude, tema que en vivo agarra una onda hipnótica sin igual. Es decir, la mayoría de In Rainbows como venía diciendo tiene esa onda, pero Nude al igual que All I Need tienen mucho más esa fibra.
6. Weird Fishes/Arpeggi: el juego de guitarras es notable. La tensión que mantiene la canción me tenía con el pecho en la mano, aparte que J. Greenwood canción que pasaba me fascinaba más. Es un groso el tipo, un personaje lo posee, el tipo es el guitarrista de Radiohead, nada más que eso, no me lo imagino haciendo otra cosa. El tema se lo come él.
7. The Gloaming: cuando comenzó la canción en un momento (dentro de la locura, lo extasiado, la marihuana, lo contento, etc) la confundí con Reckoner… pero cuando capté que era The Gloaming fue una sorpresa total. Me sorprendió lo perfecto que les sale la canción, pese a su casi 100% de electrónica que hay. El paso de la iluminación verde al azul, le imprimió un color destellante a la canción. Un momento groso del show.
8. The National Anthem: uff quizás EL momento del show, en realidad es difícil decir cuál fue el momento más alto. Pero quizás es cuando el juego de luces, y todo el despliegue visual del show se manifestaba totalmente.
9. Faust Arp: ya me refería a ese momento culmine en lo visual a mi entender. No sé cómo dos guitarras acústicas y una voz lograban enmudecer a 30 mil personas.
10. Karma Police: las dos notas introductorias y el público se vino abajo. La performance en el piano de J. Greenwood notable.
11. Optimistic: Una de las que no me esperaba, me parece que en vivo adquiere otro peso que en la versión estudio no tiene. Las luces y el juego de colores, le imprimieron mucha más aridez a la canción.
12. Pyramid Song: cuando Yorke toca las primeras notas en el piano, todos viajamos. El tema fue un viaje, miraba de reojo a la pantalla y J. Greenwood disfrazado de Jimmy Page. La canción les salió perfecta y todos estábamos enmudecidos, para mi hasta ese momento era demasiado.
13. Reckoner: después de tres clásicos, volvieron a In Rainbows, con uno de los temas que desde las primeras escuchas al disco me gustó. No sé porqué a ratos creía que la voz de Yorke estaba doblada. El falsete le sale igual, es un groso vocalista.
14. Jigsaw Falling Into Place: el tema más rockero de In Rainbows, y si que es una bomba en vivo. El juego de las tres guitarras es sobresaliente, la polenta que agarra al final es indescriptible.
15. Idioteque: acá se cayeron todos. No había nadie que no bailara, el coro retumbaba… “deaf and lost are the children” eran gritados por todos, mientras Yorke bailaba y se movía poseídos por las máquinas. Fueron 5 minutos de frenesís, inolvidable.
16. Bodysnatchers: C. Greenwood levanta los brazos y comienza apludir, luego de Idioteque quedamos todos extasiados, pero el bajista nos arrima a seguir. Y suenan los acordes de Bodysnatchers… esto es rock del siglo XXI pensaba en ese momento.
17. How To Dissapear Completely: en Chile no hubo arenga con el público antes de la canción. Es más, gesto de la banda me parece de más, yo creo que le quisieron dar en el gusto a los argentinos, que tanto les gusta los discursos a las masas. Pero bueno, acá el tema tuvo el significado íntimo que por lo menos yo siempre le he visto, no por eso, el tema es a-político, sino que muy por el contrario.
18. House Of Cards: el primer bis, luego de la retirada de unos minutos. Tema que faltaba de In Rainbows, y que de cierta forma abrió nuevamente el show.
19. Just: digo que lo abrió de nuevo, porque no me esperaba este temazo. Quizás el más punk en la historia de Radiohead, y Yorke lo canta muy punk. Esperé más de The Bends, y tocaron el que menos esperé.
20. Videotape: luego del rockero Just, se vuelve al intimismo de In Rainbows con Videotape. La performance de Yorke en el piano era hermosa. Gran canción.
21. A Wolf At The Door: esta si que no me la esperaba. Una de mis favoritas de Radiohead, el tema que cierra Hail To The Thief de manera grandiosa. Me quedé sin garganta con el coro, y los “put me inside… put me inside… put me inside” me quedaron grabados hasta hoy día.
22. Paranoid Android: bueno, qué más decir sobre el tema, sólo que era el momento esperado por muchos. Luego de esta se retiraron del escenario nuevamente.
23. You And Whose Army: esta si que estaba fuera de los cálculos de todos. Pero fue a mi gusto lo que más me gustó del concierto. Primero la sorpresa, y luego, la risa colectiva, del churro que tiraron a Yorke, y este respondió “thank you”, provocando la risa de muchos que notamos ese gesto, Yorke se rió para luego meterse nuevamente en el personaje. La toma con la cara de Yorke era impactante: una de las letras más políticamente incorrectas de los de Oxford y Yorke con su medio ojo miraba y te decía: “come on, come on. Holy Roman Empire”… Atrás mío un tipo grita: “contra el Imperio conchetumadre”... Este, para mi fue el momento más político del concierto, quizás el tipo que grito y yo lo notamos, pero para mi es mucho más significativo que el discursillo de diplomacia de Ed’O Brien en Argentina.
24. 2+2=5: La esperaba, no podía irme sin escucharla. La tensión inicial era fenomenal, el “Because!” lo gritamos mucho y quedó la cagada. El momento más punks por llamarlo de algún modo en el concierto. Sabía que esto llegaba a su fin.
25. Everything In It’s Right Place: la electrónica más pura se vivió al fin del show, Ed’O Brien y J. Greenwood sentados con las máquinas, una imagen floydiana. Yo en ese momento recordaba que cuando escuché por primera vez Kid-A pensaba que Radiohead esos temas eran irreproducibles en vivo… me reía al pensar que lo estaba viendo totalmente en vivo, y que sí, se podían tocar. Con esta se fueron… y ya no quedaba nada.
26. Creep: se sabía que cuando sonara Creep era el final del show. Sonó y algo de risa nos dio a algunos cuando comenzó, pero había que cantarla. A fin de cuentas es el clásico de la banda… terminó y me fui feliz. Nunca antes me había sentido así, una felicidad de este tipo.

Radiohead en Chile

2009-03-26T00:23:00.004-04:00

Llegó el día. A veces es incomodo salir a explicar cómo una banda de tipos que tocan música puede ser tan importante para tu vida. Es incomodo explicarlo, y mucho más incomodo es sentir cuando la otra persona piensa que tu vida es un poco nerd. Se dirán que son inseguridades, de buscar ídolos donde ya no hay religión, de tener un pequeño espacio de culto en una época en que la exhibición secular ha matado cualquier culto. Pero yo soy los que piensa que los discos, la banda, los videos, y todo lo que rodea al rock, son experiencias de vida. Si la vida moderna, con todos sus aparatos in-humanos, han alejado nuestras experiencias de vida, haciéndolas una mera representación de vida, la música o más bien la música popular son esas cosas que un marxista ortodoxo o vulgar, diría que es una alienación total de la sociedad capitalista: un puro opio para evadir los problemas concretos y materiales. Cosa en cierta manera verdadera, pero en otra, de una radicalidad que roza el conservadurismo.

Radiohead es una banda de rock, no hay más verdad fuera de eso. Unos tipos que les gustó escuchar rock y quisieron tocarlo, como muchos. Pero parece que algo nuevo hicieron porque su música se vendió y la industria los agarró, se les hizo objeto de consumo. Uno ciertamente compra su entretención, así nos criaron. Mi viejo cuando yo era niño en vez de juguetes llegaba a la casa con cassettes. Aprendí a vivir escuchando música, a identificar mi vida con las canciones, soy un hijo de la cultura de la canción. Y así crecí, con canciones que identificaban momentos, personas, situaciones, estados anímicos, y por sobre todo, lugares de la memoria personal.

Año 1997: por ningún lado me podría hacer fans de Radiohead, tenía 14 años y sólo me interesaba escuchar música que a los demás le pareciera molesta: Metallica, Sepultura, Megadeth, Pantera. Es decir, cosas alejadas de lo que sonara en las radios y que menos se diera en el MTV. Sin embargo recuerdo el día en que vi el video de Paranoid Android. Hacía algo cotidiano, me servía comida o algo por el estilo, y sale ese video, presentado por la vj Ruth, diciendo que era el primer single del tercer disco de la banda Radiohead. Yo por ese momento sabía de ellos, quizás sabía lo que era Creep pero muy claro no la tenía. Lo que recuerdo es que al verlo nunca antes un video me había resultado tan hipnótico, es decir, no podía dejar de verlo, ni hacer otra cosa. Me pegó el video, pero no sabía si me gustaba o no, era una fascinación extrañísima. En esa época, el video lo dieron un montón, en el MTV se decía que Ok Computer era una obra maestra. Ahora no sé si un tema como Paranoid Android se podría dar en el MTV, es decir, las cosas en el año 97 eran muy distintas a como son hoy.

No sé cómo un cassette del Ok Computer pasó por lo menos por 8 o 10 compañeros de un primero medio. Es extraño pensar que un disco como Ok Computer que ahora un chico de 14 encontraría una cosa aburrida, lánguida, sin ninguna onda, haya cautivado a tanta gente. Esas 10 personas que escucharon Ok Computer por ese tiempo, ahora a los 26 hacen cosas diversas, teniendo vidas muy distintas, pero algo ocurrió, porque el disco de Radiohead atrapo a esa generación. Me pregunto cuántos ese año 97 habrán escuchado el disco, chicos entre 13 a 17 años, escucharon y compraron (ojo que Ok Computer fue disco de oro o de platino acá) el disco. Y si bien quizás la gran mayoría de esos no irán el jueves ni el viernes a verlos, el efecto de Ok Computer en esa generación fue sorprendente. No sé si en el resto de Latinoamérica ocurrió igual, pero está la máxima de que en Chile de 10 casas por lo menos en dos hay un Ok Computer original.

Digamos que a los 14 años yo era alguien medio depresivo. Toda mi secundaria lo fui. Retraído, taciturno, solitario, tenía muy pocos amigos, y si era viernes o sábado en la noche casi siempre no estaba en fiestas sino en mi dormitorio escuchando música. Ok Computer era el disco que ponía cuando sentía mucha pena. En realidad es un poco vergonzoso acordarme así, pero realmente lo era así. No sé si era un refugio, era simplemente experimentar mi estado anímico totalmente real con unos tipos que grabaron 12 canciones en un estado parecido al mío. Y digamos que el título del disco me intrigaba. Con 14 años no lograba aún relacionar que la melancolía podía tener un origen o afección social, externa al individuo. Me costó años poder comprender eso. Para mi era simplemente que te sentías mal por haber nacido. Una conocida una vez dijo que los Radiohead eran proto-emo, no sé si es una ofensa o qué, pero es parecido a la definición que un periodista de TVN dijo hace unos días: “la banda de rock melodramático”. Lo de Radiohead era de verdad, mucho más que una pose. Yo no sé si ellos se propusieron hacer un disco depresivo ni nada por el estilo, les salió así. Y en realidad a la distancia yo no lo veo como un disco depresivo, eso fue una etiqueta que la mala crítica les puso. Ok Computer más que un disco depresivo es una cartografía, un mapa a lo social, pero desde lo afectivo. Es simplemente hacer ver cómo una sociedad moderna poco a poco pierde todo rasgo de antigua humanidad. No es una melancolía, o añoranza por ese humano que se esfuma, sino que la muestra, el mapa de que las cosas marchan extrañas, de que el mundo está dado vuelta, de que la vida que nos contaron cuando niños no es real, o más que eso, no es verdad. De cierta forma me siento alguien educado por Ok Computer, yo no le hacía caso a mis profesores, sino que iba y escuchaba a Yorke.

Por tres años sólo escuché Ok Computer de Radiohead, y de hecho, un poco de vergüenza me daba asumirlo. Yo era metalero, debía escuchar sólo cosas relacionadas con el metal, Radiohead era otra cosa. Pero realmente para mi no lo era, en Radiohead había una oscuridad, al igual como en cierto metal lo hay, una relación con lo maldito, con el dejar de vivir, pero me intrigaba que Radiohead lo podía manifestar de una forma totalmente distinta. Esto último se me hizo totalmente patente aquel día que por la radio futuro escuché que de forma exclusiva se emitiría el nuevo disco de Radiohead. Paré la oreja de inmediato, y eso yo tenía que escucharlo y grabarlo. Era el año 2000, yo aún utilizaba cassettes. Y bueno escuché Kid-A y lo grabé. La impresión que tuve fue rarísima, no entendí nada, pero me intrigó darme cuenta que el disco era una cosa radicalmente distinta a Ok Computer. Lo escuché mucho por ese tiempo y primera vez que podía tolerar canciones que no tuvieran guitarras, de hecho el disco me enganchó muchísimo, y creo que si bien no tuvo el efecto que marcó para mi Ok Computer, si tuvo un efecto en el sentido de que Kid-A modificó totalmente mis gustos musicales. Después de haber digerido ese disco en el año 2000 pude escuchar cualquier cosa.

Digamos que por Radiohead llegué al rock, al rock en su vertiente más clásica, desde Radiohead llegué a Pink Floyd y a The Beatles. Sólo desde ahí comprendí y comencé a escuchar rock, y a entenderlo como fenómeno cultural. Para mi Radiohead es la banda de mi generación, por eso la venida de ellos a mi país es algo que esperé por muchos años. Es que en ellos se condensa lo que una banda de rock puede llegar a causar, un efecto como experiencia de vida. Quizás no para todos es así, pero la música de estos tipos es de verdad, es decir, más allá de ser un objeto de consumo, ellos constantemente no se han dejado codificar simplemente en eso. Sus discos post Ok Computer lo demuestran.

Al show de mañana me llevo toda una juventud graficada en sus canciones, hasta creo que después de mañana algo se acaba en mi, es decir, ya no sé si vuelvo a ver otro show en vivo, sobre todo en tiempos en que el show de rock es una cosa que ya no tiene el sabor de antes, su exacerbada mercantilización ha matado un poco la experiencia primaria que se tenía del concierto de rock, y me refiero acá en Chile. Lo de Radiohead es algo que podría haber sido años antes, pero quizás, ese tiempo que esperamos, es la excusa perfecta para que mañana sea algo inolvidable. It’s gonna be a glorius day…

Notas sobre "lo maldito"

2009-02-25T04:01:00.005-03:00

Hay momentos de cortes: a significantes y significantes. Los significantes son aquellos de los cuales nos damos cuenta, los a-significante no los vemos pasar, sólo ocurren. Sin embargo los árboles que nos han plantado en la cabeza nos significan y nos hacen sujetos que vemos aquellos cortes: cortes que marcan cambios y mutaciones. Sería ideal no ver los cortes y que todo corte fuera a-significante. La lucha política está en no dejarse significar, pero esto es a riesgo de ser marginado de lo social. Pues lo político y lo social son cosas bastante distintas. Lo social te impone a ser de una manera, a ser una significación con patas, a ser sujeto. Lo político es a-significante, rupturista, transgresor, pero insisto a riesgo de ser marginal: Artaud, Nietzsche, Sid Vicious, Jim Morrison, Kafka, Cobain, Benjamin, Rimbaud, De Rokha: figuras de la marginalidad, del dolor y de lo maldito. Desvinculados de lo social por ser extremadamente políticos en su accionar, en cometer el error - no muy inteligente - de vincular el deseo con lo político. Esto produce pura incomprensión histórica, son personajes no históricos sino póstumos... De Rokha y el grito al destino de estar siempre miserablemente solo; Nietzsche y el pesar de tener inscrito en él todos los registros de la historia; Kafka y la soledad de la escritura como incomunicación de poder hablarle a la mujer, sino sólo escribirle cartas; Benjamin viviendo la soledad en la multitud de la ciudad parisina del siglo XIX, siendo él del siglo XX; Cobain y el gatillo de la muerte de una generación atrofiada en la sociedad del espectáculo...

"Indiscutiblemente, en casas de arriendo,
a la ribera del pan y su situación aldeana de sombrero de sol,
contra empleados grandes o desesperados
y viudas terribles, que desprenden cabellos de estructura amarilla,
así moriremos, tal vez, al bramar contra la montaña...."

(Pablo de Rokha de Poesía Funeraria)

Es el pacto con Satanás. Y la afirmación del mal.

“¡Preferible vivir en medio del hielo que entre virtudes modernas y otros vientos del sur!... Nosotros fuimos suficientemente valientes, no tuvimos indulgencia ni con nosotros ni con los demás; pero durante largo tiempo no supimos a dónde ir con nuestra valentía. Nos volvimos sombríos, se nos llamó fatalistas. Nuestro fatum - era la plenitud, la tensión, la retención de las fuerzas. Estábamos sedientos de rayo y de acciones, permanecíamos lo más lejos posible de la felicidad de los débiles, de la resignación... Había en nuestro aire una tempestad, la naturaleza que nosotros somos se entenebrecía - pues no teníamos ningún camino. Fórmula de nuestra felicidad; un sí, un no, un línea recta, una meta...”
(Friedich Nietzsche del Anticristo)

Marginalidad total, construcción de una felicidad más allá de lo humano, y todo lo que ella significa. Un anti-humanismo.

"Un punto suspendido que nada siente, que debe redimir una batalla en contra de los abismos voluminosos. Se bambolea entre el sufrimiento que ya no es emoción y la carne. Y el sufrimiento es la tensión entre el abismo y su cuerpo, argumento contradictorio que le manifiesta el absurdo violento de la existencia”.
“Sufro que el espíritu no está en la vida, y que la vida no está en el espíritu”
(Antonin Artaud del Teatro de la Crueldad)

La construcción del cuerpo sin órganos, sin moral, sino que una nueva ética.

“Ven cubierta de lodo, empapada de lejía,
como quiero que seas.
Como una tendencia, como una amiga,
como un viejo recuerdo, recuerdo, recuerdo.
Juro que no tengo un revólver,
yo no tengo ningún revólver,
yo no tengo ningún revólver. recuerdo,
recuerdo, recuerdo, recuerdo,yo no tengo ningún revólver.”
(Kurt Cobain de Come As You Are)

El amor y la muerte son uno. El revólver, el revólver, y el estallido del recuerdo…

Que no pare de llegar (desde el viaje)

2008-12-05T03:12:00.000-03:00

El deseo necesita pocas cosas. Un viaje se podría entender como un campo intenso, en el cual el deseo fluye a través del cuerpo. Si el cuerpo está o no en movimiento depende en qué vibraciones el deseo prolifere. Por eso es en intensidad y no es una velocidad determinada en magnitudes lineales. El deseo como viaje pasa, es un proceso tal como lo utilizó Kafka, que pasa por intensidades puras en donde las formas – sean, burocráticas, familiares, sexuales - se destruyen. Velocidad pero en devenir; o el viaje - que siempre supone una velocidad - como un puro devenir. De lo que se trata el viaje es el paso desde una molaridad (Hombre, Hombre-blanco, cristiano, conciente, sedentario) a una molecularidad (Mujer, Negro, Indio, Niño, Animal, Inconsciente, Nómade)

"No tengo dinero ni recursos ni esperanzas. Soy el hombre más feliz del mundo"
(Henry Miller)

Grado 0 de intensidad, el viaje no se puede pensar como un paso simple desde lo usual a lo inédito, es decir desde una experiencia que se sustente en una binariedad: paso desde lo mismo a lo otro, de la identidad a la alteridad. El devenir está entre, así el viaje se puede realizar sin moverse: ética del cuerpo. Kafka y Proust deviniendo-escritura en su habitación. La escritura es un viaje. Proust y la figura del despertar: el sueño y la vigilia indiferenciados en el momento de la escritura. Se escribe en el despertar, en el ocaso del sueño y el crepúsculo de la vigilia. Nunca se sabe lo que puede un cuerpo: articulación de éste como un campo de intensidad, en un grado 0 de intensidad. Todo circula por el cuerpo, las líneas se activan, pero éstas siempre pueden caer en una re-territorialización abrupta que capture las líneas, cortándolas.

“La prudencia es el arte común…; y si a veces se roza la muerte deshaciendo el organismo, también se roza lo falso, lo ilusorio, lo alucinatorio, la muerte psíquica evitando la significancia y la sujeción.”
(Deleuze-Guattari)

El viaje debe conservar un poco de organismo para que este mañana pueda realizar otro viaje. La línea de fuga no es aniquilación del cuerpo, sino que es articulación de un cuerpo sin órganos. La línea de fuga no tiene una dirección, no es ni a izquierda, ni derecha, ni arriba ni abajo. Gregorio Samsa y la línea de fuga en su habitación, la encontró donde el padre no: huída del trabajo, de los negocios, de la burocracia moderna. Cuerpo experimental no experiencial, que puede circular no en transformaciones sino que en devenires: devenir-insecto, devenir-mujer, devenir-niño, devenir-loco.

“El cuerpo sin órganos oscila constantemente entre las superficies que lo estratifican y el plan que lo libera. Liberadlo con un gesto demasiado violento, destruir los estratos sin prudencia, y os habréis matado vosotros mismos, hundido en un agujero negro o incluso arrastrado a una catástrofe… Lo peor no es quedar estratificado – organizado, significado, sujeto – sino precipitar los estratos en un desmoronamiento suicida o demente, que los hace recaer sobre nosotros, como un peso definitivo… tener siempre un pequeño fragmento de una nueva tierra.”
(Deleuze-Guattari)

Tener siempre un pequeño fragmento de una nueva tierra que visitar y el cuerpo nómade quedará construido…El viaje supone una ética del cómo viajar o sino el peligro está en un viaje suicida o en un simple cambio regenerativo que siempre es de tipo moral.

11 de septiembre del 73

2008-09-11T15:27:00.006-04:00

“Un día, de golpe, tantos de nosotros perdimos la palabra, perdimos totalmente la palabra. Otros, en cambio, siguieron hablando.” (Patricio Marchant)

Fue un corte en la lengua. No sólo el cambio simple de una lengua por otra. Sino la sobrevivencia de esa lengua cortada, que se revela como golpe-de-estado, golpe-a-la-lengua… Como se pregunta Sergio Rojas[1]: ¿veremos algún día la moneda en llamas en láminas recortables para las tareas del niño de básica? Una lengua cortada no alcanza a discernir entre los hechos, no los puede amontonar unos a otros, como en un recipiente, para llenar el tiempo vacío y homogéneo, que se linda como Historia de Chile.

Cada 11 de septiembre que pasa se percibe una necesidad de hacer ingresar el golpe de estado como un hecho histórico más, para endosar – y de cierta manera atenuar – la sensación de unidad y bienestar que debe tener la Nación, el País, el Estado chileno… El golpe de estado como golpe a la lengua no es un hecho histórico, en tanto este no ocurre en la historia de Chile, sino que le ocurre a la historia de Chile[2]. El acontecimiento del golpe o el golpe como acontecimiento es la condición material, el soporte, desde el cual cualquier historia se quiera hacer. Toda narración, toda escritura, toda crítica, toda teoría, tiene como soporte material el golpe de estado, en tanto corte a la lengua, interfiere en cualquier nueva lengua[3] que se quiera reconstruir.

La Moneda en llamas es la instalación que cualquier vanguardia artística quisiera hacer: como total insubordinación de los signos, sean los institucionales (quiebre de la institucionalidad moderna), los políticos (término de la política representativa: cierre del congreso y de los partidos políticos), los culturales (el Estado no financia más ningún tipo de práctica cultural, es más, no hay libertad de expresión en Chile) y finalmente la misma noción de signo es quebrada, teniendo su perfecto avatar en el saber universitario, académico o intelectual, intervenido por militares, y así de todo el aparato moderno del saber, sus prácticas, sus categorías.

Pensamiento intervenido, exiliado, torturado, fusilado: desaparición de las categorías en las cuales nos pensábamos, nos nombrábamos. El Chile republicano, estatal, muere en la Moneda junto a Allende, para pasar a ser un Chile transnacional. El golpe no ocurrió solo un once de septiembre del setenta y tres, sino que este no deja de ocurrir. El golpe es ahora en tanto el acontecimiento se devela póstumo: el golpe se lee desde el golpe, somos leídos por el golpe para leerlo.

Son 35 años en el cual la edición que existe de la memoria nos muestra las imágenes en blanco y negro que responden inmediatamente a aquello que se llama golpe de estado. El golpe no es histórico propiamente tal, es visual. Si Gonzalo Vial no cuenta la Historia de Chile post-golpe, no es sólo por una cuestión estrictamente ideológica, sino que para un historiador conservador como el, las imágenes, lo visual, no tiene historia. No es posible hacer historia con imágenes, porque la imagen prescinde de una narración explicita: no hay sujeto en la imagen, por más que uno vea a un piloto de avión bombardeando la moneda o que uno sabe que Allende se está suicidando en la Moneda, o es más, el camarógrafo que registra la imagen. No hay sujeto en la imagen porque ésta prescinde de un testimonio confiable, no hay narración. La imagen es una construcción técnica y el golpe sólo es leído desde ahí: el golpe antes de que fuera narrado, contado por alguien, fue visto en las pantallas de televisión luego de que pasaban por la tele el Pato Donald.

Ruiz sabía muy bien que el golpe de estado era la entrada de Chile al mundo global. Thayer lo enuncia como el bing bang de la globalización. Así, Diálogos de Exiliados[4] es la alegoría para pensar el golpe desde todas estas hechuras que hemos transcribido. En el film se trasluce el fin de la épica, grafica en ironías sobre la constitución de asambleas y discusiones que sólo tenían sentido dentro de un régimen partidista pre-golpe; se trasluce la condición del inmigrante, ya que el exiliado para Ruiz no es sólo el chileno, que siempre – sobre todo luego de la Dictadura – se mostró como épico, es decir, un exiliado que preparaba su vuelta a Chile aún confiando en que las cosas podían ser mejores, sino que el exiliado de Ruiz es simplemente un inmigrante, que convive en Francia con el argelino, con el argentino, mostrando la entrada – vía del exilio – de Chile en la aldea global. Diálogos de Exiliados es un film sobre el exilio, pero a la vez, sobre el golpe, sobre la Dictadura chilena, pero también es post dictatorial, ya que trasluce un sentir, un cuerpo afectivo, que es propiamente el sentir del golpe, como corte de la lengua.

Pasolini en Saló como una de las tantas torturas producidas por los supuestos victimarios fascistas, está presente el corte de una lengua de una de las supuestas victimas. La tortura mayor es la de no dejar hablar, la de cortar la lengua, no para fundar otra, sino para que la lengua cortada, con esa marca, no pueda volver articularse sin tener que trabarse con ella misma recordando el corte (el golpe)…

La verdad del golpe de estado no es sino póstumamente: hoy es. Bing bang de la globalización, y a saber, del mercado, de la transculturación, de la “democracia”, de la muerte de las ideologías, y la activación de la representación como movimiento de lo inaparente, de lo muerto-vivo desplegándose. Existe esta secuencia: Unidad Popular-Golpe-Dictadura-Transición, como un pliegue, como mónada del tiempo-ahora: Lagos heredero de Allende; Bachelet heredera de Pinochet; Allende como consumación de la vanguardia, de la épica, en tanto es parte de aquella instalación llamada la Moneda en llamas, muestra de lo irrepresentable, de lo fuera de marco, de lo in-testimonial, de la lengua cortada un once de septiembre.

[1] Ver Sergio Rojas, La visualidad de lo fatal: historia e imagen, en Pensar en/la Postdictadura, Cuarto Propio, ed. Nelly Richard y Alberto Moreiras, 2001.

[2] Ver Willy Thayer, El golpe como consumación de la vanguardia, en El Fragmento Repetido: escritos en estado de excepción, pág. 20-21, Metales Pesados, 2007.

[3] Y así esta nueva lengua se puede extrapolar a cualquier discurso, pragmática, política que se quiera “hacer”.

[4] Diálogos de exiliados (1974) fue la primera película realizada por Raúl Ruiz en su exilio en Francia, marca a su vez también la última película que realizaría con Chile como tema protagónico, para luego de ella, entrar a trabajar en el marco cultural francés, sin que eso sea sinónimo de un “afrancesamiento” por parte de él. Para muchos, con esta película, Ruiz pone termino a su militancia, a su compromiso de elaboración de un cine propiamente chileno que años atrás se había propuesto hacer; para otros también es no sólo su alejamiento partidista sino que con el mismo país, para volverse un Director críptico, distante, lejano, sin ningún tipo de cercanía con el público chileno. Precisamente todas estas apreciaciones nos sirven para decir que el golpe de estado no fue sólo un accidente que ocurrió en la historia de Chile, sino un golpe totalmente afectivo que intervino, por ejemplo, en el Cine de un autor como Raúl Ruiz.

Apuntes: "Mal de Archivo"

2008-04-06T19:14:00.005-04:00

La pulsión de muerte nunca deja un "archivo". Destruye todo, no deja nada propio. "Trabaja para destruir el archivo: con la condición de borrar, más también con el fin de borrar sus <propias> huellas - que, por tanto, no pueden ser propiamente llamadas <propias>."

Pulsión de muerte: empuja al olvido, anámnesis como erradicación del archivo. La pulsión de muerte psicoanalítica es anarchivística y archivolítica. Así el archivo no tiene mucha relación con la memoria espontánea, es un aparato mnemotécnico. El archivo "tiene lugar en (el) desfallecimiento originario y estructural de dicha memoria." El archivo asimismo se produce en la pulsión de muerte, en esa "borradura radical" de lo que jamás se puede reducir a la memoria. El archivo no es la memoria.

Freud sostenía que la repetición, su afán compulsivo, tiene relación con la pulsión de muerte: "aquello mismo que permite y condiciona la archivación, nunca encontraremos nada más que lo que expone a la destrucción, y en verdad amenaza con la destrucción, introduciendo a priori el olvido y lo archivolitico en el corazón del monumento." El "mal" del archivo, su "mal" no es otro que la pulsión de muerte: constitución misma del monumento.

La circuncisión como la figuralidad del documento de un archivo. Instauración del Museo freudiano. Freud como el Patriarca, el Padre,- y como buen heredero - un Rabino: "Lo que el Padre da a su hijo es a la vez una escritura y su soporte. El soporte en cierto modo fue la Biblia misma, el ..."

El Museo Freud elabora propuestas para conservar y archivar todo lo digno de secreto, tipo confidencialidad, casi como un secreto de Estado. Estos se guardan, se modifican, para luego imprimirlos para su reproducción técnica. El inconciente es esa fábrica de producción que el Museo Freud conserva. Son datos, fechas, inscripciones.

El archivo no es asunto de una memoria viva, de una función humana, digamos. El archivo como decíamos tiene que ver con el desfallecimiento de todo aquello que llamamos anámnesis, y tiene relación con cierta experiencia de la técnica. ¿El block mágico seria la representación del aparato psíquico? O más bien, ¿el aparato psíquico estaría afectado por los máquinas técnicas y funcionaría como una perfecta máquina de registro, corte y confección? El block mágico retiene las impresiones y conserva ciertas imágenes, las representaciones de las cosas. Las almacena funcionando como el inconciente.

*Todas las cursivas son del texto Mal de Archivo de Jacques Derrida.

Corazones y la configuración de una micro-política del deseo

2008-03-09T18:40:00.009-03:00

Como otra piel
como otro sabor
como otros abrazos
otro olor
no habrá otros latidos
no habrá otros orgasmos
no habrá otras promesas
ni otro calor

Recuerdo la navidad del año 90 haber recibido de regalo el disco Corazones de Los Prisioneros. Yo por ese entonces no pasaba de los 7 años, pero Los Prisioneros eran un fenómeno muy masivo que llegaba a los jóvenes, adultos y a los más chicos, claro que por la época no existían cosas como Six Pack o Amango. Escuchando el disco no sé en realidad cómo podía escucharlo a esos 7 años, si apenas entendía la mitad de las palabras que oía y mucho menos entender las frases e imágenes que cantaba Jorge González, pero en fin, a mi me gustaban. Mi relación con este disco como se ve es bien larga, quizás es el disco que más he escuchado, pasando a ser parte fundamental de mi mismo. Es que creo que me formé con Los Prisioneros y particularmente con este disco.

El cassete de Corazones se perdió en cambios de casa o borraduras de cinta. Sin embargo mi relación con Los Prisioneros siempre estuvo presente, independiente de mis variados gustos musicales y el disco Corazones siempre fue el disco de esos 4 clásicos que más complicaciones en cuanto a lo estilístico me traían. Pero precisamente esa rareza del disco era lo que siempre me cautivó, cómo Los Prisioneros después de 3 discos de furia social y política al Chile de los 80 podían editar un disco que en apariencia fuera tan inofensivo, que casi todos sus temas hablaran de amor sin ni siquiera una guitarra que trajera algo de rock, y más encima más que un disco de la banda pareciera un disco solista de Jorge González. Todo esto me hacía de Corazones un disco demasiado interesante siempre de escuchar pero que siempre me cautivaba con sus tremendas canciones, porque eso es lo innegable, Corazones es un álbum de extremadas buenas canciones.

El momento histórico en el cual sale editado no puede ser más importante: es el año 90, cambio de mando en Chile, se acaba la Dictadura y asume Patricio Aylwin otrora pro-golpista que ahora se viste de señor democrático para pactar junto a la derecha económica y política un Chile listo para ser desarrollado. Mientras todo eso pasaba el guitarrista de Los Prisioneros Claudio Narea se aleja de la banda por motivos que no pasaremos a detallar ahora, y Los Prisioneros se transforman en dúo, quedan González y Tapia. Ambos con el presupuesto que ya podían tener Los Prisioneros luego de años exitosos en gran parte de Latinoamérica, más la bonanza que existía en Chile por ese tiempo, se dan el lujo de ir a Los Ángeles California a grabarlo con la producción de Gustavo Santaolalla, que por la época no ganaba gramys ni nada de eso, pero ya se perfilaba como el futuro gurú en cuanto a las producciones del rock latino. Corazones es quizás el primer disco de rock en Chile que gozó de una producción 100% profesional y poseía un sonido que no tenía nada que envidiarle al anglosajón. Todos estos pormenores más que ayudar a su éxito ayudaron a las suspicacias de un público que esperaba El Baile De Los Que Sobran Pt. 2 o una versión recargada de La Voz De Los 80, como La Voz De Los 90. El público chileno siempre algo conservador no entendió mucho que buscaban Los Prisioneros con este nuevo estilo y sonido, en donde parecían más cercanos a Depeche Mode que a los The Clash y que más encima no tenía ninguna letra – en apariencia – política.

Jorge González ya en ese momento daba muestras de ser un músico caprichoso, que no componía para el público ni para un mercado establecido, sino que simplemente se dejaba llevar por su propio deseo. Corazones marca el comienzo de una relación amor/odio del vocalista con el público chileno que lo subió al podio de ídolo generacional en los 80, para luego acusarlo de traidor. A González acá nunca se le ha entendido muy bien, pero sería demasiado amplio tratar de revisar la carrera que hizo luego de Corazones y rastrear cómo en Chile más que generar un respeto su obra se le trató – y se le sigue tratando - con el más profundo desprecio.

Corazones ya después de 18 años parece un álbum clave para entender todo aquel proceso que se llamó Transición a la democracia, es una testificación histórica de un momento crucial en la Historia reciente de Chile y más encima una obra de altísima calidad a nivel musical. Es que más allá de cualquier cosa que digamos acá, Corazones es un álbum excelente, me atrevería a decir que puede ser el mejor disco de rock grabado por chilenos. Son nueve canciones con demasiada personalidad, es un disco con una producción notable, con letras que rozan la perfección en cuanto a imágenes y lecturas múltiples que se puedan hacer, aparte de ser un disco en suma, demasiado inteligente. Corazones es un disco de rock pero también es una cartografía al deseo.

Un escape a la modernización: viajar en tren

Corazones comienza con un viaje. Una especie de huída, una emigración de la ciudad, de la modernidad, y planear un escape humilde, muy pobre: “y no me digas pobre, por ir viajando así, no ves que estoy contento, no ves que estoy feliz.” El viaje en tren como algo anacrónico; el sur como la parte de Chile más fuera de aquello que se llama modernidad. Algo anacrónico para una década como los noventa en Chile esforzándose en llegar a una modernidad tardía a costa de cualquier cosa. Son los años del llamado progreso social, del crecer a un 7%, del libre acceso a las tarjetas de crédito, de los jaguares de Latinoamérica, etc, etc. Pero Corazones de una forma previsora o quizás muy inteligente, desde su primer tema plantea toda una cuestión contraria: estamos en la época de la desazón, de la melancolía, de la tristeza. La catástrofe dictatorial es un golpe para las emociones y esto se ve reflejado en todos los momentos del álbum, es decir, cómo a un nivel micro-social, el país quedó sumido en una abulia, en una neurosis total. De esta forma la emocionalidad que trasluce Tren Al Sur como tema que abre el disco es una melancolía de escape, de una huída, muy parecida a la borrachera. Corazones es el disco del descarriado, de aquella persona pasional, guiado por bajos deseos: la borrachera de Tren Al Sur como única vía de escape:

Dos y media en la mañana
El olor se mete en la ventana
Son flores y mil animales, que me dicen:
Bienvenido al sur

Yo recuerdo a mi papito
Y no me importa estar solito
Porque me llevan a las tierras
Donde al fin podré de nuevo

Respirar adentro y hondo
Alegrías del corazón

Existe un ansia de respiro, de encontrar un espacio de alegría, y Corazones no hace sino buscar ese espacio en todas sus canciones y a la vez denunciar y protestar en contra de aquello que no te deja sentir ni respirar adentro y hondo. Noche En La Ciudad explica el por qué es menester esa huída, por qué en la ciudad no hay espacio para el borracho ni el descarriado. Noche En La Ciudad es el mapa perfecto para un Chile supuestamente post-dictatorial: el orden-moral que circula por todo el tema no es sino un lema militar, queriendo decir que el Chile de los noventa no es sino la continuación de la Dictadura. Chile se ha convertido en un país excluyente que tiene una fe en el progreso de la sociedad basado en una racionalidad moral de la misma vida:

Es una noche ideal en la ciudad
la gente reza en sus mesas con gran piedad
todas las cosas que se hacen son por amor
y solo esposos y esposas bajo el signo del señor
control remoto y el sillón la tranquilidad
al final de la jornada que comodidad
sin elementos negativos salvajes y tal
que nos alteren el programa que elegimos usar
todos vecinos todos sanos
todos comiendo cosas ricas
sin decisiones de esas gentes que no aportan a la vida
y sin moteles sin borrachos sin ociosidad
sin la mentira ni el engaño ni la falsedad
y a las doce todos deben reposar
para mañana en la mañana madrugar
es una noche ideal de la ciudad
como si fuera una tarjeta de navidad
es tan justa la gente tan de su hogar
que no puedo aguantar las ganas de vomitar

La trama de la cotidianidad: ¿compremos chocolates?

Jorge González en este disco se enfoca en temáticas totalmente micro políticas. Bueno sería recordar que en la gira de presentación del disco Corazones el escenario montado era una especie de loft moderno, en donde Los Prisioneros cantaban íntegramente el disco Corazones. Todo esto nos hace pensar en un disco que habla sobre la trama de la cotidianidad, temas como Amiga Mía y Cuéntame Una Historia Original lo demuestran a la perfección. La última es quizás uno de las mejores canciones compuestas por González, más que nada por su inteligencia en la composición. Cuéntame Una Historia Original es un tema inofensivo en apariencia, con arreglos de tema pop casi para el adulto joven, pero que sin embargo tiene un letra que define toda la intención política de este disco Corazones. Esta intención es rastrear el momento social a través de acciones y sujetos a un nivel totalmente molecular. La canción sucede entre dos, en que una de las partes cuenta lo que llamaríamos sus "dramas" - podríamos hablar de un gesto totalmente moderno, aquel de contar tus problemas a alguien - en San Miguel que es por donde caminan:

Todos los papás son la víctima
Todas las mamás son explotadas
Todos los hermanos viven infelices en todas estas casas
Diez portazos por minuto
En las manzanas que nos rodean
Mientras caminamos por San Miguel

Y puede quizás que todo el mundo diga que vive sufriendo cómo nadie más... ¿pero podrá haber algo de original en todo eso?, ¿será posible relatar otro tipo de experiencia?, ¿después de la catástrofe, podremos contar algo original, algo distinto, algo que no huela a catástrofe? González no hace sino decirnos que luego del Golpe de Estado, es imposible salir del trauma, de la ruina total, que el campo social quedó infectado... “Mejor… ¿compremos chocolates?” Es decir, mejor tengamos un agenciamiento-chocolate, relacionémonos de otra manera, busquemos cierto espacio de convivencia, porque todo el mundo dice que vive sufriendo como nadie más. Este espacio social de convivencia si en Cuéntame Una Historia Original es el comprar-chocolates, en Amiga Mía es quizás la relación de pareja de forma íntegra:

Al oler la mañana una frase ingeniosa
los minutos son oro como arena en la sábana
y tomar esa casa y comer en la cama un café con helado
te he mojado tu espalda.
Yo me pongo contento ya no nos levantamos
y te aprieto a mi pecho con toda mi alma,
moriría mañana, moriría pegado,
completamente drogado.

Sin embargo, al igual que en todo el disco, es imposible separar la emocionalidad, todo aquello que se supone no infectado por lo político, de todo un campo de control social. Amiga Mía es la trama de la cotidianidad de una pareja envuelta en la red social, en una rutina impuesta por un exterior. Está latente en todo el tema (y no se dice explícitamente eso es lo más notable) que hay un afuera que les llama para cierta acción que desarmaría ese momento en la cama, en una mañana, en un instante que ambos quieren eternizar. Sin embargo se eterniza en Éxtasis, completamente drogado, en un estado de sopor amoroso, en el éxtasis de los cuerpos amantes.

La neurosis colectiva de los 90: si vivimos de caprichos.

Como si fuera intencionalmente propuesto, el siguiente tema después de Amiga Mía llamado Con Suavidad es la imposibilidad de la unión de los cuerpos, del acto sexual postergado:

Toda la semana igual,
el trabajo, los estudios,
con tu espíritu dormido
esperando que yo
llegue de tan lejos

La vida de la ciudad moderna, el trabajo, las obligaciones, las presiones sociales, por todos lados reprimen la unión de los cuerpos, capturan al deseo codificándolo. A diferencia de los primeros discos de Los Prisioneros en donde el poder está focalizado, sea en la figura del Dictador, del Patrón, de los Ricos, de los Intelectuales, etc, etc. En Corazones el poder, el control político, está disperso, no tiene un foco, porque este está en todas partes. Y todos los temas de Corazones tienen esta intención: demostrar que a tu deseo no se le permite salir. Con Suavidad es específicamente grafico en la cuestión del acto sexual. Pero en temas como Estrechez De Corazón o Por Amarte, el control social de las pasiones deviene en neurosis, en una especial neurosis colectiva, es la imposibilidad de amar.

No vuelvas hablar así
no rebajes estas relaciones
si vivimos de cariño y besos
no me digas de odios y traiciones
¿cuántas cosas se dirán?
en la guerra del amor
las palabras son cuchillas
cuando las manejan
orgullos y pasiones
estas llorando y no haces nada
por comprender a nadie excepto a ti
oye, no voy a aguantar
tu no puedes demostrar
oye, no voy a aguantar

¡Estrechez de corazón!

En Estrechez De Corazón es en donde las influencias de la canción romántica están más latentes. Este tema perfectamente pudo haber sido compuesto para artistas como Salvatore Adamo o Los Ángeles Negros. Jorge González nos cuenta la historia de una pareja perdida por el orgullo de una de sus partes, del fracaso de una relación en donde los caprichos y los odios mutuos han fracturado todo intento de relación. Si por ejemplo en Con Suavidad hay un exterior que impide el acto sexual, en Estrechez De Corazón existe una neurosis que corta cualquier intento de relación de pareja. A su vez Por Amarte es la ruina que lleva el dejarse llevar por un amor, es el obseso enamorado, el cuerpo masoquista:

Es tan difícil, pensar con calma,
si estoy quemando, mi corazón.
Ser tu dueño es un decir, no eres de nadie.
Esclava de tus sueños y tus complejos.
Y me he perdido en las tormentas,
Transpirando, amor, sobre tu pecho.

En estos dos temas ya la posibilidad de una relación amorosa, la posibilidad de los amantes está totalmente perdida. Cualquier relación es imposible porque ya está infectada desde un comienzo por las líneas cortadas del deseo, es en donde el nivel micro-político en Corazones está de mejor manera desplegado y explicado. Los asuntos del amor, del deseo, son puro control político. Todo lo molecular, la fuerza de este, no puede salir, no puede hacerse efectiva. Lo extraordinario de Corazones es que en su segunda parte, tomando en cuenta estos temas más Noche En La Ciudad y Es Demasiado Triste, plantean en exceso ese sentimiento de desazón, de represión, de tristeza, y todo a partir de canciones de desamor. Y la chance de Jorge Gonzáles es interesante, porque su análisis social no parte desde la opresión visible, es decir desde el nivel macro político, totalmente molar. Y esta opción no es caprichosa, es simplemente porque el campo social del Chile de ese momento y el que vendrá adquiere totalmente otro cariz.

La estrategia micro política: es demasiado triste la alegría

Jorge González en muchas entrevistas ha dicho que en Corazones sus preocupaciones parten más de una experiencia marginal. Pero no sólo del marginado social sino del lado del homosexual, del drogadicto, del desdichado, del descarriado, y de la mujer como es evidente en Corazones Rojos. Si hay un tema que define lo micro político de forma más explicita, ese es Corazones Rojos. Quizás es en donde más González es el Prisionero de los 80, sin embargo, lo es desde todo un ángulo de resistencia minoritaria. Corazones Rojos es una burla al machismo de la sociedad chilena, un análisis micro-social espectacular, pero todo es planteado desde la mirada molar del Hombre:

De tu amor de niña sacaré ventaja,
De tu amor de adulta me reiré.
Con tu amor de madre dormiré una siesta,
Y a tu amor de esposa le mentiré.

Nosotros inventamos, nosotros compramos,
Ganamos batallas y también marchamos
Tú lloras de nada y te quejas de todo
para cuando a veces nos emborrachamos

Nunca hubo en Jorge González una condescendencia con los cambios políticos originados en Chile después del plebiscito como muchas veces se ha tratado de decir. Sobre todo cierto sector más cercano a la izquierda chilena en cuanto a gustos musicales nunca entendió el disco Corazones, sólo lo veían como un disco que insertó a Los Prisioneros en el mercado concertacionista. Sin embargo creemos ver que Corazones es un disco que se antepone totalmente al momento histórico donde fue concebido. La estrategia es totalmente otra a la de los ochenta, simplemente porque la cara de Chile ha cambiado y ya no es posible atacarla con las mismas armas. Si por el año 1990 la frase/slogan del “Chile… la alegría ya viene!” pintaba de colores un Chile sumido en la oscuridad por 17 años, Los Prisioneros le contestaban en el tema que cierra el disco Corazones, Es Demasiado Triste:

Hoy me voy a tomar
un taxi a quien sabe donde
así poder olvidar
lo único inolvidable.
Es demasiado triste, es que es demasiado
Es demasiado triste

No puedes escapar
estas presa y esa ventana
y toda esta ciudad
hoy tiene el color de tus ojos
es demasiado triste, es demasiado
es demasiado triste, es demasiado

Si “la alegría ya viene” rebosaba de optimismo para el plebiscito del 88 y si esta canción se llevó a cabo por el primer gobierno de la concertación de Aylwin, Jorge Gonzáles ¿por qué postulaba lo contrario?, ¿por qué Es Demasiado Triste cierra el disco de Los Prisioneros con una tristeza tan profunda, con una depresión casi endógena? Es como si toda la experiencia transmitida en estos 9 temas del disco Corazones sólo eran para argumentar que Chile en los años noventa no alcanzará ninguna alegría, que el progreso de un país, aquella fe ciega en el progreso siempre está cimentada sobre pura ruina, y que esa ruina es el campo social infectado por pura tristeza. La letra es sobre el mismo tópico al igual como ocurre en todo el disco Corazones, ocupar el desamor como alegoría de un desamor más profundo que la fractura de una relación sentimental. Es un desamor totalmente inmanente:

Niña voy a escapar
me iré hasta quien sabe donde
si existe algún lugar
que no tenga el color de tus ojos
es demasiado triste, es demasiado
es demasiado triste, es demasiado

Es demasiado particular e interesante de constatar que en momentos en qué Patricio Aylwin asumía la presidencia de Chile y Pinochet luego de 17 años de Dictadura dejaba el poder – en apariencia –, Jorge González otrora líder de una voz generacional de los 80, un opositor ferviente de la Dictadura y también parte de la campaña del NO en el plebiscito del 88, estuviese cantando un tema como Es Demasiado Triste. ¿Qué relación podría tener? Por un lado, es la testificación histórica de una voz, de un compositor de rock que en la década de los 80 encarnó todo un momento colectivo y como tal toda su obra, toda su creación no puede sino pensarse desde ahí – en realidad no hay autor individual, sino que siempre la expresión de este será colectiva. Corazones es la testificación de Jorge González claro esta, pero también de gran parte de las sensaciones que pululaban aquellos primeros meses de “alegría” democrática. Es la sensibilidad de quizás toda esa década llamada los 90 o también la sensibilidad molecular de aquello que se llamo Transición.

Festival de Viña del Mar: la representación del espectáculo chileno

2008-02-25T02:20:00.007-03:00

El Festival de Viña de Mar cada nueva versión parece una extensa cadena nacional, sobre todo desde que TVN y Canal 13 transmiten y dirigen juntos este espectáculo. La Quinta Vergara se traslada a cada hogar de este estrecho y largo país y el Festival adquiere resonancias de paralización total en Chile, una especie de cadena nacional que dura poco más de una semana. Si bien siempre el Festival de Viña ha tenido un espacio ineludible en cada época estival en Chile, desde hace un par de años Chile se paraliza y pareciera que el Estado de Sitio que “el espectáculo” se toma es la regla.

1. Lejos está el origen casi folklórico que tenía el Festival de Viña del Mar en sus inicios por allá por 1959. Ciertamente más cercano nos parece la “espectacularización” hecha en Dictadura de este evento. Históricos pues son los momentos en que un civil Pinochet saludaba a la platea y la galería en su llegada a la Quinta Vergara en 1975 recibiendo una tremenda ovación, el cual evidentemente servía como verdadera “limpia imagen” de los años de la DINA y su política de terrorismo de Estado. Como se sabe el Festival de Viña del Mar tuvo sus años más gloriosos en esta época precisamente, para luego vivir en los años 80 sus momentos más “importantes”. Siempre ha sido un lugar común decir que en el Festival de Viña del Mar se podrían sintetizar los últimos 40 o 30 años de la Historia de Chile. Y claro que de cierta forma así es, porque clásicos son los momentos como cuando el Puma Rodríguez dijo: “es bueno escuchar a veces la voz del pueblo” por ahí por el año 81/82 en una de las más grandes crisis económicas vividas por el país y que extrañamente coinciden con los “mejores” momentos de este festival. También significantes pueden ser aquellos Festivales de los años 90/91 en donde tocaron por primera vez Los Prisioneros, o artistas como Mercedes Soza y hasta Faith No More! Claramente en momentos de supuesta apertura democrática.

* Al principio mencionaba aquel histórico momento cuando Pinochet es ovacionado en la Quinta Vergara. Este archivo demuestra a la perfección el ensamble total entre espectáculo y política que queremos señalar en todo este artículo. Pinochet es recibido por un baile pascuense digno de las increíbles mentes que pensaban la cultura en esos años de Dictadura – que ojo no son tan distintos a las ridículas aperturas de cada noche de festival actual que creen ser “artísticas” – para luego un supuesto locutor o lo que sea lo presenta como El Presidente de Chile para todo el país. El momento no puede ser más significativo, marca todo lo que significa el Festival de Viña del Mar.

2. Si bien es cierto que el Festival de Viña del Mar ha retratado la historia de este siniestro país, no menos cierto es el papel clave que ha tomado como un espectáculo para nada inocente que ha influido y determinado ciertos momentos histórico-políticos de Chile. La actualidad de este lo demuestra, en donde ha renacido su espíritu más espectacular en un momento en donde Chile es el país más espectacular de Latinoamérica. Digo un renacimiento en tanto este Festival de Viña – el actual – posee un rasgo que lo conecta con lo más sórdido del Festival de los años 80. Diríamos también que el Chile actual no es otra cosa que una versión recargada del Chile de los 80: un país aletargado, con crisis sociales, movilizaciones sociales aplastadas por el aparato mediático, y un mismo aparato mediático que espectaculariza absolutamente todo. Chile se ha convertido día a día en un país que se parece más a Miami que a La Paz, un país que es un zapping televisivo infectado por puros Entertaiment Televisión. Chile es un pequeño Miami, un país de fantasía, en donde la banalidad, lo superficial, lo cambiario, operan sobre la ruina de las injusticias sociales, los altos niveles de desempleo, la inflación creciente y la (in)movilización social. Al parecer el año 2008 está más cerca del año 1982 que del anhelado bicentenario.

* El cierre del festival de Viña del Mar del 81 se montó un espectáculo con las mayores estrellas de dicho evento. Entre otros estaban Julio Iglesias, el Puma Rodríguez y Miguel Bosé. Era el cierre del quizás más emblemático festival, el que registró más ganancias y que pudo tener a artistas como KC And The Sunshine Band por ejemplo. Chile se mostraba al mundo como un país sin problemas, con una nueva constitución, elegida de forma “democrática” y más encima con un sistema económico en bonanza, dándose el gusto de ser uno de los primeros países en crear un sistema de pensiones totalmente modernos. Aparte es el tiempo de la llegada de las tarjetas de créditos y de la histórica frase de que todo chileno en un futuro tendrá un auto y un televisor. Chile era un país casi del primer mundo a costa de una precarización social radical, y con una represión constante en los sectores periféricos de Santiago:

3. Luego de la “llegada de la democracia” el Festival de Viña del Mar perdió un poco su función de espectacularización de un presente, en tanto los nuevos gobernantes estaban enfocados en reparar un poco el país y de tratar de mostrar cierta diferencia con los 17 años de Dictadura. El Festival de Viña del Mar de esta forma pasó a ser transmitido por la joven estación televisiva Megavisión. Como en Chile muchos sabemos este canal creado en los años noventa no era otra (y no es otra cosa) que la proyección televisiva de los años dictatoriales con figuras como Julio López Blanco, el cura Hasbún, Cristián Sánchez, por nombrar personajes televisivos de esos años, pero también con la resurrección de personajes totalmente vinculados a la figura de Pinochet como Patricia Maldonado. Que decir de la creación de programas televisivos como Mekano y Morandé con Compañía que fueron éxitos totales a principios de esta década, con personajes que parecieron sacados de las sórdidas fiestas en épocas de la CNI como Kike Morandé y José Miguel Viñuela. Todo este repatriamiento comenzó por ahí a mediados de los noventa con la adjudicación de la estación televisiva de Ricardo Claro (uno de los más acaudalados empresarios del país y un oscuro personaje que opera políticamente en las sombras) del Festival de Viña, con Vodanovic (aquel que pidió ovación para Pinochet el 76) como animador. Sin embargo durante estos años de Festival de Viña en la estación de derecha vivió una especie de decadencia, el país claramente estaba en otros procesos y no alcanzó la dimensión de otros años, y muchos predecían un futuro Chile sin Festival.

* El Festival de Viña del Mar siempre ha tenido de cierta forma sus puntos de fuga sobre todo con la presentaciones de los artistas de rock, sobre todo de las bandas chilenas que se han presentado. Como Los Jaivas en el año 83, o la de Los Prisioneros el año 91. Histórica también es la presentación de Los Tres en el Festival del año 96, en donde ellos se presentaban en su mejor momento creativo luego de su Unplugged grabado en MTV. Los Tres salieron al escenario vestidos de inofensivos escolares, demostrando que ellos mismos fueron educados viendo el Festival de Viña y que se les permitía montar su espectáculo de identidades perdidas y restos que la cultura de los últimos 20 años había menospreciado:

4. Pero Chile tenía festival!, como dice la frase. Pues esta década que va en curso vivió el auge total del mercado espectacular, sería apropiado el estudio de esta década sólo a partir de la influencia de los medios de comunicación masivos. Como por ejemplo el paso de un diario como las Ultimas Noticias de total influencia en la clase media chilena a un diario eminentemente espectacular. Si Chile firmaba tratados de libre comercio con Estados Unidos, eso no acaparaba la primera plana del diario, sino los romances de Iván Zamorano con Kenita Larraín o una Marlén Olivari con el topless hecho la noche anterior en Morandé con Compañía. Chile esta década ha vivido en una total representación del espectáculo criollo. La televisión cumple el papel sólo de hablar de sí misma y pareciera que el acontecer del país, los hechos sociales, políticos o económicos son aplastados por el mercado de la “entretención”. Todo este espectáculo del espectáculo ha sido ideal para el resurgimiento del Festival de Viña del Mar como analgésico social.

* La elección de la Reina del Festival se ha convertido en algo quizás más importante que el show mismo del Festival. Es el momento en que la representación del mismo espectáculo se despliega. Momento en que la Reina se lanza a la piscina para vivir lo más cumbre de la cita veraniega. La elección de Pampita como reina del festival el año 2004 es ejemplificador:

5. Si cualquier persona pisara por primera vez suelo chileno esta semana y quisiera como primera cosa prender la televisión e informarse de lo qué sucede en este lejano país, la sensación sería bastante extraña. Si esta persona quisiera ver los noticiarios centrales de cualquier estación televisiva se hubiese dado cuenta que más de la mitad del noticiario habla del magno evento del año, de las mejores “colitas” del Festival”, del vestido de la animadora, de sí se puso o no se puso peluca, de que el Festival termina muy tarde, etc, etc. Quizás en los últimos 15 minutos del noticiero se cuente que se firmó un decreto ley que permite la detención por sospecha en toda la región de la Araucanía o que el Comandante en Jefe del ejército aprobó el envío de tropas a la Araucanía, o que quizás también la Presidenta Bachelet se reunió con un conglomerado de empresarios para pactar no sé que cosa que estimula la “libre competencia” a raja tabla... todo eso, pasa a un total segundo plano. Porque las noticias de los dos canales más grandes del país, deben pasar rápido, entregar rápida la información, porque el espectáculo se toma definitivamente el país, haciendo en una semana una representación de lo que ocurre durante todo el año. Esto es claro al ver la programación de casi todos los canales abiertos de la televisión chilena que modifican toda su parrilla programática en aras del Festival. Los programas de farándula (espectáculo) van en dos ediciones al día!, los matinales en sus 5 o 6 horas de programación no hablan sino del Festival, y más encima, todos estos programas se transmiten el fin de semana! Ante tal panorama uno se pregunta que revuelta social, que movilización, que “hecho” social puede ante tamaño despliegue espectacular. También uno se pregunta que otro país de Latinoamérica se puede dar semejante lujo. Y evidentemente la persona aquella que pisó suelo chileno por primera vez se encontrara con un país de fantasía, con un país que se aleja en una total representación, en puro espectáculo. Al parecer el Estado de excepción espectacular que vivimos, es la regla.

* Semanas antes del inicio del Festival de este año, en el programa televisivo que marca la pauta noticiosa en Chile – SQP – se discutió enérgicamente quién debía ser la candidata para ser Reina del Festival. Una de las mayores figuras televisivas Luli Love luchaba férreamente por ser la candidata. En esta secuencia se demuestra lo que por 2 semanas en promedio de 2 horas por día se discute en la televisión chilena, es portada de periódicos y se habla en la calle:

Black Celebration

2008-02-17T01:53:00.004-03:00

“Princess di is wearing a new dress”

Hay discos de los cuales uno se enamora perdidamente. Discos que son verdaderos bálsamos, de los cuales uno se enamora para luego enamorarte de la banda completa. Black Celebration es un disco de esos, de esos que es imposible escuchar una pura canción, es que son una obra redonda, funcionan como una unidad que es imposible escuchar por partes. Es un disco en que ninguna pieza está de más, cada nota, cada arreglo, hasta cada respiración es perfecta. Es tan así, que después de años escuchándolo, no aburre. Y hoy mismo luego de haber escuchado miles de veces esas canciones, y de ya haber escuchado la discografía de Depeche Mode hasta el cansancio, es el disco Depeche que considero mi favorito. Es un amor que no se puede dejar.

La celebración negra de este Black Celebration es un fetiche por lo oscuro, por lo pagano, por lo siniestro, es el comienzo. Comienzo del disco, pero a la vez también, el comienzo de Depeche Mode con su aproximación con lo dark como estética predominante, es el giro total de la banda hacia lo que quizás los caracterizaría siempre, pero también a su vez, el cliche Depeche Mode, en el cual se les encasilla hasta el día de hoy. Sin embargo hay una cosa, Depeche Mode es una banda oscura, pero como tantas de la época esto no era un “estilo” cool, de personas outsiders, de chicos darkies, totalmente a-políticos, como se le suele ver hoy en día. Sino que era un estilo de combate – totalmente político, que no sólo era Depeche Mode, sino que bandas como The Cure, New Order, Siouxsie And The Banshees y de cierta forma The Smiths - contra cierto momento histórico, de aquella época de festín pop llamada la década de los ochenta. Black Celebration es un disco oscuro en respuesta al color de una época que destilaba por todos lados banalidad y comida rápida: el color rojo y el amarillo del McDonald se le combatía con la celebración negra. En este disco hay un festejo, una tremenda fiesta, pero sin colores, sin alegría, alegría de nada, una pura marea oscura:

“Celebración Negra
Esta noche
Para celebrar el hecho
Que le vimos la espalda
A otro día negro
Te veo a ti
Como sigues adelante
Cuando toda la esperanza se fue
¿No puedes verlo?
Tus optimistas ojos
Se parecen al paraíso
Para alguien como yo”

El disco uno lo escucha sin darse cuenta que ocurre, y ocurren tantas cosas, como lo frenético de Fly On The Windscreen con sus candencias sexuales y provocativas. El romanticismo total de A Question Of Lust, en donde Martin Gore presta su voz sentida para declarar un amor incondicional. Es que Black Celebration puede pasar de la provocación y promiscuidad máxima a la fidelidad e incondicionalidad total. De hecho, los momentos en que canta Martin Gore (que en este disco son muchos) son los más tiernos, los más románticos quizás, ya que la voz de Dave Gahan es para lo contrario, en su voz se encarna lo más lujurioso y licencioso. De hecho esta contraposición se nota con creces en A Question Of Lust con A Question Of Time; la primera una cosa sentida, romántica, la segunda es una perversidad total, en donde Gahan es un pedófilo que anhela poseer a esa chica de 15 años tan guapa como la describe. Muestras de eso es también Stripped, que pese a su aura dócil, Gahan no quiere otra cosa que ver a la chica desnuda tras sendos versos que a cualquiera enamorarían. Es que Black Celebration es un disco envuelto en un puro halo de romanticismo.

World Full Of Nothing es clara en esto que estamos diciendo:

“Cerca desnudos
Piel sobre piel
Lagrimas están cayendo
Lagrimas de alegría
Su primer chico
Su primera chica
Hacen un cambio

En un mundo lleno de nada
Aunque no es amor
Significa algo

Ella es solitaria
Y él dice
Es solo por ella
Que el siente lujuria
Ella no confía en el
Nada es verdad
Pero el será suficiente

En un mundo lleno de nada
Aunque no es amor
Significa algo

Es fácil deslizarse
Y creer en todo”

Black Celebration tal como la letra de World Full Of Nothing dice tan claramente, es un aliciente para una sociedad de consumo en su máximo apogeo. Es un letargo, un(os) minuto(s) para que las formas se relajen, para dejar pasar la vorágine de la vida moderna. Es un llamado a una celebración como decíamos, pero muy especial, en donde lo único importante es la unión de los cuerpos… es una celebración para que el deseo fluya de múltiples maneras. Sin embargo no es necesario enunciar todo eso de forma explícita, haciendo una arenga, un manifiesto que diga: “nosotros tenemos esta buena nueva para ustedes oyentes”… No, para Depeche Mode en este disco es sólo la música, la ingeniería musical desplegada, las melodías envueltas en letras sencillas, frases que podrían ser dichas por cualquiera, sin ningún tipo de complejidad para unos pocos. Letras como las de Here Is The House rebosan de pura inocencia y ternura, es en donde las voces de Martin Gore y Dave Gahan se coagulan en una sola, para entregarnos unas sendas melodías más que memorables, y una sutileza en los versos sin igual:

“Y siento tu calidez
Y se siente como casa
Y hay alguien
Llamando en el teléfono
Quedémonos en casa
Hace frío afuera
Y tengo tanto
Para contarte

Con o sin palabras
Te confiaré todo”

Dressed In Black y New Dress cierran el disco de forma maravillosa. La primera una tonada de esas bien oscuras, un himno a la muerte, que quizás se conecta perfectamente con el tema que abre el disco. Sin embargo New Dress es el tema que le da esa redondez temática que hemos esbozado. A mi gusto una de las mejores letras de Martin Gore, en donde irónicamente nos da a entender cierto estado del presente con frases como “Esposo abusador asesina a su esposa, Víctima de explosión de bomba pelea por su vida, Una niña de 13 es atacada con un cuchillo”, y así puros “hechos” noticiosos de tipo sensacionalista. Todo esto rematado por una burlesca referencia a la social democracia y su sistema de participación política a través del voto:

“No puedes cambiar el mundo
Pero puedes cambiar los hechos
Y cuando cambies los hechos
Puedes cambiar los puntos de vista
Quizás puedas cambiar un voto
Y cuando puedas cambiar un voto
Quizás puedas cambiar el mundo”

La desazón es evidente. El llamado a esta Celebración Negra no era para otra cosa que buscar una vía política alternativa a tal estado de las cosas. Lo magnifico de esta canción es que quizás uno puede creer que Gore y compañía efectivamente creen en la democracia representativa, pero es evidente el tono burlesco al comenzar el estribillo diciendo que “La Princesa Di está vistiendo un nuevo vestido” y la Princesa Di no es otra que la figura real/espectacular de la Princesa Diana. De esta forma Black Celebration se cierra de forma tan sutil como comenzó… es que al final no es otra cosa que un buen disco de rock.

Para terminar considero que Black Celebration es el disco perfecto de Depeche Mode en tanto define a la banda. En cuanto a su producción es el mejor logrado, tiene unos arreglos minimalistas que ningún otro disco tendrá y un sonido envolvente que te hace pensar en la obra cumbre de estos cuatro genios. Depeche Mode acá se aleja del estricto synth-pop que habían desarrollado hasta la época, para consagrarse como una banda de canciones que está más allá de un estilo determinado. Depeche Mode en este disco ya se codea con lo más selecto de las bandas del rock inglés. Black Celebration no tiene nada que envidiarle a otra obra maestra del mismo año llamado The Queen Is Dead, o a discos clásicos de la canción inglesa, como Arthur de los Kinks, a Between The Buttons de los Rolling Stones, o hasta a un Revolver de los Beatles. Black Celebration tiene todo eso espectacular que tienen esos discos, pero hecho a la manera de los ochenta. Diría que hasta el día de hoy suena exquisito, producido, y único en su especie.

DESCARGA BLACK CELEBRATION

The Star o el Cometa que grita...

2008-01-28T00:14:00.000-03:00

“Soy muy puta, no trabajo para vos… no trabajo para vos, mantenida gracias a la propaganda…” (Babasónicos – Soy Rock)

“I'm the space invader, I'll be a rock 'n' rollin' bitch for you...” (David Bowie – Moonage Daydream)

1. La estrella de rock es Ziggy Stardust, es decir, alguien transfigurado, un cometa que grita, que canta “Saquéense caretas/ Cállense profetas/ Oigan un cometa gritar”; una estrella, que sería lo más irreal posible, una figura alejada sin ningún rastro de humanidad. Por el contrario, el Rock post Kurt Cobain, creó una figura del rockero, adosado, flasheado, pero por los medios oficiales: la pose del rockero/político que usufructúa de la posición del rock star, convirtiéndola en una especie de político de la cultura de masas. Bono hace campañas para los niños con sida en África, canta a favor de la ballena perdida en el Índico. Y a su vez Sting más que un músico de rock encarna la figura de una Lady Di que se pasea por el mundo dando muestras de bondad, una persona que se reúne con los presidentes de los respectivos países (cuando vino The Police hace unos días a Santiago, el Sting muy caballero se reunió con Michele Bachelet) como si una gira, un tour, fueran viajes diplomáticos. Para nada comparable – para no ir tan lejos - a las giras de Guns’n’Roses, cuando por cada país que pasaban se notaba su presencia (en Chile se agarraron a combos con los periodistas; en Argentina se pasearon borrachos y desnudos por el hotel; unos callejeros que saboteaban la posición de figuras mundiales del espectáculo en vez de llegar a las prácticas de los dos personajes mencionados). De esta forma, las posiciones de un Sting o un Bono (por nombrar a dos) produce que el rock sea capturado por un mecanismo que regula la rebeldía, dotándola de un espacio de discernimiento y deliberación: ¿el rock es peligroso?, pues hagámoslo pasar a la asamblea democrática contemporánea. El rock así habla de política, es político, pero genera una política oficial, entra dentro del mercado de los consensos. Bono reuniéndose con Bush o con el Papa para dar otros ejemplos

2. Si pensamos en músicos de variadas épocas como Roxy Music, como Martin Gore en la primera época de Depeche Mode, David Bowie en los años de Ziggy Stardust o Diamond Dogs, hasta ejemplos cercanos como el Cerati de los 80, son tipos que estaban imbuidos por un personaje de ciencia ficción, imbuidos en un super-héroe, que con su traje, su disfraz, pelea en micro-espacios de conflictos (los buenos superhéroes son aquellos que pelean, mueren y sufren por conflictos que uno nunca vivió), es decir, crean un personaje que es el rock star y ese personaje es la fantasía misma del rock.. El rock star no puede volver atrás, no puede volver a ser una persona digamos normal, no irá a lavar platos a un café, o ser oficinista en cualquier empresa. No pueden volver atrás por la misma fantasía que ha creado y también porque se pintó el pelo verde, consume drogas como desenfrenado, vive de noche, y porque simplemente es un insubordinado. Pues se podría decir que igual comen, duermen y cagan como toda persona normal, pero nadie se entera de eso ya que ellos tratan de que uno no se entere, porque mantienen una distancia entre el público y el mismo artista: “siempre tuvimos esa tendencia, de tener una distancia, porque esa distancia te impone una forma de mirada, una mirada del público, de algo que no puede alcanzar… Entonces está el músico, en cierta línea, y eso no se discute, es así. Y todo eso no es para compartir. La locura del rock, de que un grupo, un manojo de locos que no les importa nada - les importa todo un carajo-, no van a venir a decirle al público: sí, gracias por todo, los queremos, son muy lindos. Nada de eso, ni un carajo. Música, sólo música, y eso es actitud.”, dice Adrián Dargelos vocalista de Babasónicos. Actitud del rock, es decir la música como una pura performance. Sin embargo no podríamos decir que eso es quitar lo político al rock, al sacar el mensaje o la relación con un público, con un afuera. Ya que es justamente lo contrario, el rock como puro performance es lo que hace que este sea totalmente político. Eso es rock, y pues que no cualquiera con una guitarra en la mano y quizás con una buena canción es sinónimo de rock como actitud política de subversión y trasgresión. Sting o Bono, son tipos que se muestran muy "humanos" en sus actitudes, tratan de ser cercanos, agradables, pero eso traiciona lo que es el rock. La banda de rock no es condescendiente con el público, no quiere agradar, es como Led Zeppelín arriba del escenario, pura arrogancia, ni una pizca de demagogia, o como Freddie Mercury mostrando el culo al público, cantando We Will Rock You en son de mofa.

3. Volviendo a lo de Bono y Sting, se podría pensar que ellos tienen una especie de incorrección política, en tanto Bono en cada show da unos minutos para refrendar contra la invasión a Irak, o en contra del calentamiento global. La pregunta es, ¿quién dice lo contrario? Si las grandes potencias del mundo se reúnen en cumbres a sacar comunicados que no difieren mucho del planteamiento de Bono. El rock mismo en su pura performance, sin ningún mensaje es incorrección política, ya que no hay discurso conciliador de fondo, simplemente con la pura música, sin ningún tipo de moral que te diga que bien o que mal marcha el mundo. En tiempos del disco Berlín, Lou Reed utilizaba la svástica en sus atuendos (cosa que después el punk hizo, por ejemplo Siouxsie la utilizaba), nadie entendía nada, ¿este tipo era fascista o qué?, se preguntaban. Lou Reed invertía los signos, en un disco en el cual trabajaba con el Berlín de la guerra fría, pero Lou Reed no salía a decirlo en sus conciertos. Bono y Sting hacen política, no está en discusión eso, pero hacen política como políticos, ocupando el rock o el ser estrella de rock con esa causa.

4. Sin embargo la fantasía del rock star proviene del mismo rock concebido y producido como puro espectáculo, es parte de la cultura de masas, está claramente en el mercado. Habría que pensar un poco en la muerte de la distinción entre alta cultura y baja cultura, cosas que con el invento de la fotografía y del cine particularmente, ayudaron a hacer de la cultura una cosa para todos, algo que ya no tiene un nivel de culto estético apto sólo para una elite. La música popular está dentro de todo eso. Ya que es reproducible: es el negocio de la música, grabas un disco, lo editas, y lo vendes, porque está dentro de la producción en serie. El rock es pura producción en serie, es un objeto de consumo, es entretención. No obstante esa es la frontera, es el arma de doble filo que el mercado genera. Si pensamos que el capitalismo funciona a través de la descodificación de los flujos, se reproduce a través de revoluciones para decirlo en otros términos. Por ejemplo en el siglo XIX emerge el Proletariado como fuerza política, genera movilizaciones, hace temblar al capitalismo a través de las huelgas, manifestaciones, etc. Pero qué hace el capitalismo: crea leyes laborales, hace funcionar al sistema de mejor forma. Existe el proletariado, hagámoslo clase social. Así la sociedad se basa en puras descodificaciones de flujos que luego se codifican, son siempre los dos procesos. Aparece un peinado nuevo, una forma nueva de llevar el cabello que no existía: bueno bien, ese es el peinado de la juventud, así como existe el de la abuela, el del oficinista, el del soldado. De esta forma la sociedad es un enorme cúmulo de codificaciones y el rock no está fuera de eso. Esto último se grafica magistralmente con la firma del contrato discográfico, los Sex Pistols firmando con la EMI, una tropa de delincuentes con un contrato con una multinacional.

5. El rock es un género que sobrepasa lo musical, que simboliza a la perfección la cultura de masas. En él se conjugan los procesos del capitalismo contemporáneo de mitad del siglo XX, de ahí que el estudio de este sea tan necesario. El rock no es sólo música, si bien es eso, tampoco es sólo entretención, si bien esto es lo más inherente a él. El rock ha conjugado en él la imagen, el espectáculo, como matriz de su funcionamiento. Pues incluye una imagen del que toca, incluye un arte de disco, incluye cierta visualidad en movimiento (video clips), incluye un discurso, y quizás lo más importante, incluye a quienes los escuchan. Dentro de todo eso, hay variadas lecturas: evidentemente Freddie Mercury no es la misma trasgresión que un Johnny Rotten, ni un Brian Ferry lo mismo que un Robert Plant. Lo único en común en todos esos ejemplos, es que la calidad musical, la revolución musical que muchos de ellos provocaron tiene que ver a la vez con todo un fenómeno de carácter cultural en sus más amplias formas. Cultural para no decir sólo social, en tanto nunca el rock ha sido un agente de cambio social como muchas veces se le suele llamar. Es que el rock es espectáculo, prescinde totalmente del público, del oyente, más que espectáculo podríamos decir que el rock star – como muy bien decíamos con la declaración de Dargelos – indiferencia y separa el público de la platea, porque el oyente, el público, es sólo fans de su propia fantasía, de su pura ilusión. Al final el rock star re-espectaculariza todo, más que sólo hacer del espectáculo su más pura forma. Es un espectáculo que trae cuotas de delirio, de cierta esquizofrenia. De una práctica casi ritualesca, de frenesís y libertad. A mucho pensarlo, estaríamos cerca de decir que la perfomance del rock star es un ritual de la sociedad capitalista, una pequeña abertura a un espacio que la racionalidad técnica dejó escapar. Largo sería desarrollar como todo esto del rock no es otra cosa que los residuos de una sub-cultura negra que intervino en cultura madre y que luego fue codificado por la industria... sin embargo siempre queda el desecho, cierto resto. Una especie de contra carga que no colabora con el mercado.

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Ziggy Stardust no era otra cosa que un extraterrestre que llegaba a la tierra a anunciar el fin del mundo. Es un alienado, a su vez, por ser extra-terrenal y también por estar subsumido por el aparato mediático-espectacular: Ziggy Stardust es producto de eso, el rock star no es otra cosa que eso. Es producto de las condiciones materiales, de los procesos de producción técnicos, no una abstracción, ni mucho menos una (nueva) creación metafísica para tomar el relevo de ciertas divinidades pasadas. Ziggy Stardust es la esquizofrenia de la sociedad capitalista, es la producción misma de un engranaje, de una máquina deseante delirante.

Gabo 2/09/69 - 12/01/08

2008-01-14T21:08:00.000-03:00

“Con mucho dolor comunicamos que el sábado 12 de enero falleció Gabriel Manelli, víctima de una invasiva enfermedad contra la cual luchaba hace tiempo. Quienes tuvimos la suerte de conocerlo vamos a extrañarlo mucho. Lo recordaremos, seguro, como alguien distinto, que entre muchas cosas se preocupó por hacer del mundo un lugar con más arte”

Estas palabras están en http://www.babasonicos.com , quizás son algo frías, no hay más que eso, ya que como siempre se han encargado los Babasónicos, no muestran a sus fans nada cuando se trata de cosas extramusicales. Nunca dieron a conocer la enfermedad de Gabo de forma pública, creo que nunca presentaron a Carca como bajista invitado por la ausencia de Gabo. Sin embargo todos sabíamos que Gabo estaba enfermo, se rumoreaba que era grave, que podía morir, pero yo especialmente nunca lo dimensioné. Es que cómo imaginarse que ese monstruo de las cuatro cuerdas iba a morir, si lo creíamos inmortal, como una estrella, de esos cometas que gritan, que no se disfrazan ni de profetas, ni menos de careta, aludiendo al tema Luces. Era un groso, era un rock star.. los rock star no se mueren, o quizás sí, pero yo no vi morir a Lennon, no vi morir a Cobain -era re chico- y cuando Layne Staley murió Alice In Chains no tocaba... Moura murió en los ochenta, yo no pasaba el metro de estatura...

Recuerdo que la primera vez que vi a Gabo fue en el antiguo programa de MTV Gustock o algo por el estilo se llamaba, en donde Fabian Von Quintiero invitaba a músicos argentinos a cocinar un plato dedicado a la banda en cuestión y luego tocaban un tema de la misma banda. Cuando se le dedicó un plato a Babasónicos (esto fue el año 96) fue Adrián con Gabo, y ahí Gabo estuvo todo el programa mostrándose tal cual era: un tipo muy raro que no quería “colaborar” aunque el show televisivo decía que él tenía que ayudar a preparar el plato. Y Gabo re joven por ese entonces, argumentaba que la colaboración era para él una cosa espontánea, algo que no podía ser forzado. Esa actitud, me marcó.. era re pendejo.

Yo aún no puedo entender por qué se muere gente que no debe morirse, si el tipo estaba lleno de creatividad, es él el responsable de la música de Babasónicos, a mi gusto el mayor compositor musical de la banda. Tan o igual de importante que Adrián Dargelos. Gabo aparte era el mejor músico de los seis, era sólido en las cuatro cuerdas, recuerdo ese bajo machaquero de Montañas de agua y Malón, el bajo funk de Sheeba Baby, es que creo que no podré escuchar entero Trance Zomba sin pensar que el tipo que toca ese fabuloso bajo ya no está vivo. Trance Zomba es Gabo, él nos consiguió mil voces para meditar, meditar, y precisamente se fue poseído, hacia y desde un espacio vegetal trascendental…

"Todos se van porque el tiempo los llama" Gabo, y tú a tu guarida sónica, de delirio, de desenfreno, de ese espacio de verdadera libertad del cual formaste parte, no volverás jamás... Pero toma el bajo, te lo pones casi en los pies, te paras en ese posición inerte, en trance, con la cara deformada, con ojos pentrantes y esquizofrénicos, que tienes que tocar Su Ciervo. Es que evidentemente Gabo no se fue al cielo, está en el Infierno tocando Su Ciervo, con aquel diablo que es adulador y perdona los errores… En aquella suite del Sheraton de Río, drogándose con el diablo, azotando esclavos y con chicas que vivan por orgías… Gabo no puede estar muerto, si la música de Babasónicos proveniente de su creación era pura vida., ¿por qué se murió?

Cansado de gritar

que nunca nada es suficiente

me tiro sobre el pasto

y miro como grita el frente

yo quiero que estés bien

aunque estés lejos y yo solo

Es cierto que la muerte es una extrañez, un extrañar, y siempre es un rememorar, en este caricias musicales, si pensamos a la música como una gran caricia, como una afección, una gran afección que te acaricia, que te estimula, que te hace actuar y vivir modificando tu cuerpo. Hoy recuerdo tus caricias, todos tus afectos sonoros… y el sol trae la paz y limpia todas las palabras, nos tiraremos todos sobre el Pasto a escuchar tu música, a fumarnos uno de esos porros que fumabas para crear, esos porros que son inevitables de no encender cuando uno escucha Pasto...

¿Quieres tentar el abismo y la muerte estafar Gabo? quizás le preguntaba Adrián en este último tiempo, de hecho una de las últimas presentaciones en vivo de la banda en los premios MTV tocaron El Colmo, quizás Gabo ya estaba re mal.. pero uno no se entera, es que el tipo era un rock star, y el rock star no se muere, no se enferma, no es un tipo normal.

Si es hoy, y que tu reino me llama
Voy a dejar mi piel, A tus parcas
Me encanta tu música Que suena de arpas
Hazme saber, Hazme saber
Cuando es hoy.

Es particular como tantas letras cobran ahora un sentido, es que cuando la muerte llega afecta todo, tapa todo.

Nos seguirá encantando tu música, que suena de arpas..

Tu auto dejo de funcionar Gabo??... se nos hace todo cuesta arriba, sobrevivir... ?

¿Quién me lava la mañana?

no fumarás de mis cenizas..

Claro que no, si son sólo supersticiones...

MAL VIAJE

Carca

2008-01-10T00:06:00.003-03:00

“soy como Elvis en Las Vegas, con su coctel de pastor…”

Carca. Que chico raro. Recuerdo haberlo visto en el Festival Alcántara cuando vino a Santiago Babasónicos a fines del 2005. ¿Qué!?, ¿ese es Gabo?, ¿se dejó afro?.. no!! Bueno, nunca dilucidé qué era “eso” que vi en ese momento. Averiguando por ahí, supe que Gabo estaba fuera de Babasónicos por su enfermedad (no sé que cuerno tiene, nadie sabe, pero en fin, eso es para otro tema) y que en su reemplazo provisional estaba Carca, un músico bastante extraño, que había hecho más de un par de discos en los noventa como solista, y que siempre fue algo así como el séptimo sónico. Ya que, era amigo de la banda desde antes que fueran Babasónicos, y que siempre estuvo con ellos, de hecho sale en varios videos (D-generación, Patinador Sagrado y El Playboy, chekeenlos, y ubiquen a Carca) como invitado extra. En realidad él es un guitarrista – y qué guitarrista! – que tomó el bajo en los Babasónicos más que nada por una cuestión de vivir la época más rock star que han tenido los Babasónicos en su historia y además de darle una ayuda a sus amigos por la ausencia de Gabo. Carca dice: yo sólo toco y lo paso bien con ellos tocando. Eso sí, la segunda vez que lo vi con los sónicos acá en Santiago, ya el tipo me agarró, es que pensé en ese momento: Carca es un grupo por sí solo, ya que su actitud sostiene a una banda por sí solo. Quizás no toca para nada bien el bajo, pero él ahí detrás de los otros 5 monstruos, atrás del mismo frontman que es Dargelos, quizás sin querer resaltar mucho, resaltaba por sí solo, tiene un aura especial, se cachaba que el tipo es un groso. Es que Carca tiene esa cuestión inherente al rock: la actitud. Es un tipo como de 1.90 y pico de altura, con un glamour que cualquier persona con la apariencia de él sin su actitud ni cagando tendría.

Pero a ver, Carca no sólo es su actitud, su estética, su onda, por llamarlo de alguna forma. Tiene un recorrido musical digno de Bowie, pero un Bowie del subdesarrollo. Tiene 5 discos que van desde el glam rock hasta el hard rock más primitivo, pasando por estilos perdidos como el boggie, lecturas a lo más fino de la sicodelia, fusiones de trip-hop con metal, pero siempre desde un prisma blusero, más bien podríamos decir afro. En Carca existe esa negritud que pervive con su música, es una lectura del rock que acá en Latinoamérica es rara, no muy común. Es decir, a excepción de Pappo en Argentina, algunos discos de Spinetta a principios de los setenta, y quizás algo más de esa época, no hay herencia blusera en el rock latino. Es que no hay por ningún lado. Lo extraño que Carca lo hace, pero en el underground total, es decir hace del Blues algo alternativo. Ya que si vamos a las definiciones de la crítica argentina a la música de Carca desde Miss Universo (94) hasta Divino (2003) siempre se le ha catalogado como alternativo, como música más “moderna” por llamarlo de alguna forma (los críticos a cualquier cosa que suena distinta le ponen el rotulo de “alternativo”, de hecho Babasónicos igual cayó en ese rótulo, pese a que en cierta época Babasónicos hacía heavy metal tipo Judas Priest o Black Sabbath), sin embargo la música de Carca es un revival del rock. Pero ojo un revival no significa algo así como lo hecho por Oasis en los noventa reviviendo lo más glorioso del rock britanico de los sesenta sin aportar nada más o como casi todo el rock de esta década que es un revival del garage o el post punk. Carca recoge toda una herencia del rock más clásico en sus más variadas formas, pero lo hace actual. Hace rock. Carca es puro rock en su vena más directa. Pero no por eso, prescinde de un sampler, ni de sintetizadores.

Pero veamos. Está primero Miss Universo (94), disco que suena como un Pink Floyd glamoroso. Una mezcla entre lo más oscuro de Diamond Dogs de Bowie con algo de lo más atomosferico y sicodelico de Floyd. Todo en una atmosfera llena de texturas cautivantes. No es para nada un disco début convencional, es una rareza que hay que estar con un ánimo especial para disfrutarlo. Luego viene uno de mis favoritos A un millon de años Blues (96), donde Carca se re inventa totalmente, destroza Miss Universo y graba uno de sus discos más oscuros y directos. Acá es donde la cuestión del Blues está más latente, pero es un Blues a lo Zeppelin, pero un Zeppelin del año 96 ni más ni menos. Guitarras afiladas, batería ajustada y potente, mezclado con samplers y efectos dignos de la década. A un millón de años Blues es un manifiesto de un rock a la vena (Príncipe oscuro, Quiméricos monstruos, Los pueblos de Pedro, para comprobarlo) y visceral. El disco que viene es el homónimo y claramente sintetiza la carrera de Carca por lo que había sido y hasta por lo que vendrá. Un disco completo, quizás mi favorito. Ya que acá, en Carca (98) pone todo en la parrilla, temas hard rock como Visiones del campo, temas casi trip-hop como El camino a casa, o baladas sicodélicas como la gran Nubes Negras, un verdadero discazo. Sin embargo, a mi gusto su disco más llamativo y el mejor logrado como disco, en cuanto a su producción y el diseño mismo del disco, es Nena (99). Es que Nena es rock & roll, es un manifiesto que habla y arenga la filosofía del rock & roll. En este disco, hay mujeres, drogas, autos cupe, guitarras y desenfreno. Podríamos dedicar un articulo aparte a ese puro disco, porque son 10 canciones en media hora de música en que pasa de todo, pero pasa absolutamente de todo. Nena es un disco ideal para poner en una fiesta, en una orgía, o andando en auto a más de 120 km por hora. Es puro desenfreno. Yo creo que sinceramente si me piden con qué disco definir a nivel de letras y musicalmente lo qué es el rock, yo les pongo Nena.

Carca Videos:

Carca - Nubes Negras

Carca - Visiones del Campo

Carca - Adolescente Boggie

La Caza de Espectros

2007-11-01T20:54:00.000-03:00

A raíz de Espectros de Marx de Jacques Derrida, hemos constatado la especial y particular relación de Marx con los espectros, pero a la vez con los fantasmas y los espíritus. Nos hemos percatado que en el texto marxista existe un despliegue que es a la vez coherente, paradójico, burlesco, enigmático, crítico y sobre todo obsesivo, con todo lo referente a un más allá. Hay pues, una teoría de lo muerto, pero de lo muerto en relación con lo vivo, es decir, de una relación entre lo pasado y lo presente, pero a su vez fuertemente con lo por-venir. Los espectros de Marx serían las experiencias inmanentes en el texto marxista con todo aquello que en cierto momento lo vincula con espectralidades, tanto en sus críticas (a Stirner, a Bauer, a Hegel, y a la metafísica en general), en su contingencia histórica (18 brumario, “dejar que los muertos entierren a sus muertos”), en su teoría política y social (el Comunismo como el espectro que asedia a Europa), en su teoría económica (aquel carácter enigmático de la mercancía, el fetichismo, lo espectral que tiene el valor), etc. Todo esto lo podríamos resumir en dos planteamientos o problematizaciones:

1- Marx tiene una imagen de la revolución francesa que corresponde a la emancipación universal de lo humano. Esta imagen devuelve de manera invertida la imagen de Alemania, pues correspondería a un estado a destiempo, un estado espectral respecto al avance histórico en otra dirección de las revoluciones modernas. No habría de esta forma para Marx un presente-a-sí, el tiempo estaría dislocado, out of joint. Y pues la revolución francesa termina por sepultar la monarquía del antiguo régimen. El proceso histórico es leído como expresión del sentimiento de la nueva vida. Ruptura doble temporal: ruptura que divide en un antes y un después; ruptura que pone en dirección con cambios irrevocables y un pasado irrestituible: “destruir lo destruido, hacer que sea imposible su retorno.” Todo esto contrasta con Alemania, pues no solamente hay un atraso político sino que además parece aún dominar un tiempo pre-moderno, donde lo destruido persiste. La tarea sería para Marx hacer una doble revolución: política y metafísica, que a su vez, es una caza de espíritus, caza de espectros. Por esta razón ve que la metafísica es la portadora de todos los espectros, su ataque intempestivo con Alemania es para exorcizarla de todos los espectros que la consumen. Pero sólo existiría emancipación en Alemania cuando converjan fuerzas históricas para crear y constituir lo nuevo. Pues habría una suerte de anticipación de la emancipación respecto a sí misma: despliegue de fuerzas anterior a la consumación de la emancipación. La clase dominante es espectral respecto a su poder: “lo que cae ya ha caído” (Dieciocho brumario) en otro palabras, lo que se tiene que cristalizar ya está deviniendo. Devenir material de las fuerzas históricas, que dan cuenta del devenir espectral de la clase dominante. Por ejemplo, si ha tenido lugar la revolución francesa se debe a la espectralidad del poder monárquico, poder que da cuenta ya de su debilitamiento. Hay siempre una impotencia: otro que sopla, un espectro que circunda, esto se debe a la potencia expresa de un poder que se está constituyendo.

2- Si para Marx la ideología no es otra cosa que teología, algo relacionado con la religión, con la superstición y en definitiva con la Metafísica. La mercancía no presentaría caracteres tan distintos, pues ésta tendría ese carácter místico, secreto, enigmático, que Marx al comienzo de El Capital trabaja de forma tan fina. La mesa que baila estaría poseída, y siempre la posesión, el estar-en-posesión, no remite a otra cosa que a espíritus, fantasmas, espectros. La mercancía, la madera transformada en mesa, también tendría un carácter espectral, pues el fetichismo es siempre lo fantasmal operando. Si pensamos en la subsunción real del capital, tendríamos que decir nuestro ser-en-el-mundo (ser-en-el-capital), es una experiencia espectral. Somos en el capital, tanto así como somos fantasmales y espectrales, es decir, la Sociedad del Espectáculo (Debord), como todo aquello que era vivo, que era vivido, se aparta en una representación fantasmal. El Capital es lo inmanente, el Capital no es efecto, es lo que produce y lo producido: producción sobre producción. Es la imagen del flaneur de Baudelaire, perdido en los pasajes de Paris, las mercancías le hablan, él habla, se mueve, como mercancía, flaneur que choca como mercancía en la ciudad burguesa. Pensar en el carácter espectral de la mercancía, en la metafísica del valor, nos tienta a pensar un mundo plagado por espectralidades.

Con esto surgen algunas preguntas. ¿Cuál es la relación efectiva de Marx con los espectros?, pues si bien, Marx en el primer momento que enmarcamos evidentemente se desplaza en una cruzada frenética por y contra los espectros para exorcizarnos de la metafísica. También podríamos plantear que en la noción de tiempo que Marx re-elabora sobre todo en el 18 Brumario, no asume de por sí una relación negativa con los espectros, pues creemos que ya existiría ahí lo que Benjamin llamó “las voces muertas”, “la débil fuerza mesiánica”, aquello que siempre está latente, aquello que siempre vuelve, y está presente, en un tiempo disyunto y dislocado, ¿qué pasaría ahí con los espectros?, ¿existe o no una relación afirmativa con estos? Y pues por otro lado, ¿qué ocurre cuándo en el análisis del valor se encuentra con más espectros, con más fantasmas? ¿Estaríamos tentados a decir que con la mercancía, pasaría aquello que Baudrillard en la Crítica de la economía política del signo llamaba una relación de rechazo en Marx con cierto valor de cambio, por una re afirmación del valor de uso, queriendo decir que en Marx habría un gesto conservador? ¿Podríamos sentenciar que Marx también fehacientemente en la teoría del valor, quiere cazar a todo lo espectral que hay en ella? El asunto pues se revela problemático: ¿por qué acaso no sería que la chance política marxista se juega en este intersticio, en esta ambigüedad con lo espectral?, es decir, ¿cuál es mi relación con lo espectral, habrá que cazar a todos los espectros?

¿Qué es un Vortice Marxista?

2007-09-11T18:18:00.000-04:00

Un vórtice es un flujo… ¿pero uno?: no, miles, miles… Es que un vórtice no puede ser medido es un flujo que tiene una rotación en espiral. Este trae corrientes, cerradas a sí mismas. Flujos circulares, no lineales.

Einstein sostenía que si pensáramos al vórtice como la partícula elemental, nuestra comprensión del mundo sobrepasaría el mismo estatuto de comprensión, pues la materia estaría dotada de pura energía. Pues entonces, ¿qué es un vórtice?, algo insostenible, algo que no tiene una presencia así, the time is out of joint, prescindido de una conciencia, una frontera que se traspasa, un fluido…

Vórtice como lo incontrolable, como lo propiamente intempestivo, algo con rabia, fuera de sí, maldito, sí, muy maldito… algo que se asoma sin avisar, reflejos en un anti-cuerpo (nuevo estatuto del cuerpo, no funcional, no orgánico), fosforescente en su interior, múltiple, multi-color… totalmente otra percepción, otra dimensión sensorial (estado alucinógeno, peyote, hongos, marihuana, drogas sin fin)…

Entonces, ¿pensar un vórtice marxista?... inmediatamente hay que preguntar, ¿qué marxismo?, ¿uno?, ¿dos?, ¿cuántos hay?, Derrida diría, que siempre hay más de uno… Cuando Babasónicos edita Vórtice Marxista, lo hace a través de puro residuos, de puras sobras de sus tres primeros discos. El Marxismo claramente es un residuo, algo que ya no va más, relegado a papel de cierta “época histórica”, superado, clausurado, el marxismo huele feo, como aquellos objetos que ya pasan de moda, que ya no sirven. Babasónicos siempre en su música citó aquello en desuso, sacar de la confitería aquello que no es bien visto, que no es propiamente moda, es decir, moderno de hacer.

Derrida en Espectros de Marx (1995) trabaja el hecho de que lo hegemónico intenta hacer del marxismo y Marx particularmente un anacronismo. Por esta razón Derrida se propone decir lo que no se puede decir, decir algo fuera de época, hacer reciclaje, más bien ser intempestivo: hablar del marxismo. El marxismo es un pasado, un espectro, algo que ya está fuera de sí, fuera de la historia. El marxismo conjurado. Pues se llegó a un punto en el cual “triunfó” todo lo que era contrario al marxismo, su enemigo declarado: el liberalismo… ¿Pero entonces, es válido hoy en día hablar del marxismo, ser marxista?, ¿de qué modo se puede ser marxista? Pues de una forma muy clara, declarándose… escribir con el espectro, autoafirmar la condición, hacer sindicatos, revalidar el estatuto del partido, hacer una nueva internacional, etc. ¿Pero también se puede ser marxista editando un disco de rock, en el cual se dice abiertamente, que se es marxista?, o en otras palabras, ¿Marx mismo, o su tradición, todo de lo que él devino, permitiría que un grupo de pequeños burgueses se declaré marxistas, y es más siendo un vórtice marxista? Preguntas estériles…

“Atención turistas del ritmo/ detenerse suelten sus cinturones/ y relájense acabamos de entrar/ a la zona del monte/ las puertas del swing los recibirán/ sean ustedes muy bienvenidos/ no olviden prescindir de su conciencia..”

Esta es una invitación, quizás un recibimiento a un concilio sonoro, a una máquina de guerra, a una guerrilla sónica, a una movilización… y es que, quizás todo esto, siempre es y será, marxista. Si en todos lados, y hablo en los noventa sobre todo, post-caída muro de Berlín, en todos lados se pronunció el derrumbamiento del marxismo, de las ideologías, de la lucha de clases, de lo político, de la historia, que más atingente, que mejor respuesta…

Vórtice Marxista es un disco marginal, de experiencias marginales, de experiencias periféricas, no un disco que hable del proletariado trascendental, ni de la misión redentora de agrupaciones que se dicen marxistas… No, es que esto es un vórtice, es un torrente, un fluido, no hay ninguna representación, simplemente una testificación, un espiral que retumba, que provoca y efectúa (así misma, en su sonido, en sus canciones, en sus letras) afecciones múltiples, que proponen un nuevo estatuto del cuerpo, de la acción…

Este Vórtice Marxista sería quizás parte de lo que Derrida proclamaba como la Nueva Internacional, como aquello que “… es un lazo intempestivo y sin estatuto, sin título y sin nombre, apenas público aunque sin ser clandestino, sin contrato, out of joint, sin coordinación, sin partido, sin patria, sin comunidad nacional (Internacional antes, a través de y más allá de toda determinación nacional), sin co-ciudadanía, sin pertenencia común a una clase…”

En momentos en que quizás las articulaciones políticas sufren esa desarticulación inminente, y el papel de la crítica, del intelectual, están por ejemplo acá en Chile en el panel de SQP, nada más sobrecogedor que escuchar y saber de la existencia de un disco de rock que lleva inscrito el registro de aquello aterrador, de aquello siempre revolucionario y trasgresor, como lo es el marxismo.

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El Chacal de Nahueltoro

2007-08-20T01:21:00.004-04:00

Algunos apuntes sobre el film de Miguel Littin El Chacal de Nahueltoro (1969), en relación a las teorías del sujeto popular chileno.

El devenir del chacal cruza y se pliega en todo un momento histórico, sin embargo es más que una migración campo-ciudad, como nuestros sociólogos y teóricos de lo social y la cultura nos han hecho creer, es decir, nos han hecho pensar que la única figura nómade y migratoria sería aquella de ir del campo a la ciudad, en busca de “expectativas” modernizadoras. El devenir del chacal, el ir-se del chacal, es sin motivos, ni intención; es una huida de un aparente núcleo familiar: el ir del chacal es hacer una travesía, una migración, lindar una línea de fuga nómade. El aparente núcleo familiar que decíamos en lo que respecta al chacal, no se puede pensar como un núcleo indisociable, porque pensar en el núcleo familiar es claramente traer las categorías sacras de lo que entendemos por familia, como núcleo básico de una sociedad moderna, como punto de partida de cualquier experiencia. El chacal no parte su experiencia desde ahí, porque su experiencia es dispersa, no tiene una fundación, no es genealógica; la familia no como algo sustentable, no como un núcleo primario. Pues el mismo chacal no se acordaba del nombre de su hermano menor, y ni siquiera de su propio nombre , y su madre era más objeto de leyenda que de realidad. Era alguien que el nombre propio no le calzaba, su misma actitud nómade lo hacía quizás perder su propiedad y su mismidad. Por esta razón hay una relación de extrañamiento con ese particular otro, que significa el gañan, el vagabundo en un sentido urbano. Podríamos decir entonces que cualquier tipo de acercamiento al otro (el chacal, el gañan, el campesino, etc) siempre es en tanto este otro tiene categorías innombrables, inclasificables e indefinibles; no existiría ningún momento en común, ninguna sustancia que podría aglutinar algún sentido entre el otro y el mismo, ninguna “humanidad” posible de acercamiento; el acercamiento al otro siempre es con una palabra violenta que designa y significa: la palabra es como la espada.

El Chacal de Nahueltoro ha sido fuente de inspiración para la ya célebre teoría social-histórica, sobre el sujeto popular chileno. Historias del desarraigo, del abandono, de aquello que no tenía nombre, que no estaba registrada en la “Historia”, aquello que no tenía palabra. Podríamos pensar que el Chacal “representa” a una clase, a un “tipo” de personas, a un momento histórico, sin embargo sentimos que pensar en ese “momento”, en ese “tipo” de personas, es darle una palabra que no debía tener, darle historia, escribir y hablar por. El desarraigo no es propiedad exclusiva de lo popular como algunos historiadores chilenos creen, el desarraigo puede ser propiedad del hijo de un latifundista, o de un empresario moderno en líneas de fugas constantes. El Chacal de Nahueltoro es un desarraigado no por ser un “sujeto popular”, sino por un constante devenir-animal que es producido por ciertas intensidades, ciertos afectos, que a su vez entran en relación con todo un campo social e histórico en el cual estaría involucrado. La tesis del “sujeto popular” es poner un trascendental en donde circunda la pura inmanencia.

Las teorías sobre el peón-gañan guardan un residuo edípico, en tanto este se consolidaría en el desarraigo, que es sobre todo de la figura materna y de la familia. El desarraigo que adquiriría el peón-gañan como sustancia, sólo sería al ser huacho, al abandonarse a su estructura familiar. Sin embargo creemos que pensar la figura del desarraigo, sólo desde la perspectiva de que es una huída del núcleo familiar, y particularmente desde la madre, es pensar al gañan, al campesino-nómade bajo estructuras meramente occidentales y antropológicas. Primero, pensar a la familia como núcleo estable, y al haber focos de inestabilidad propician un desarraigo; segundo, pensar que la carencia del padre, den la posibilidad para pensar en un hijo afectado en busca errante de otros padres que suplan la carencia. De esta forma, el ir y venir del chacal, su paseo esquizo-nómade, se nos hace visible de esa forma solamente en el momento en que creemos que las categorías de lo anormal/normal, irrazonable/razonable, adquieren estatus de verdad inalterable. La figura del gañan es la del nómade sureño, figura totalmente al margen de los procesos modernizadores del Chile de fines del XIX y principios del XX, este no escatimaba en ser un nómade, sin trabajo estable que vagabundeaba siempre dueño de una borrachera eterna. El intento de apropiación de esta figura es en el momento que lo pensamos en términos de “sujeto” o de lo “popular”; el Chacal de Nahueltoro siempre estuvo más cercano a un animal que a un sujeto, o que a un rostro humano.

añoranza

2007-03-01T23:37:00.000-03:00

es que era entretenido sentarnos frente a la figura del fuego. quizás pueda parecer algo medio romántico, en el sentido de que esa figura suele ser algo premoderna. pero esto realmente era otra cosa. experimenté por 7 días lo que es estar en común, la experiencia de esa comunidad, de esa -más que nada- añoranza de una comunidad. muchos roces y conflictos, que como siempre anteceden a ese encuentro del "estar en común", es que lo anteceden, porque un conflicto siempre sucede cuando la comunidad se disuelve en un atomo (de por sí fascista)

el momento del fuego, de sentarnos a pendrer un cigarrillo de aquellos, o sino a tomarnos una sopita que calentaba los huesos, sentir la brisa del río, sentir el calor del tinto, o simplemente calentar nuestras manos en él, y en fin, conversar, reír y disfrutar de momentos, instantes que quizás son irrepetibles. porque lo de ahí no era tanto el lugar, no era tanto el estar de vacaciones, sino el experimentar la pérdida de la comunidad en su añoranza.

Que discos suena en mi cabeza?

2007-02-14T15:05:00.000-03:00

T- Rex "Electric Warrior" (1971)

Me enteré de la existencia de T-Rex por Babasónicos, siempre se le han mencionado como una de sus grandes influencias. Dentro de lo que se llama el folk-glam. T-Rex quizás contribuye con el disco más representativo del movimiento. Y bueno, bastante expectativas tenía con el disco, y debo decir que me costó encontrarle el por qué de tanto halago, pero bueno, uno ya está acostumbrado a que algunos discos que supuestamente le han gustado a todos, cueste derrepente encontrarles la gracia. Electric Warrior es un ejemplo de eso, pero al encontrarle la gracia, te sumerges en un mundo sónico que uno no se espera jamás. Mucha sicodelia, pero una sicodelia que ya no es tan cargada a paisajes oníricos y surreales, sino que da paso a una abertura del cuerpo a experiencias sensoriales y sensuales. El genio de Marc Bolan es pura sensualidad con su voz y a la vez con su guitarra. Un disco lleno de texturas, que me lleva ya casi dos meses absolutamente adicto.

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Javiera Mena "Esquemas Juveniles" (2006)

A ver, Javiera Mena, quizás una de las cosas (bueno, no sé si llamarla "cosa" a ella.. sería, mejor con un diminutivo, pero creo que no estamos para comentar ese tipo de "cosas") más controversiales del pequeño y fome mundo de la música popular en Chile. Ya que muchas expectativas generaba mucho antes de que sacara su primer disco, mucha gente ya se consideraba devota de esta artista antes del primer disco.. la crítica la alababa, el circuito under e independiente la iba a ver a sus shows en la capital, etc.. Pero sale el disco, y yo he sabido más de críticas que de alabanzas: que la mina canta mal, que la mina hace música muy light, que la mina se cree algo que no es ni será, etc, etc, etc.., en otras palabras el típico y clásico chaqueteo chileno. Tanto así, que yo -para no ser menos- me bajé el disco (no lo compré) y acá estoy, también comentándolo. Diré sólo una cosa: el disco es bueno. Sí, es un buen disco, buenas canciones, buena producción, y todo suena muy bien. No sé hasta que punto el disco es tan pop, yo lo llamaría un pop de mejor calidad, cosa que acá en Chile no estamos muy acostumbrados a ver, llenos de pop barato, en versiones Supernova, Stereo 3 o los ya más profesionales Kudai, pero en realidad nunca hemos hecho un pop de calidad. El disco a mi gusto no es la obra maestra que algunos pensaron que sería, no es algo que a mi personalmente me cambie la vida ni mis gustos musicales, pero sí, es un buen disco, y pese a todo lo he escuchado bastante estas últimas semanas.

Descargalo acá (pass: alejandrofredes.blogspot.com)

Virus "Agujero Interior" (1983)

Este disco ya lo llevo escuchando casi 3 meses sin parar, es que no me aburre, son de esos discos que en su integridad adquieren sentido, si no lo escuchas del principio al final te quedas con gusto a poco. Bueno, este disco desestructuró toda mi visión de Virus, por la sencilla razón de que rockea con ganas. Es un disco rockanrolero en plena década de los 80, pero un rockandroll matizado con sintetizadores, maquillaje, glamour y new wave. Desde un comienzo con "En Mi Garage" y "El Probador" nos damos cuenta de inmediato que esto es puro desenfado, pero un desenfado sutil que no cae en lugares comunes y baratos, no cae en lo que el rock argentino de la época aún creía como la única posible forma de hacer crítica social: León Gieco por ejemplo. El disco rockea con temas como "Hay que salir del agujero interior" verdadero emblema de la ideología Moura, o cosas como "Juegos Postergados" oda al desenfado y al dejarse llevar por un deseo. El disco musicalmente tiene una constelación de riffs que su gracia están en la manera en como se ejecutan con el resto de arreglos que tienen los temas. Ahí hay algo que yo no veo en otra banda de la época..Y claramente Virus con este tercer disco ya da pautas de lo que será el rock en español el resto de la década.

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Alamedas "Precipicio" (2006)

Que buen disco. Claro, la onda de ahora es bien simple: agarra un bajo, dos guitarras y una batería, y simplemente hagamos música directa. Rock & roll del bueno, directo, sin tantas máquinas, sin tanta producción, pero no por eso (como lo hace Alamedas) sin buenas canciones. Precipicio es un disco de terribles buenas canciones, sobre todo las 5 primeras. Me sorprende que me haya gustado tanto este disco, ya que yo soy algo reticente a las bandas jovenes, Solar por ejemplo nunca le encontré mucha gracia, pero Precipicio me lo bajé sin expectativas, y verán que lo encontré groso. Y creo que con este disco estoy comprendiendo muchas cosas de lo que es el rock actual. Si en el apartado anterior, hablaba de Virus como una banda que supo recrear el rock a principios de los 80, creo que Alamedas (en el contexto de nuestro Chile) revalida y revive un poco el rock, ya en plena crisis de la industrias discograficas. Y el disco quizás no es grandilocuente, no quiere ser una cosa así pomposa que diga "hey!, acá está el mejor disco del rock chileno". No, porque el disco juega en la simpleza, y que es gratificante sentirse por menos de una hora así. Pero yo me la juego porque es uno de los mejores discos del rock chileno, en por lo menos los últimos 3 o 4 años.

Descargalo acá (pass: alejandrofredes.blogspot.com)

The Clash "The Clash (UK)" (1977)

Y para terminar, un clásico. O sea, yo soy el desubicado, que sólo conocía el disco The Clash pero en su versión gringa, cosa bien equivocada, como siempre las ediciones británicas son mejores que las gringas. El disco es potente, o sea es un CLASICO, sobre todo con ese comienzo de Janie Jones, es wuaaaau!, increíble. Siempre decía que London Calling era mi disco punk favorito, pero creo que London Calling ya juega en otras lides, este disco ahora es mi disco punk favorito, y no puedo parar de escucharlo.

Descargalo acá (pass: www.chilewarez.org )

*Bueno, los discos de Virus y T-Rex los subí yo mismo. Los otros tres vienen de Chilewarez, no creo que los "dueños" de los links se molesten, primero porque "compartir no tiene límites" y segundo con qué cara uno puede aludir a autoría de algo o propiedad, si estamos traficando música....

Menciones a: ChileWarez y Alejandro Fredes.

bacanal

2007-02-12T18:09:00.000-03:00

estabamos extasiados
yo sabía que se desataría
es que es evidente
la ida hacia allá lo adelanto todo
yo me fui
el pasto
pero es que en el pasto pasa siempre todo
gritos
no no está acá
pero a veces llega
devolver al cuerpo
de vuelta home
welcome home sanitarium
sanitarium

se sentó, se agarró el pelo, echo su cabeza hacia atrás
(torso desnudo)
mis ojos se posaron justo ahí
señal, señal, señal, señal que señal!
risas, muchas risas entre el humo hipnotico
inhalo, limón y sal
hacia dentro
el alma en la mano
puro deseo
desenfreno
The Beatles,
más y más
puro deseo
sigilosa, llega, llega y quiebre
desconcierto total
labios carcomidos
labios se unen
nervios off
culpa on

sentí mucha vida
nunca antes de la vida
pasada vida
aprieto aquello
golpe
que el amor anda allá suelto
y yo no alcancé a agarrarlo
y me quedé tumbado
sillón, y todos ahí,
que me balanceo
que me acaparo de todos
que yo pienso que él es mi vínculo
hay sangre de por medio
pero quiero tocar
quiero hacer una escena total
llevar la escena total al plató
hacer el desfile exacto que perdure
traer las ropas
llevarnos todo lo que guardamos
al escenario
explosión total!

pero pasa que
día después
sol de invierno.

calor

2007-02-03T02:56:00.000-03:00

me deslizo suavemente, a veces todo es parte de un juego en el
que tu y yo sabemos
donde iremos a parar

solticio de otoño
primavera ahumada
invierno escolar
de una mueca estival

cada vez que yo salpico mi cuerpo
las frases que aparecen
son más que nada cosas
que no nos contamos
sino que aparecen
revoloteando
y yo aparezco silvando
un nuevo aroma
de cualquier capsula de amor

sigilosos
enfurecidos
capturamos un toque
presiono el recoveco perfecto
y denunciamos, que acá no se puede sentir

mi cuerpo está on
she's in parties
burbujas
burbujas
burbujas
juegas a jugar la jaula
que está acá mismo
y eres mi carne
y creo que puedo seguir
mientras tu te lo llevas todo
a tu centro frenético
soy más económico
guardo avaramente
todo hasta el final
en donde llegamos
solticio de invierno
salpicas una estival
marea.....

El Soundtrack Postmoderno

2006-08-24T23:08:00.000-04:00

... por casualidad este disco comenzó a sonar en mi WMP, y sería bastante poco original decir que se trata de una obra maestra del rock contemporaneo o que es quizás un álbum de rock clásico en plena década de los 90, o también caer en otros lugares comunes como que es un disco sicodélico y totalmente floydiano. No me dieron ganas de escribir sobre eso, sino que más que nada de una cuasi declaración de amor hacia este disco.. sí, creo que eso será: una declaración de amor...

Juventud que crió en los noventa, sea de cualquier tipo de tendencia, de cualquier tipo de forma de vestir, de cualquier tipo de estilo musical, se vio y se ve reflejada en estas 12 pistas, en este compendio de sonidos que más que definir un trance epocal, definen un estado de cosas y percepciones... Es que quien no tiene dentro de sus recuerdos más profundos -que tenga hoy por hoy más de 18 o 19 años- alguna escena de su vida con algunos de estos temas.. quien no recuerda quizás a una novia(o) con cualquiera de estas verdaderas gemas, o quien no recuerda alguna frustración con este OK. Computer, quien no recuerda rabia, desesperación, sometimiento, abulia, rencor, amor, odio, violencia, y por sobre todo, una soledad, una especie de bálsamo para la soledad que es OK Computer...

Es que este disco es más que un simple disco de rock, es otra cosa, es una válvula de escape, es un medicamento, es una droga de supervivencia.. y claro, podrían decir que cualquier disco lo es, en tanto ese disco te guste. El punto es que este disco marcó a una generación, y eso ya es una cuestión social y profundamente política... Es que como no será fabuloso de que OK Computer le guste a tanta gente (claro, algunos dirán que no tiene gracia que le guste a tanta gente y que ahí pierde supuestamente un encanto), que sea un ser-en-común, pese a que todos lo sentimos de distintas formas y lo vivenciamos de muchas maneras..

La primera llegada con el disco siempre es por el lado que es depresivo, lectura común y totalmente válida, de hecho es el estigma con el que carga desde su salida.. Y claro, es así no afirmo lo contrario, pero es así porque el disco es una radiografía, una radiografía social. Y el estado social y humano de la sociedad occidental contemporánea es un estado que alienta a la depresión, a la neurosis autómata, el disco nos pone delante de nosotros el estado de cosas, pero nos la muestra de una forma tal que nosotros caemos, caemos en ese estado que también llamamos depresivo, pero que a mi gusto es algo más que eso...

... nos damos cuenta de cosas, podríamos educar a nuestros hijos con este disco de fondo, educarlos con las melodías del OK Computer, hacerlos que aprendan a hablar por ejemplo con la letra de Fitter Happier, para que luego odien todo eso, tal cual nosotros odiamos para toda nuestra vida los míseros "papá-mamá" que nos imponen cuando aprendemos a hablar. OK Computer te abre los ojos, te despierta de un letargo, pero te despierta no para vivir como te impone una sociedad de consumo, sino que de otra forma, y ese es el punto de discordia, por eso pensamos que OK Computer es un disco "depresivo", pero qué es la supuesta depresión sino otra forma de entender lo que es vivir... Esto podría de largo alcance, es el viejo tema de que hasta qué punto las patalogías mentales son patologías, y no diagnosticos médicos sobre un estado o trance que no acepta las condiciones de existencia concretas... pero bueno..

OK Computer te plantea un "ok" sociedad de consumo, yo me puedo crear salidas, yo puedo pararme de otra forma, yo puedo concebir la vida y tu sistema de otra forma. Yo puedo escupirte pero a la vez manejo el mouse de mi computadora.. yo lo veo todo borroso pero a la vez vitrineo en el mall; diganme que esa contradicción no es enfermiza, no es esquizo, no es digna de la micropercepción que nos abre el OK Computer... Por eso sostengo que no es un disco depre para llorar, no, no es eso, este disco es un letargo no a ti, sino que a un exterior que te tiene capturado...

Por otra parte, las líricas de este disco son confusas, sería irrisorio pensar que todo esto que digo son "interpretaciones" a partir de las letras del disco, toda este mapa que estoy haciendo es simplemente a partir de mis propias experimentaciones con el álbum desde el año 97 hasta ahora.. es decir, son 9 años de vida junto al OK Computer, 9 años que he crecido con un álbum, y que en cada momento, cuando suena de fondo me envuelve en una atmósfera plena de sentido, de quizás refugio, de ese bunker que el mismo Yorke menciona en una canción que está en otro disco de esta ya mítica banda llamada Radiohead.

Me di el placentero trabajo de citar frases a mi gusto claves de cada canción del OK Computer, en vez de comentar los temas, citar frases de los temas y dejarlos abiertos, plantean un mejor desafio.

-Airbag : en la próxima guerra mundial/en una destrucción desgarradora/he nacido de nuevo..

-Paranoid Android : los yuppies negociando/el pánico, el vómito/el pánico, el vómito/dios ama a sus hijos/dios ama a sus hijos, si!....

-Subterranean homesick alien : vivo en una ciudad/donde no puedes oler nada/miras tus pies/por las hendiduras del pavimento...

-Exit music (for a film) : cántanos una canción/una canción que nos mantega cálidos/hace tanto frío/tanto frío

-Let down : transportes. autopistas y tranvías/andando y parando/despegue y aterrizaje/el sentimiento mas vacío/gente desilusionada aferrada a botellas

-Karma police : karma police, arresta a esa chica su peinado hitler me hace sentir/enfermo y hemos estropeado su fiesta...

-Electioneering : antidisturbios voodoo económicos son solo negocios ganado picado y el fmi confio que puedo contar con tu voto

-Climbing up the walls : quince golpes a tu mente manten a los niños a salvo esta noche pon los ojos en el armario no grites o saltará la alarma

-No surprises : una casa tan bonita, un jardín tan bonito/sin alarmas y sin sorpresas....

-Lucky : el jefe de estado me ha llamado por mi nombre pero no tengo tiempo para el va a ser un día glorioso siento que mi suerte puede cambiar

-The Tourist : Hey hombre, más despacio, más despacio idiota, más despacio, más despacio

La Verdad/Mujer

2006-08-18T01:46:00.000-04:00

Ay Dios,

No puedo creer

Que lave tus pies,

Y que luego me mires 

Y que se peine así

No puedo creer,

No puedo creer

Si es hoy,

y que tu reino me llama

Voy a dejar mí piel,

A tus parcas

Me encanta tu música

Que suena de arpas

Hazme saber,

Hazme saber

Cuando es hoy. 

(La Muerte Es Mujer - Babasónicos)

Sin embargo - la mujer será mi tema.

La mujer como lo cerrado y lo abierto a la vez...

Como la negación y la afirmación más poderosa. Si aceptamos que la verdad es mujer... No cabría decir que es lo que nunca está develado totalmente; la verdad como aquello que los filósofos nunca han conocido bien por su gravedad y poca ligereza, por su seriedad y poco sentido lúdico.

“No hay esencia de la mujer porque la mujer separa y se separa de ella misma. Engulle, vela por el fondo, sin fin, sin fondo, toda esencialidad, toda identidad, toda propiedad. Al llegar a este punto el discurso filosófico, ciego, zozobra -se deja arrastrar a su perdición.
No hay verdad de la mujer porque esta separación abisal de la verdad, esta no-verdad es la “verdad”. Mujer es un nombre de esta no-verdad de la verdad.”[1]

La mujer en tanto verdad, en tanto la vida misma, es mujer, y debemos decir también que los filósofos no han sabido nada de la vida. Pero, la mujer como lo que no existe, es decir la verdad misma. Lo cerrado y lo abierto, lo desvelado y lo oculto...

Así, la verdad no se deja conquistar..

Así como la mujer misma no se deja conquistar.

La “verdad” se tiende en las comillas..

El filosofo que ansía la verdad, en tanto mujer, no ha comprendido nada... porque no ha hecho operar la distancia. La distancia que hace efectiva la verdad como verdad... a la mujer como mujer. La distancia sustrae la identidad. Hacer aparecer esa no-identidad, esa no-mismidad, de la verdad.

“Las mujeres y su operación a distancia (ihre Wirkung in die Ferne).”

La seducción de la mujer opera a distancia, la distancia es el elemento de su poder.

Pero de ese canto, de ese encanto, hay que mantenerse a distancia; hay que mantenerse a distancia de la distancia, y no sólo, como podría suponerse, para protegerse contra esa fascinación, sino también para experimentarla.

Es necesaria la distancia (necesaria), hay que mantenerse a distancia (Distanz!), cosa que no hacemos, cosa que olvidamos hacer y esto se parece también a un consejo de hombre a hombre: para seducir y para no dejarse seducir.

Las mujeres viejas[2] ven en la superficialidad todo, la vida misma se les plasma de esa forma: cualquier cosa que huela a profundidad les parece pueril. La mujer suspende toda intención de hacer grave el mundo, de hacer ver las cosas. La verdad como profundidad produce sólo un velo, que cubre perpetuamente a la misma verdad. Sin embargo la verdad no sería simplemente una superficialidad, pues siempre estaría cubierta por un velo. Cuando se saca el velo, cuando una lengua se erige en poder dominante y saca la cubierta, rompe el velo, para que se des-vele la verdad. Ahí se erige la verdad. Los filósofos nunca han sabido como tratar a la mujer...

Se debería pensar también, si la mujer desea la verdad sobre sí: o también, si la verdad desea su verdad. Lo femenino condena cualquier verdad, su arte es la mentira, la simulación. Pero por esa razón, fuerza de afirmación; el dogmatismo condena la simulación en tanto esta es fuerza afirmativa.

La mujer como mentira, pero eso se hace desde la lógica de una metafísica occidental, desde el dogma del filosofo que busca “certezas” y no apariencias... la mujer así, no se afirma en el hombre, sino que se afirma sola. Es una fuerza afirmativa inmanente a ella.

La mujer (la verdad) no se deja conquistar.

A decir verdad la mujer, la verdad no se deja conquistar.

Ella (se) escribe.

En ella revierte el estilo.

Más aún: si el estilo era el hombre (como el pene sería, según Freud, “el prototipo normal del fetiche”) la escritura sería la mujer.

El era, él temía cual mujer castrada.

El era, él temía cual mujer castradora.

El era, él amaba cual mujer afirmativa.

Todo a la vez, simultanea o sucesivamente, según las zonas de su cuerpo y las posiciones de su historia.

¡En él, y fuera de él, estaban implicadas tantas mujeres.

(Las comillas no citadas pertenecen a Espolones de J. Derrida)

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[1] Espolones. Los Estilos de Nietzsche. J. Derrida
[2] En el aforismo “Las viejas y jóvenes” en Así Habló Zaratustra de F.Nietzsche, la mujer vieja le dice a Zaratustra: “Háblame a mí también de la mujer. Soy lo bastante vieja como para olvidar al momento lo que digas”

La fuga de la cultura rock: Babasónicos (Part 2)

2006-08-15T23:59:00.000-04:00

No tenemos un compromiso ideológico ni con nuestro público ni con nadie, pero uno no tiene por qué ser tan light, ni ajeno a lo que pasa. En la Argentina y en el rock en general hay como una estetización de la política. Siempre hablar de la realidad y poner de manifiesto algo es una idea de hacer política desde el lugar de poder que tiene una banda de rock. Pero lo que pasa es que nosotros no hacemos partidismo, porque creo que tendríamos que tener una responsabilidad civil más grande y hacernos cargo de las cosas que pasan, para cambiarlas. Babasónicos se hace cargo de que lo que hace, su obra, sea un escape de la realidad. Dentro de todo ese marco sí podemos tener una opinión, que ya es conocida: creemos en la acción. En lo personal, creo que el arte tiene que ser subversivo, la obra tiene que ser subversiva para el momento contemporáneo, porque de esa forma empuja la moral hacia un punto más lejano y hace que cambien los valores permitidos." (Adrián Dargelos, Vocalista Babasónicos)

Los Babasónicos a partir de su disco Miami (1999) comienzan a sostener un estilo más particular de lo que se entiende por la típica banda de rock, a partir de este disco, Babasónicos logra adquirir una estética musical totalmente original para el medio del rock en Latinoamérica. Por ese tiempo en la Argentina se comenzaba a vivir la gran crisis que desencadenaría en los hechos de Diciembre del 2001. Miami es una profecía, es como un relato por-venir que desnuda a una Argentina corrompida y al borde de la crisis. Es un disco que busca un respiro, una salida. A la vez también es un disco que se podría catalogar íntegramente como anti-menemista y anti-neoliberal. Sin embargo el oyente medio, y ni siquiera el oyente medio, hasta un oyente exigente, al oír el disco jamás podría percibir estos calificativos que hemos dado. Miami y Babasónicos en particular se ven un grupo totalmente inofensivo. Las letras hablan en su totalidad –aparentemente- de relaciones amorosas, eso sí, trágicas y opresivas y musicalmente hablando, el disco no contiene una furia, ni punk ni heavy, como para sostener que ahí se encuentren una actitud que es propiamente contestataria a momentos sociales o políticos. Por eso se nos hace difícil comprender que tan políticos son estos chicos, si en apariencia se ven totalmente apolíticos. La idea Babasónica es la de hacer una política totalmente distinta, y eso es lo que en Miami se comienza a hacer patente. Diego Tuñon, tecladista de Babasónicos deja totalmente en claro la postura política del grupo:

“Si el rock ha ocasionado cambios políticos es porque ha hecho cosas que nadie se atrevía a hacer. Pero con el tiempo, toda provocación ha sido cooptada. Intentar hacer política desde la música es un error total. La música conmueve porque te puede abstraer y lanzarte hacia mundos diferentes. No hay que convertirla en un noticiero.”

El rock con mensaje, el rock entendido tradicionalmente con contenido social o político, instala un discurso codificado, aquel que nos entregan por ejemplos los Media y los aparatos culturales institucionales, no crea otro discurso, simplemente traslada los discursos políticos standard a la música. En palabras de Tuñon no te lanza a mundos diferentes, no hay una política nueva. El disco Miami es un viaje plenamente sonoro, en sus múltiples texturas nos empapa de una liberación que sólo la música nos puede dar, sus frases –totalmente musicales- nos confunden, pues en este disco todo es seducción y contradicción. Pasas de contradicciones a contradicciones del reviente a la melancolía, del amor al desamor, de la velocidad a la lentitud. ¿De qué otra forma una banda de rock podría no colaborar con lo establecido sino es de esa manera?

Miami es el disco más político de los Babasónicos, pero a su manera, con sutileza, con ironía, con sensualidad, con psicodelia, crea otra política, otra salida, es propiamente tal una fuga política. 4 am en el inicio del disco nos define todo eso, nos plantea que es preciso escapar de la casa aquella, de una casa apunto de estallar en llamas; Drag Dealer comienza diciéndonos que todo está en crisis, y qué hacer ante eso; Combustible nos dice a cada momento que hay gente quemando el dinero, y así como El Shopping nos plantea que nos creen tener bajo control, y sutilmente Dargelos nos dice: “yo fumo bajo el agua”. Miami es fumar bajo el agua, la experimentación que uno hace con Miami es precisamente ese fumar bajo el agua, hacer algo a escondidas, hacer una transgresión que a simple vista es inofensiva. Los Babasónicos nos invitan a eso...

Miami comercialmente hablando no tuvo mucho éxito, por ese entonces Bersuit Vergarabat y bandas de ese estilo se movían en Argentina como la voz disidente al fin de la época menemista. Pero Miami simplemente se veía como el 5to álbum de aquella banda alternativa de Lanus, pero, inofensivo a más no poder. Los Babas se dieron hasta el lujo de sacar los lados-b de Miami en donde la temática seguía siendo la misma, tanto en letras como musicalmente. El disco llamado Groncho resultó ser más directo aún en su ofensiva a Menem y a la situación de país. Temas como Drogas Para Qué denunciaba la asociación del ex presidente con el tráfico de drogas y armas; Promotora (quizás uno de los mejores temas hecho por Babasónicos) nos define la situación laboral en la cual se encuentra el país pero a través de las nuevas obreras de los servicios, aquellas damas que entregan su belleza y su nulo conocimiento para las grandes tiendas. El coro “Qué va hacer mañana de ti.. Promotora” es casi como una pregunta generalizada para el país: “qué va hacer mañana de ti, Argentina”; y El Subito es ya el estado anímico total de una sociedad en claro estado a-memorial que necesita imperiosamente una ayuda. Pero todo esto, tanto en letras como en música, está expresado crípticamente, simplemente a través de figuras que las tomas y puedes hacer lo que quieres con ellas: son figuras de libre interpretación. En Promotora, que quizás sea la canción más directa políticamente que han hecho, de la siguiente forma se explican los últimos 20 o 15 años del país: “Aquella industria nacional pasó a edificio abandonado, sirvió como estacionamiento y es el shopping del momento. La gloria del cine de barrio terminó evangelizado si como templo estafa lista, hoy es bingo menemista.” Todo muy sutil, todo en imágenes casi cinematográficas, acá la voz de Dargelos ni siquiera se entiende, son puras murmuraciones, dichas con timidez, con poca convicción de que se dicen. Todo es muy joven en los Babasónicos, son un eterno devenir-joven.

Y bueno, qué pasó en Argentina, luego de la salida de Groncho (2000), -dicho sea de paso con un sello independiente- no entraremos a profundizarlo acá, simplemente lo interesante es que los Babasónicos pecan de estar un paso más adelante, vivieron la crisis antes o la pronosticaron. Si profundizáramos en la carrera de los Babasónicos en los 90’, podríamos ver que ellos encarnan la década, desde sus comienzos en la era Pasto (1992), en donde rebosaban optimismo por un por-venir (claramente como comienza el periodo menemista) y luego poco a poco comienzan a naufragar en aguas más oscuras (época de Dopadromo (1996) y Babasónica (1997), dos discos oscurísimos), terminando en Miami, ya con la crisis económica hasta el techo. Miami entonces es la expresión de siete chicos, músicos, que vivieron en Buenos Aires la crisis, de la expresión musical de ellos claramente saldría algo que tuviera que ver con el acontecer social y político que ocurría por ese momento.

Miami es un documento histórico, de hecho, soy de los que piensan que cada álbum de rock contiene dentro de sí toda una visión o expresión de lo que es un momento histórico. El problema con Babasónicos es que cada disco de ellos es un disco en contra de su tiempo, suenan atemporales, podríamos decir que los grandes del rock (Bowie, The Doors, Queen, The Cure, etc) hacen discos totalmente fuera y en contra de su tiempo, y los Babas no se quedan atrás. ¿Qué son sino Dopadromo, Trance Zomba o Babasónica, discos totalmente atemporales y fuera de su tiempo? Y eso es el rock según el imaginario babasónico.. pero entonces, ¿Miami?, ¿qué es?. Miami simplemente es un disco distinto, de esos discos a lo Instituciones (Sui Generis), de esos en donde ya el exterior político y social se mete totalmente en tu creación y es imposible que no contenga como temática todo aquello.

Para los Babasónicos se cerraba otra etapa musical con Groncho y Miami, lo que vendría sería algo más confuso para ellos. Luego de la crisis ¿qué hacer?, esa era la pregunta... ¿Es posible una fuga de la fuga?.

El paseo

2006-08-10T23:51:00.000-04:00

Abrir la puerta y salir..

Es una forma de entregarte al mar de fuerzas que circulan en aquello que llamamos, "calle"... pavimento, autos, publicidad, frío, algo de verde, edificios, pavimento, gente, sí, sobre todo gente..

Abro la puerta y salgo...

Si estoy en mi casa construyo en cada momento y en cada lugar de ésta, puntos de referencia: el sonido de la música, del pc, de la tele... el sonido del perro que ladra.. camino, me desplazo para crear otras sonoridades que me hagan sentir y saber que no estoy solo. Se trata de crear un orden, de un punto de referencia.. de saber donde mierda estoy parado: mi casa, mi casa...

pero.. abro la puerta y salgo...

Agenciamiento: mi mano y el carné escolar realizan la conexión, corte y flujo, chofer y mirada de reojo...
Agenciamiento: yo y el cobrador automatico.. pase la primera etapa.

Abrí la puerta y salí...

La pendriver a cierto volumen... "estaba acostado, mirando el espacio exterior...". Velocidad, ventana, velocidad, frío en mis pies, y afuera todo es gris. Mis ojos enfocan, hacen tomas, hacen planos, tratan de delimitar una pantalla, sólo veo cierto espacio: los asientos, las cabezas, la calle que me sirve de guía.. trato de enfocar rapidamente lo que hay atrás, no se debe hacer de forma evidente, sigilosamente... hace frío.

Abro la puerta...

me bajo... miles y miles de respiros, la misión: esquivar, sobrevivir, es pasar vallas, sacar puntos tal cual Mario Bross de Super Nintendo...
Soy un anónimo, esto es puro anonimato, nadie me conoce, puedo caminar en círculos y nadie notará que soy un esquizofrénico..

camino devolviéndome, no tengo un punto de llegada, sólo abri la puerta... Salí, me esquivé de este, de aquel.. me di la vuelta a la manzana... me hago el católico, observo la procesión... me dejo llevar por un deseo, son casi 30 minutos de persecusión... me rio, me manejo a mi mismo en esos estados.. soy simplemente nadie, mi carné no significa mucho dentro de una masa delirante. Me siento como el protagonista de Expreso de Medianoche en su delirios de demente...

sufro un delirio de persecusión, pienso que la policía me llevará por no estar haciendo nada.

Abrí la puerta y me exprimí... me convertí en molecúla.

Qué discos suenan en mi cabeza...?

2006-08-08T00:56:00.000-04:00

Ya hace bastante tiempo -por lo menos 2 años- que mis gustos disparan para varios lados, lejos están aquellos días en que disfrutaba por largo tiempo de una sola banda y a ésta le daba como caja. Ahora escucho muchos discos por semana, algunos los escucho dos veces y nunca más los escucharé, y sólo estarán almacenados por mi compulsiva melomanía, pero hay otros que si me gustan, y por lo menos la rayo su mes o sus semanas. Desde hace 1 mes o menos, estos cinco discos son los que más suenan en mi WMP.

Red Hot Chili Peppers – By The Way 2002

Salió Stadium Arcadium (2006), y no sé por qué me dio la curiosidad de indagar en los últimos discos de una de mis bandas de la infancia, los Red Hot Chili Peppers. Para mi los RHCP existían hasta el tibio (pese al nombre) One Hot Minute (95), y claro, aún lo sostengo: Mother’s Milk (89) y Blood Sugar Sex Magic (91) son dos discos que redefinieron los que es el rock de los últimos 20 años, y los Chili Peppers sin lugar a dudas no pasan de las 5 bandas más influyentes de los últimos 20 o quizás 25 años. Pero cuando salió Californication (99) -yo por esos días en otra onda musical- me pareció más un suceso comercial que algo realmente interesante. No pesqué nada de ellos por esa época, conocí sus singles, que fueron muchísimos, pero nada de nada con el disco.. y cuando salió By The Way, menos... de hecho apenas conocía sus singles. Pero hace unos meses –como decía- me dio la inquietud de escuchar ese par de discos que desprecié y sacar del baúl de los recuerdos los antiguos discos, y bueno, resultó, me empapé nuevamente de la onda Peppers... y debo decir que Californication es un muy buen disco de canciones, pero aún es deudor de cierto esquema pre-establecido que se llama Red Hot Chili Peppers, sin embargo By The Way es algo totalmente distinto. Es como otra banda, haciendo un estilo distintivo, que no suena absolutamente a nada, ni siquiera a los mismos RHCP. By The Way es un disco de increíbles canciones, no sé si llamarlo a cabalidad un disco pop, pero sí es un disco de hermosas canciones, todas pausadas, con memorables melodías vocales, y un John Frusciante inspiradísimo.. (que coros John!!!) Creo que aprendí nuevamente con este disco a no ser tan prejuicioso.. ¿A quién se le habrá ocurrido que los discos exitosos son malos??

The Rolling Stones – Flowers 1967

Me demoré bastante en conseguirlo, siempre dije que era algo intrascendente de los Stones, que apenas me la podía con sus discos oficiales (aunque Flowers es oficial) menos me la podría con uno de por ahí, tipo December’s Child. Pero bueno, como en este último tiempo los Stones han sonado bastante en mi WMP, me bajé Flowers y ya ven. Es un discazo, si bien la mitad de los temas los conocía, escuchar Out Of Time, Mother’s Little Helpler, Lady Jane o Ruby Tuesday juntas ha sido un placer. Los Stones ya me están terminando de cautivar, en esta relación de menos a más que he tenido con ellos.

Los Tres – Hágalo Usted Mismo 2006

Llevo casi 1 mes escuchando este disco, y es quizás una de las cosas que más he esperado. Escuchar un disco de Los Tres contemporáneamente (en los noventa no escuchaba Los Tres, estaba en otra...) era algo que no me esperaba. Y bueno, el disco realmente no capturó todas mis expectativas, y que tampoco eran tantas, sinceramente no me quise hacer muchas. La mayoría opina que lo bueno fue ver a Los Tres reunidos, pero que ya con disco nuevo como que no dan mucha gana de escucharlo y de engancharse más allá, hay algo que se perdió en esos 6 años de disolución. Y para ser franco todo eso, en el disco se siente. El disco es más una continuación de la carrera fuera de Los Tres que realizó Álvaro Henríquez más que un disco propiamente de Los Tres, así lo he escuchado yo. Pero también por ese motivo, jamás un disco con composiciones y con la voz del Álvaro, jamás será un disco malo. Hay temas buenísimos, quizás tan buenos que llegan a parecer a los últimos clásicos de La Sangre En El Cuerpo o el Fome. Viento fue la primera canción que me gustó, y hasta ahora me sigue gustando, tiene ese aire trágico tan de Los Tres, otra –y que lentamente se está convirtiendo en un clásico- es Cerrar Y Abrir, una balada con una letra marca registrada Álvaro Henríquez. Las dos cuecas también son lo de lo mejor del álbum (Ruina y Agua Bendita).. el resto?, no es para nada malo, pero no sé, algo falta.. quizás sea cosa de tiempo. Siento que ya Los Tres no rockean, será la edad?... quizás.. pero de algo estoy seguro: Bip Bip es el PEOR tema hecho por Los Tres en su carrera.. De hecho lo más rescatable pasa por las baladas, por eso sostengo que esto es más la continuación de la carrera del Álvaro que de Los Tres.

Café Tacuba – Revés/Yo Soy 1999

El disco que definitivamente terminó por consolidar mi devoción por esta banda mexicana. Es que tanto me habían hablado de este disco que hasta miedo tenía de que no igualara las expectativas que tenía. Pero luego de tener Cuatro Caminos y el Re (quizás los dos discos más exitosos de la banda) me decidí por este disco salido el año 99, y bueno, creo que es uno de los mejores discos de rock en español que he escuchado. Estaría al lado de un Miami de Babasónicos, de un Dynamo de Soda Stereo, de un Artaud de Spinetta, de un Instituciones de Sui Generis, por nombrar las mayores obras que mis oídos han escuchado del rock en mi lengua. Revés/Yo Soy son dos viajes, uno más etéreo, abstracto, en donde yo me sumerjo en un mar de sonidos, de sensaciones, no hay ninguna dirección, ni siquiera un mapeo nominal, de donde uno se podría agarrar, es pura experimentación, ese sería claramente el Revés. Porque la otra parte, el Yo Soy, si bien ya es en formato canción, la experimentación sigue pero más solapadamente. Esta parte tampoco parece Café Tacuba (o por lo menos lo que todo el mundo conoce de ella), es otra banda.. hay canciones increíbles, a ratos parecen banda electrónica, una banda de trip-hop... quizás trip-hop ranchero podría ser el mejor denominativo para esta placa. Una de las mejores cosas que he escuchado este año, lejos.

Beck – Sea Change 2002

Me sorprendió este disco, mucho mucho. Tenía el Mellow Gold (94) y Odelay (96) dos de los más exitosos discos de este músico estadounidense. Y bien, Mellow Gold nunca me gustó mucho, me conformaba con escuchar el himno Loser y luego el disco me aburría un montón. Pero con Odelay fue otra cosa, acá hay más temas conocidos, y el disco en general es muy interesante, bien experimental, algo que no se escucha todos los días, pero tampoco digamos que fue algo que me voló la cabeza. Sin embargo me dio la tincada de bajarme este disco y raramente es con el que menos expectativas tenía, y al final es -a mi gusto- el mejor disco de Beck que he escuchado. Y es raro, porque a primeras no parece Beck, ya que el Beck freak, aquel artista kitch no se encuentra en este disco calmo, introspectivo, con una melancolía que se percibe desde los primeros acordes. La mayoría son temas acústicos, íntimos, sin tanta parafernalia, pero es de esos discos (pocos lo pueden hacer) de quizás no ser tan versátiles pero que son entretenidos por su onda, por su propia carisma (aunque la carisma de este sea algo muy lánguido). Yo como fans de discos como All Things Must Pass (George Harrison) o Euphoria Morning (Chriss Cornell), Sea Change me cae como anillo al dedo.

La fuga de la cultura rock: Babasónicos (Part 1)

2006-08-03T23:04:00.000-04:00

“Hoy, el rock como contracultura está muerto: es una puta mantenida por el Estado y la propaganda. Lo que queda son los vestigios de entretenimiento pop y el kitsch del rock.” (Adrián Dargelos, Vocalista Babasónicos)

Siempre el proceso es el mismo: algo que se desborda y algo que captura lo desbordado. Aquello que se desborda es lo que hace producir y efectuarse al capitalismo, es aquello que Marx sostenía como lo esencial de la burguesía capitalista: su carácter revolucionario. Es un chorro que emana sobre un campo, un torrente que siempre es pura agitación molecular que luego tomará su forma molar. Siempre es el mismo proceso. Al torrente que avanza se le asigna un código, y de esta forma lo que desborda se trae a tierra. El rock –y con ello todo lo que esto acarrea, es decir, la cultura juvenil completa- como un torrente. No queremos definir en este apartado qué es – esencialistamente- el rock, ya que sería una tarea estéril y poco acertada. Simplemente plantearemos preguntas que definirían o darían a entender qué es esto que se llama rock. ¿El rock sería realmente una puta que no es propiedad de nadie, y que pertenece a cualquiera, pero que sólo es mantenida por la propaganda?; ¿el rock como esclava del capitalismo pero a la vez como su mayor ruptura? o ¿simplemente es un aparato de entretención, es decir, un aparato de la Industrial Cultural del mismo Capitalismo?

Partamos diciendo que en el rock se conjugan todas las desterritorializaciones posibles, pero también en el mismo rock se conjugan todas las reterritorializaciones. Porque en el capitalismo siempre se trata del mismo proceso como lo hemos venido diciendo: algo que se desborda pero luego se retiene y se codifica. Deleuze nos dice en un pequeño texto de por ahí: “Si una persona tiene cabellos, esos cabellos pueden atravesar muchas etapas: el peinado de la joven no es el mismo que el de la mujer casada, no es el mismo que el de la viuda: hay todo un código del peinado. La persona: ¿en tanto qué lleva esos cabellos? Se presenta típicamente como interceptora con relación a los flujos de cabellos que van más allá, y más allá su caso y sus flujos de cabellos están ellos mismos codificados según códigos muy diferentes: código de la viuda, código de la joven, código de la mujer casada, etc. Finalmente ese es siempre el problema esencial de la codificación y de la territorialización, codificar los flujos con, y como medio fundamental: marcar a las personas...” Bien, digamos que el rock es ese nuevo peinado constante, pues aparece el rock como una bandera de lucha de la juventud, como algo totalmente nuevo, una novedad cualquiera: es algo sumamente extraño que aparece en el deslumbre total del Capitalismo, en plena guerra fría, en el auge total de la cultura pop'. Los jóvenes se desterritorializan a sí mismos, matan al padre y crean su nueva ley-padre (ya no se escuchará al padre, sino que al rock star de turno): con esto acaecen nuevos códigos (entre ellos un peinado nuevo) y un nuevo lenguaje. El rock en los 60 como se dice estuvo a punto de lindar una desterritorialización total, fue quizás la mayor arma (y evidentemente novedosa) de la Interrupción del 68'. ¿Pero qué hace el Capitalismo ante esto que se desborda? Toma esta nueva forma expresiva y la codifica: le da nombre, lo transforma en legal, lo hace afiche publicitario, lo adapta...

Se dirá que no estamos diciendo nada nuevo, Marx hace mucho tiempo dijo algo parecido, sin embargo acá queremos sostener otra cosa, pues podríamos hacer un estudio cultural y decir lo mismo, pero escogimos al rock porque precisamente en él vemos chances, posibilidades, totales líneas de fugas y demasiadas transgresiones.

Adrián Dárgelos, vocalista de Babasónicos sostiene: “el rock sirve para revelar la farsa y la hipocresía del juego, pero no puede luchar contra el mismo juego porque es un arma del juego. Es un placebo que inventa el capitalismo para que estés contenido dentro de una cierta rebeldía normalizada. Pero el rock siempre puede elegir no colaborar y a partir de ahí generar una contra activa.”[1] Esta declaración es sumamente importante, pues devela algo que para muchos no es visible ni audible. Decíamos más arriba que el rock en sus inicios produjo quizás cambios, alteró a niveles molares y moleculares muchísimos segmentos sociales, sin embargo, fue capturado. Al rock claramente lo podríamos entender como una tremenda Máquina de Guerra, pero el problema actual consiste precisamente en dar una nueva noción de lo que es el rock como Máquina de Guerra, darle todo su papel de nomadismo, de trasgresión, y de agente de perturbador de las masas. La declaración de Dárgelos[2] es clave para entender todo esto.

El rock en tanto es producto del capitalismo se diseñó a sí mismo una forma y cierto estilo de ser, o mejor dicho: una actitud. Ese estilo o actitud es el de la rebeldía ante lo establecido. James Dean como prototipo a seguir dentro del rock; estilo que quizás funcionó en la primera década del rock, con figuras como Morrison, Hendrix, Lennon o Joplin, que funcionaron como la novedad, como lo propiamente moderno y vanguardístico, pero luego fue coactado o reterritorializado, y se creó aquella rebeldía normalizada. Aquí o allá la firma del contrato con la multinacional, el merchandising en torno a la banda o al “icono” y un sin fin de aparatos que regularizan la rebeldía y la trasgresión.

El problema que queremos enunciar aquí es el de cómo el rock puede ser actualmente una vía de perturbación y trasgresión, pese a estar coactado y capturado. Y si nos fijamos, ¿no es este el problema actual de lo político? Pues claramente eso también queremos sostener, al hablar del rock no estaremos hablando desde una perspectiva periodística tipo fanzine, sino que la temática del rock nos servirá para sostener cómo o de qué forma son posibles salidas políticas, líneas de fuga, y de cómo poder operar dentro de una Máquina de Captura. Y ciertamente: de cómo el rock puede producir fantasía y descentrar a una generación de sí misma, y provocar alteraciones sociales, grupúsculos sin identidades y aglutinaciones verdaderamente sociales, es decir tribus urbanas, verdaderas tribus.. Los problemas serán tratar de deslindar al rock de ciertas expresiones panfletarias, ancladas todavía a una idea de representación, o de entrega de mensajes, que no caen en otra cosa que en el moralismo político y humanista. El otro punto importante de aclarar acá es de cómo el rock (como posibilidad política) sólo puede operar al estar en constante conexión con cualquier otra cosa, es decir, no debe estar marginado en ciertos sectores, sino que acá se hablará de un rock (o de una salida política) totalmente inmerso en la cultura del espectáculo, en la cultura pop'.

[1] Entrevista publicada en Diario Los Andes -Mendoza- el 13-10-2002 http://www.rock.com.ar/notas/0/102.shtml
[2] Utilizaremos a los Babasónicos sólo por capricho, trataremos de utilizar entrevistas y canciones, y la estética de este popular grupo de rock para demostrar en el mismo texto como puede operar una Máquina de Guerra en la cultura Pop, en los mass-media, y en los charts tan codificados y segmentarizados por el Capitalismo.

The Velvet Underground And Nico

2006-08-02T23:25:00.000-04:00

THE VELVET UNDERGROUND - THE VELVET UNDERGROUND AND NICO

AÑO: 1966.

Imprescindible. Lo digo pensando en cualquiera que se sienta un melómano en cualquier escala. Más imprescindible aún, para alguien que cree ser alternativo, o se siente devoto de los sonidos alternos y no oficiales. Esta placa del año 66 es a mi gusto el inicio de demasiadas cosas. ¿Padres los Joy Division?, pues claro que sí, padres de todo lo que se precie de dark, pero no hubiesen sido nada sin este disco. The Velvet Underground es de esos discos que siempre sonarán vanguardisticos y rompe esquemas. Porque The Velvet Underground And Nico es un disco que pavimentó – y a mi gusto – creó lo que es la música alternativa. Aquello de sonar desfasado a lo que suena en tu época, aquello que es crear un sonido distinto a lo que está de moda. Estos tipos de la nada sacan un disco en pleno auge de la psicodelia, en pleno esplendor del hippismo y la era de las flores, de discos como Sgt. Peppers, Are You Experienced, Surrealistic Pillow, etc.. En ningún momento Lou Reed y compañía coquetean con los hippies ni con la psicodelia, sino que nos muestran una cara que el rock hasta ese momento no tenía, aquella del dark side, de lo oculto, de lo siempre reprimido. Estamos en 1966, ojo con esto, ¡hace 40 años!, y estos tipos, verdaderos padres, nos deleitan con un disco totalmente cumbre. ¿Qué sería de la espectacular década de los 70, con artistas como: David Bowie, The Stooges, Televisión, la explosión punk con los Clash, Sex Pistols, o lo post-punk con los Joy Division sin este discazo?, pues creo que nada. Porque The Velvet Underground And Nico en plena época del LSD con visiones románticas e ingenuas del mundo, llegan con una dosis de perversión, de sadomasoquismo, homosexualidad, y callejeo urbano. Quizás el único paralelo epocal que podríamos hacer es con Strange Days, ya que ese otro discazo es una experimentación oscura, y nos toca fibras tenebrosas y siniestras, pero la diferencia creo que pasa por el sonido de cada disco, mientras el ... And Nico contiene quizás uno o dos temas más pop (Sunday Morning sería uno, y el otro podría ser Femme Fatale), Strange Days está plagado de temas pop y exitosos, cosa que no es para nada mala pero ya desvirtúa la noción de “alternativa” que estamos constatando acá.

El sonido de este disco para algunos es malo, sí, si bien no suena perfecto, casualmente eso le da otro plus, no sé si concientemente el sonido de este disco estuvo diseñado de esta forma, pero raramente este sonido es lo que nosotros conocemos por avantgarde. Y del por qué Lou Reed es tan ídolo (cosas que yo me preguntaba antes de escuchar este álbum) simplemente te lo respondes al oír The Velvet Underground And Nico. La voz de este genio es realmente particular, es como un Bob Dylan dislocado, callejero, un tipo al límite de la sobredosis, pero de una sobredosis con sabor a muerte, no con colores, sino que oscura.. Porque debemos decir que la Velvet no tomaba LSD sino que heroína, y de ahí viene su concepción de las cosas, de ahí toda la perversión de este disco, y de la estética de esta banda en particular. El tema clásico de este disco, precisamente se llama Heroin, y es el homenaje perfecto a la heroína, es la muestra de cómo me consume la droga, y el llegar a rozar la muerte, y el tema a uno nos sumerge en un viaje. La voz de Lou Reed suena exquisita, totalmente clara, marca su personalidad, podría decir que este tema es Lou Reed.

Pero bueno, el toque distintivo a este disco lo da Nico, una chica venida de la nada. Cuenta la leyenda que Warhol (productor de este disco, y manager de la banda por ese entonces) les propuso a la Velvet incluir a esta chica alemana en el disco, cantando en algunos temas, y bueno, el detalle era que ella no hablaba muy bien el inglés, y es cosa de escuchar que la pronunciación de ella no es muy buena, -pero como todo en este disco- lo que podría ser un defecto se termina convirtiendo en una tremenda virtud. Porque la voz de Nico es inigualable acá, temas como Femme Fatale, All Tomorrow’s Parties y I’ll Be Your Mirror son de lo mejor del disco. Mi favorita es la primera, tema digno de un cabaret parisino, nos entrega una de las melodías emblemáticas de este disco; All Tomorrow’s Parties es otra cosa, es una procesión oscura y diabólica, y la voz de Nico nos invita a danzar en una verdadera danza macabra; y I’ll Be Your Mirror es más dulce, nos adelanta tantos sonidos, yo veo en esa canción a los futuros Cocteau Twins por ejemplo. Todos estos temas en donde la música -la guitarra y el bajo particularmente- suenan bajísimo dan un toque realmente experimental para la época, pura sutileza.

Antes de todo esto, abría el disco una de las mejores melodías escuchadas en mi vida, a muchos les recuerda el No Surprises de Radiohead: Sunday Morning. Es un tema que no tiene realmente mucho que ver con el sonido del disco, nos da una pista falsa de cómo vendrá el álbum después, de hecho es casi un tema pop, muy lindo y amable, pero con un trasfondo perverso de un día domingo por la mañana. Pero esa apacibilidad la acaba toda I’m Waiting For The Man, tema muy en la onda Stones, muy de rock sucio, nos adelanta el futuro punk, con una voz de Lou Reed increíble, nítida y muy urbana, un temazo! Pero mi tema favorito y quizás a mi gusto uno de los que más influencias en futuros sonidos tuvo, es Venus In Furs. Tema que podría sintetizar el sonido Velvet, ya que la base es oscurísima, ese riff de los mil demonios!!, qué hubiese sido Bauhaus o el rock más dark sin este temazo!. Qué decir de la viola de mister Cale suena increíble, le da un toque cardiaco al tema fenomenal. ¿La letra?: desquiciante. Luego sigue la punky Run Run Run, que tiene un solo de Lou Reed disarmónico, pero en este disco esas minucias, esas cosas que podrían en otro álbum o en otra banda ser totalmente perjudiciales, acá son coronadas como sutilezas, como variaciones estilísticas que le dieron al rock otro estatus.. Y pese a todo, este disco es algo versátil, los temas no suenan taaan parecidos como uno podría pensar. El mismo disco opera constantemente como un rompe moldes. Ejemplos de esto sería There She Goes Again, que quizás suena más pop, con un coro de Nico algo operatico, es una rareza, de los temas mediocres del disco eso sí.

Pero lo realmente experimental viene con los dos temas finales: Black Angel’s Death Song (que nombre!!, parece tema de grupo Black Metal) y European Song. En el primero es casi solo la viola de Cale y los improperios y trabalenguas que dice Reed. Y el último tema del disco, European Song es una revoltijo de todo el disco, es como que en 7 minutos pase todo lo que quisieron hacer, acá las excentricidades de la guitarra que no hace nada solo ruido, el acompañamiento discordante, en fin, es una locura, un final apropiado para este disco diría yo.

The Velvet Underground And Nico es un disco excelente, un grande del rock de todos los tiempos, si tu alguna vez has sostenido que te gusta la música alternativa y no escuchaste este, no sabías lo que hablabas

La carátula es cuento aparte, obra de Andy Warhol que por ese entonces era icono y figura en New York. La Velvet no tontos ni perezosos se dejaron apadrinar por este tipo que les produjo el disco y fue manager por esta época de la banda. La imagen ya es un clásico de la obra de Warhol.

Play: del cómo jugar, del cómo hacer una fuga...

2006-07-24T19:43:00.000-04:00

PLAY
2005
DIRECTORA: ALICIA SCHERSON

Play o también podríamos decir, del cómo jugar en la urbe globalizada...

O también podríamos decir, del cómo salir con tu walkman y no morir atropellado...

Play es un cruce constante, cruce de sensaciones, cruce de clases sociales, cruce de miradas, un cruce visual, un cruce de lenguajes, etc. La figura del cruce evidentemente va ligado con la figura del caminar, del extraviarse, Cristina Llancaleo como la encarnación del Flaneur de Baudelaire. Tendríamos que pensar entonces en un Santiago como un eterno cruce, como un eterno extravío; y pues, cualquiera que tenga por hobbie y experimentación extraviarse, perderse, dejarse llevar por una urbe, sabrá de lo que habla Play. Santiago tiene en Play su mejor documental, y a la vez, su mejor banda sonora.

Volviendo a la figura del juego, porque Play (como dice la palabra) plantea un juego. Ese juego que todos los personajes de la película realizan (bueno, algunos más otros menos) una respuesta/resistencia a una sociedad que exige ser algo. Play vendría a colorear al gris Santiago, vendría a darle vida, a hacer de calles como Marchant Pereira un ring de lucha tipo Mortal Kombat. Play efectúa casi en cada momento la sincronización de las clases sociales, de no hacer notar que éstas existen, de plantear un dialogo por ejemplo de igual entre el arquitecto y el obrero de la construcción, en donde el obrero es más sabio que el arquitecto. De que Cristina (esa joven mapuche que vino a Santiago a buscar mejor vida) aspire a más vida pero no por los medios que la sociedad impone, sino que simplemente vaga, vaga por las calles, busca a alguien que apenas sabe quien es, busca una meta que en definitiva es ninguna. Play – definitivamente - es puro deseo. Y la ciudad se nos mueve en la película de esa forma, la música (fenomenal a todo esto) nos entrega ese movimiento, nos endulza Santiago. Sería común escuchar de alguien que nos diga: ¿en qué país se filmó esta película? Porque a ratos no parece Chile, no parece Santiago.

El Cine chileno acostumbrado hasta hace un par de años a ver en la pantalla grande cosas supuestamente marginales como Blanco y Azul, Mala Leche, y cosas así. En donde las chuchás excesivas, y las caracterizaciones de los personajes marginales llegan a ser caricaturescas (El Leyton), Play es aire nuevo. Porque se le podría acusar a Play de ser complaciente, de ser soft, de ser poco crítica y algo evasiva. Pero creo que ese análisis es errado, ya que a mi me parece que Play opera en la marginalidad mucho más que las películas que cité, pues primero que todo es una película como de las pocas que hemos tenido en Chile, opera en las microrealidades no a niveles macros, y eso ya es una marginalidad. El Cine chileno acostumbrado a mirar las cosas desde una postura ideologizada terminó olvidando los espacios micros, las micropercepciones, las miradas desde la propia gente, no desde la mirada partidista ideologizada y panfletaria, que terminó siendo una caricatura (en política real vivimos algo parecido, cosa que da a entender que en el Cine o el Arte se viven y se inscribe todos los procesos políticos supuestamente reales) Play abre la micro-percepción, nos entrega una mirada múltiple.. Alicia Scherson en su opera prima nos entrega todo aquello, haciendo de Play más que una película, una experiencia que diluye lo objetivo. Ya que al ver Play vemos el Santiago que no vemos diariamente retratado de forma grisácea en los noticieros, en donde vemos una ciudad oscura, llena de peligros, que más que alentarnos a salir a ella, nos incentiva a quedarnos viendo la tele en nuestras casas.. Play nos hace salir, Play mismo como decía ya es una experimentación tremenda de este Santiago.

Párrafos muchos nos podrían inspirar el personaje de Tristán, símbolo nihilista de una sociedad postmoderna. Pero también eso nos llevaría a plantear la cuestión de la ironía dentro de Play, que es algo muy importante. Porque Play no es trágica, no es nihilista, pese a que Tristán es un nihilista. Tristán digámoslo de frente, es vilmente ridiculizado. Y es aterrador porque es EL hombre de la película, pues Play - y no lo hemos dicho - es tremendamente femenina. Pero más que burlarse del hombre, se burla precisamente de la postura nihilista. Play, su juego nos dice a cada rato que la salida no está en lo que hace Tristán sino en lo que hace Cristina...

Más info sobre la película en :
http://www.lafuga.cl/estrenos/play/
http://www.playlapelicula.cl/ http://www.labutaca.net/films/33/play.htm

y visita : http://www.fotolog.com/cinestecine

Los Tres 7/7/06 Arena Santiago

2006-07-10T02:52:00.000-04:00

Me es difícil poder describir la experiencia que viví ayer en el concierto de Los Tr3s. Son demasiadas las sensaciones que tuve y que me mantuvieron por dos horas y media en un estado de shock tremendo. Partiré diciendo que este puede ser considerado EL mejor concierto al que he tenido oportunidad de ir. Las razones: primero porque nunca vi tanta algarabía en el público, pero no una algarabía sólo de fans del rock, sino que algo más allá, sentí que estábamos frente a un tremendo referente cultural, algo más allá de una simple banda de rock; segundo, es el mejor porque yo me emocioné hasta las patas, y bueno insistiré en esto, que no es algo que tenga relación con un sentimiento de fans melómano, ayer sentí que estaba en algo más allá de ser un concierto de rock, sino que estaba en una tremenda fiesta popular. Era como que el espíritu de Victor Jara, de Violeta Parra, de Neruda, de Los Jaivas o Los Prisioneros, estaba presente ahí, era otra cosa, totalmente otra cosa.

Ya que desde el comienzo, todo era muy chileno, recuerdo los temas de Los Jaivas que se pusieron antes del show, ¡como se coreaban!, ahí sentí que estábamos en otra cosa. El inicio fue emotivo (como casi todo lo que pasó en el show), se proyectaron imágenes de los tres miembros que se reunieron, del Álvaro Henríquez, de Titae Lindl y de Ángel Parra. Imágenes que iban desde su infancia, hasta su carrera junto a Los Tr3s, de fondo sonaba Claus, intro del disco Fome, y mi ansiedad se desbordaba. Terminó Claus y luego sonó Largo, instrumental que cierra el disco Fome, la gente coreaba: “ole ole ole oleeee Los Tr3s, Los Tr3s...”, era la cagada.. Luego todos esperaban que salieran, y en la misma pantalla se proyectó el video del single de su nuevo disco, este era Camino. Estaba muy impaciente, no salían nunca, hasta que acabó el video, y se apagaron las luces y aparecieron: Álvaro, Titae y Ángel, como cabros chicos saltando, deseosos de tocar, de entregarse a 15 mil personas que estaban totalmente extasiadas y fervorosas. Henríquez agarra la guitarra, y hace un acorde, son los primeros acordes de Somos Tontos No Pesados. Y bueno no era un tema menor para comenzar el show, ya que es el tema que abre también su primer disco. Y quizás yo no me esperaba menos de una abertura de concierto con este temazo, verdadero himno generacional. Debo decir que estaba totalmente emocionado, las 15 mil personas, coreaban la simple pero contundente frase: “somos tontos, no pesados...” Increíble. Pero el delirio fue mayor, cuando comenzaron a sonar los acordes de Sudapara, tema que también está dentro de su primer disco homónimo. La estrofa, “como un militar mirando cuadros de Dalí, esperando volver nunca más...!!” fue cantado con una rabia y emoción única. Pues claro, creo que en el show de Los Tr3s perfectamente se podría decir que pasaron los últimos 20 años de historia de Chile, no sólo por las muchas imágenes que se proyectaron, con fotos del Mamo Contreras, de Pinochet, de la vuelta a la “democracia”, del Tío Roberto Parra y de los mismos Tr3s entre otras, no sólo por eso, sino que también por las mismas canciones que tocaron Los Tr3s, verdaderos himnos en su totalidad, canciones que ya se encuentran en el inconsciente colectivo de todo un país.

El show prosiguió con temazos como La Torre De Babel y Hojas De Té, temas de una onda parecida, en donde las influencias del jazz y el rockabilly se hacen patentes. Y pues ahí estaban Los Tr3s poniéndose quizás uno de sus tantos trajes. Ya que, los trajes son muchos: perfectamente pueden ser una banda de jazz, de rock pesado, una banda cuequera, o una banda de baladas trágicas pero también de baladas románticas. Pasan del tema más oscuro y trágico a la risa más picara. Los Tr3s encarnan a Chile, creo que nos encarnan.

Luego de tocar dos temazos de su disco más roquero el Se Remata El Siglo, Los Tr3s invitaron al escenario a Emmanuel del Real, músico de Café Tacuba. A mi me gustan los Tacuba, pero nunca los he visto en vivo, entonces era algo nuevo ver a este tipo. Y debo decir que Emmanuel se comió el escenario, el tipo estuvo brillante. De partida es un excelente tecladista y tiene un estilo que transmite algo demasiado groso, una onda que no cualquiera tiene. Más encima el tipo se dio el lujo de cantar unas estrofas en Tírate, en cantar el coro de Olor A Gas, y tocar el teclado en dos temas del nuevo disco, en Camino y Cerrar Y Abrir (que aprovecho de decir que es una de mis favoritas del nuevo disco). Fenómeno. Una de las mejores cosas del concierto. Debo decir antes que Olor A Gas fue uno de los mejores momentos del show. Es un temazo, está claro, pero salió tan pero tan increíble, que aún tengo latente el “sin sábanas, sin un colchón, duerme tranquilo como un lirón..” que cantaba Emmanuel, grosísimo!

El set de cuecas estuvo muy bueno, era de esperarse que hicieran algo así. Algunas clásicas, como El Arrepentido, La Vida Que Yo He Pasao fueron coreadas de forma espectacular. Los Tr3s tocaron cuecas cuando no era cool, ahora hasta Kudai lo hace, totalmente pioneros en eso. Las imágenes del Tío Roberto Parra se proyectaban atrás de ellos, como el verdadero mentor de Los Tr3s, hasta Henriquez se dio vuelta paa hecerle una reverencia.

Un momento cumbre también fue la ejecución del tema No Me Acuerdo, tema explícitamente dedicado a Pinochet, y en donde más encima se proyectaron imágenes del Dictador, pero en su supuesta demencia, es decir imágenes más actuales. El tema está bueno, y bueno, es el que abre su último disco. En ese momento las pifias fueron ensordecedoras. La primera ida del grupo fue con dos rockers potentes Bolsa De Mareo y Tu Cariño Se Me Va cantado a todo pulmón... hasta ahí yo era feliz.

...y luego fui más feliz, porque volvió Álvaro Henríquez, solo con su guitarra, y yo inmediatamente supe que tocaría Me Arrendé, tema que anhelaba que tocaran. Bueno, aquí un par de lágrimas boté, era mucho para mi, el tema me llegó demasiado en su momento, y verlo en vivo más encima con la sensibilidad que había acumulado en todo ese rato, era mucho. Hermoso tema, demasiado emocionante. Y por si no fuera poco, el Álvaro dice: “ahora una directa al mentón” y son los acordes de Moizefala, y yo ahí fallecí. Fue increíble ese regreso, más que nada porque tocaron dos temas que no son de lo más conocido de Los Tr3s, pero sí de lo mejor. Luego vinieron dos clásicos: Amor Violento y Déjate Caer, ésta última causó un efecto paralizador en el público que se veía reflejada en esa letra y en esas imágenes!!. Qué decir de lo que vino después con Emmanuel nuevamente en los teclados, recrearon cierto pasaje de la versión de los Tacuba al tema de Los Tr3s, y más encima Emmanuel nos entregó parte de su talento, haciendo del escenario una pista de baile electrónica: otra onda este loko!! Luego para despedir a Emmanuel tocaron otra del disco nuevo para el lucimiento de Emmanuel, Bip Bip.

Ya a esa altura había sido mucho descarga, demasiadas emociones, demasiados recuerdos, demasiados temas buenos. Los dos últimos unos clásicos infaltables: La Primera Vez y La Espada Y La Pared, verdaderos himnos. Los Tr3s se iban... pero volvieron con Restorán, un final piola, ya no había otro hit que pedir, aunque creo que faltaron muchas. Quizás Pájaros De Fuego o No Sabes Que Desperdicio Tengo El Alma, fueron temas que debieron haber sido tocados, yo también esperaba algo más de La Sangre En El Cuerpo, pero bueno, fue muy bueno todo. Creo haber vivido mi mejor concierto, me sentí más chileno que nunca, desde el principio, todo era muy familiar, muy colectivo, muy de sangre en el cuerpo como dirían ellos mismos, muy de haber vivido con esos 15 mil tipos que estaba ahí las mismas experiencias bajo el mismo cielo y la sobre la misma tierra...

El set list fue este:

1. Somos tontos, no pesados (1991).

2. Sudapara (1991).

3. La torre de Babel (1997).

4. Hojas de té (1995).

5. El aval (1993).

6. Gato por liebre (1993).

7. Tírate (1995).

8. Camino (2006).

9. Olor a gas (1997).

10. Cerrar y abrir (2006).

11. No me falles (1999).

12. Traje desastre (1996).

13. Silencio (1997).

14. He barrido el sol (1991).

15. Agua bendita (2006).

16. El arrepentido (1996).

17. La vida que yo hey pasao (1996).

18. La negrita, cueca.

19. Puerto de Valparaíso, cueca.

20. Quién es la que viene allí (1996).

21. No es cierto (2006).

22. Bolsa de mareo (1997).

23. Tu cariño se me va (1995)

(bis)

24. Me arrendé (1997).

25. Moizéfala (1995).

26. Amor violento (1991).

27. Déjate caer (1995).

28. Bip bip (2006).

29. La primera vez (1991).

30. La espada y la pared (1995).

(bis)

31. Restaurant (1997).

Discos:

(1991) Los Tr3s

(1993) Se Remata El Siglo

(1995) La Espada Y La Pared

(1996) MTV Unplugged

(1997) Fome

(1999) La Sangre En El Cuerpo

(2006) Hágalo Usted Mismo

Los Tres

2006-07-07T00:18:00.000-04:00

Si bien no viví la era dorada de Los Tres en los 90' por una cosa de edad, podría perfectamente retratar momentos de mi vida con sus canciones. La pluma de Alvaro Henriquez, sobre todo con Los Tres, ha sido una de las cosas que más me han marcado en mis últimos años de vida... hay tantas frases que podría acá citar, tantas canciones, y melodías memorables que han hecho que mi vida "no haga a un monje perder su fe"... La abulia, la indolencia, esa eterna esperanza, de no esperar absolutamente nada de lo que acontezca el día siguiente, me han entregado sus canciones..

Podría decir que La Sange En El Cuerpo integramente es un disco que retrata todo eso... y bueno, es una cuestión generacional también, la voz de la transición, de las ruinas de esa Dictadura Neoliberal que aún no se va.. Los Tres son ese residuo, lo que queda de todo aquello. Pero lo bueno, es que LA forma de soportar ese estado de estar vació y rodeado, llorando por un siglo que se nos fue, dejando absolutamente por perdida cualquier esperanza de un mundo mejor, es resistido de una forma estoica, de igual pararse ante todo ello, de no dejarte vencer pero de una forma distinta y especial.. Para mi esos son Los Tres, la voz de mi generación, que a la vez es la no-generación, porque evidentemente no pertenecemos a nada, nosomos nada como dirían otros.. Los Tres evidencian todo eso, no tenemos donde ir, no tenemos edad, somos huerfanos, somos aquellos que nos criamos sin nuestros padres, mirando televisión y escuchando música...

Mañana se me caerá una lágrima.. demás, con Traje Desastre, He Barrido el Sol, La Feria Verdadera, Pájaros de Fuego, Me Arrendé.. con cualquiera de esas que toquen, será uno de los momentos más emotivos en mi vida..

Sobre espectros

2006-03-28T00:20:00.000-04:00

Es complejo borrar los fantasmas. A veces uno puede simplemente ocultarlos, tenerlos escondidos y darles de comer de vez en cuando. O en otras los fantasmas no dejan vivir y te aterran. Creo que mi experiencia fantasmal ha pasado por varias etapas, ha devenido en muchas formas... A los 15 tenía mis fantasmas, eran más que nada cosas de la infancia: los temores y todo eso. Pues ya más grande el fantasma es netamente de origen femenino, y ese es el terrible... Uno debe aprender a vivir con los espectros sostiene la tradición occidental. Suena simple, quizás es simple cuando uno lo aplica a la vida personal, pero es complejo llevarlo a un terreno quizás histórico, social y político. Y nuestra (y pues claro, mi experiencia personal) experiencia chilena, es totalmente atingente. Los espectros son claramente aquellos que quedaron en nuestro pasado más reciente, aquellos que quedaron volando por ahí, repercutiendo en nuestro presente más cercano. La figura del desaparecido es clara: ¿qué es un desaparecido?, creo que se han preguntado los pensadores chilenos en los últimos 15 años, porque claramente no es un simple tipo que desapareció para no volver. Los fantasmas del pasado nos repercuten, hacen presente, como diría Benjamin, hacen saltar la linealidad histórica, en su caso, los fantasmas derrotados, aquellas voces reprimidas son las que deben hacerse presente, y traer la interrupción mesiánica. Pero ese es otro tema..

Pero en mi caso ahora...

Claramente los fantasmas de mi pasado más cercano han sido superados (¿pero se puede hablar de superación?) Yo creo que la superación es ficticia, de una u otra forma estamos atados a un pasado cercano, éste permanece en el cuerpo, hace las llagas, y por eso es díficil poder sacarselos, desatarse a él..

Esto no es justificación, es simplemente una visión de que ser capturado por el fantasma no es que uno quiera ser el fantasma o volver a él... Simplemente uno es atrapado por el, porque el fantasma aunque no queramos es parte de nosotros...

Fiesta de la ciudadanía

2006-03-13T00:44:00.001-04:00

Me llegó a doler la guata ayer (11 de marzo) al ver la algarabía que causó el cambio de mando. Desde la salida de Lagos que tuvo lágrimas de demasiada gente y después la llegada de Bachelet a la moneda... Bien, puedo sonar amargado (cosa que no quiero ser) pero no sé, me causa extrañeza que gente que tiene millones de deudas, vive con stress, la explotan en sus respectivos trabajos, nadie la escucha, no tiene opinión, ni menos canales de opinión, hayan estado tan euforicas con todo esto... "Fiesta ciudadana" dijo el oficialismo, pero la fiesta es puro simulacro, pura falsedad, aquel ciudadano jamás existió, sólo es una mercancia con patas, producto y productor de una economía perversa llamada neoliberalismo...¿De qué fiesta me hablan?? No hay nada que celebrar!! Todo sigue absolutamente igual.

Eso sí, hoy ameritaba ir a la famosa "fiesta ciudadana" . Eso es lo bueno de la concertación que da ciertos espacios que por lo menos hay que ocupar.... Creo que en un gobierno de Piñera ni siquiera hubiese podido salir a la calle, porque su acto de festejo hubiese sido con una NOTABLE presentación de su hermanito Miguel Piñera y por parte del folklor los inigualables Huasos Quincheros... El problema no es que la concertación siga gobernando, sino es el hecho de que realmente las cosas siguen igual por un tema más profundo, por un asunto constitucional, económico y totalmente político... En tanto Chile siga gobernado por la misma constitución, y siga imperando el mismo sistema económico sin casi ninguna modificación, la cosa es lo mismo, aunque las mujeres en pelota nos gobiernen (aunque eso sería un gran cambio en todo caso )..

Yo hoy fui igual a la "fiesta ciudadana" porque me gusta cuando se reune gente en las calles y podemos ocuparlas no sólo para transitar hacia nuestro lugar de estudio o de trabajo, sino que para divertirnos, de la forma que sea... eso a la concertación se le agradece y la derecha jamás lo entenderá..

Pedro Aznar notable a todo esto...

No hay nada que festejar

2006-03-12T00:34:00.000-04:00

A raiz de hoy, supuestamente día histórico, comenzemos todo esto con una pequeña interrupción a la algarabía que hay en Chile por estas horas...

[Siento que en el metro nos definimos como sociedad. El lugar en donde nos encontramos, pero a la vez, rapidamente nos escapamos de nosotros mismos. En el metro se conjuga la velocidad, la inmediatez, el éxito, la apariencia, y la sofisticación, de un modelo (sistema, máquina, o lo que sea, ya a esta altura es algo que cuesta nombrar) que exige en parte todas aquellas quenombre. Quizás hay muchos lugares en donde todo eso se da, quizás en todos lados... pero el metro es un espacio circular, pues ahí precisamente se encuentra todo lo moderno. Chile se puede vanagloriar de ser todo lo que se supone simplemente por su metro.. Y nosotros ahí, compramos el boletito y bajamos, y en ese bajar disfrutamos (pues yo lo disfruto) de vivir ese sub-mundo en donde TODO lo que aspiramos como sociedad se concreta. Por ejemplo: todo ordenado y limpio, también ahí dentro de él podemos encontrar a un alto ejecutivo de una empresa al lado de un obrero de la construcción y al otro lado a un estudiante, en fin, ahí se encuentra aquella "igualdad" que tanto aspiramos. El metro es un fenómeno social, una fiesta también, o una farsa (como toda fiesta), es pura frenésis, y simulacro de lo que "debemos" y "queremos" ser.. ]